Dirección de representaciones teatrales y celebraciones. Director de representaciones teatrales y celebraciones. Descripción de la profesión Departamento de Dirección de Representaciones Teatrales y Celebraciones

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Prueba sobre el tema: Escritura de guiones.

sobre el tema: Dirección de representaciones teatrales y celebraciones.

Introducción

Conclusión

Bibliografía

Introducción

Durante muchos milenios, la humanidad ha creado ciertas formas de comprensión artística del mundo. La cosmovisión pasó de generación en generación a través de un sistema de espectaculares imágenes simbólicas. Algunas de las formas espectaculares, bajo la influencia de los cambios sociales, se transformaron de manera móvil, acumulando el código de los grupos étnicos, principalmente su programa cultural. La necesidad de que las personas se involucren en el proceso artístico de explorar el mundo continúa hoy. Ésta es la condición para la existencia de la humanidad. Entre todos los tipos y géneros de arte que, como saben, son una forma de entender el espacio vital de una persona, el lugar principal lo ocupan los espectáculos. La larga historia de existencia de las gafas demuestra su vitalidad y requiere una mayor comprensión e investigación multifacética. Además, el concepto de desarrollo de la cultura y la espiritualidad del pueblo también incluye el espectáculo como elemento más importante.

Las representaciones teatrales y las celebraciones educan a cada individuo y a todo el equipo, enseñándoles la capacidad de expresar sentimientos de solidaridad entre las personas. Podemos decir que las vacaciones revelan “fuerzas humanas esenciales”. Las vacaciones levantan el ánimo, concentran la energía creativa de las masas y expresan emociones colectivas. Al acumular emociones humanas, revela las verdaderas aspiraciones ideales de las personas. En una representación teatral, una festividad, cada persona es intérprete y espectador, creador y partícipe de una vida especial con sus propias formas de comportamiento colectivo determinadas por costumbres, rituales, ceremonias y ritos.

Un hito importante en la historia del estudio de las vacaciones fueron los libros de D.M. Genkin “Fiestas masivas”, B.N. Petrova “Dirección de espectáculos artísticos y deportivos de masas”, I.G. Sharoev “Dirección de espectáculos de variedades y de masas” y muchos otros.

El interés por las vacaciones por parte de diversos especialistas subraya su importancia y al mismo tiempo ayuda a identificar su propio aspecto del estudio. Reside en la necesidad de introducir activamente el espectáculo en el espacio vital de una persona. La percepción de la festividad y la participación humana en ella están estrechamente relacionadas con la realización del lado artístico y creativo de este teatro de masas, especialmente con la dirección. Un punto de vista inadecuado sobre algunos aspectos importantes del trabajo del director, su falta de comprensión práctica y teórica plantean el problema de la profesionalización de la representación teatral y de la dirección de festivales y otros tipos y géneros de teatro de masas.

1. Rasgos específicos de la dramaturgia de las representaciones teatrales y festivas.

Especificidad, dramaturgia de la representación teatral y celebración en el documental. La dramaturgia, por regla general, se basa en hechos específicos y su comprensión. Esto no significa que carezcan de ficción artística, que en el guión de una fiesta, un concierto teatral o un espectáculo de masas no pueda haber imágenes generalizadas de héroes del pasado, presente y futuro. Contra. Es la combinación de dos líneas, el periodismo documental y la imaginería artística, lo que le da al guión escala, expresividad y profundidad; no pueden oponerse ni excluirse mutuamente, como hacen a veces algunos dramaturgos y directores. El documental, por supuesto, no es sólo una característica de las formas de masas. El guión, basado en documentos, cartas, diarios, es muy común hoy en día en el teatro, el cine, la televisión y la radio. Sin embargo, el documental es más inherente al espectáculo de masas que se desarrolla en plazas y parques de cultura y recreación, en las calles.

Utilizar hechos específicos, utilizarlos como base para escenarios de espectáculos masivos: esto significa, en primer lugar, estudiar y conocer bien la vida de una comunidad humana específica, extraer temas y tramas de ella y hablar sobre la vida real. eventos. Sin ese material vital, cualquier fiesta es impensable. Por supuesto, el grado de documental en varios espectáculos masivos puede ser diferente: desde una representación teatral o un retrato nocturno basado en la biografía del héroe hasta una acción simbólica en la plaza asociada a un evento real.

Por su naturaleza artística, un festival teatral masivo es una idea elevada expresada en una forma figurativa y brillante. Son las imágenes las que hacen de una fiesta masiva un fenómeno del arte, su forma masiva. El sistema de imágenes en la dramaturgia documental de un espectáculo teatral de masas no se limita a una imagen central tan simbólica y asociativa. En relación a esto, también es necesario hablar del héroe del espectáculo de masas. El análisis de los espectáculos de masas confirma una vez más que tienen especial éxito cuando el centro de la representación teatral son las vívidas imágenes de veteranos y héroes de guerra. Es muy importante crear imágenes vívidas de héroes reales en el contexto general de acontecimientos históricos específicos. Gracias a esto, es posible sentir más profundamente la retrospectiva histórica, comprender mejor la lucha de pasiones en torno a ciertos logros. El camino de la decisión figurativa en la teatralización va siempre desde la máxima especificación de los personajes del guión, especialmente en cada uno de sus episodios, hasta una imagen colectiva generalizada del guión y del desarrollo del director, la más adecuada a la idea de una acción ritual festiva. Además, estas imágenes son sugeridas precisamente por el material real, el camino de vida de los héroes de la teatralización, que forman la base del guión y del movimiento del director. La dialéctica de lo general y lo particular, lo colectivo y lo específico es extremadamente característica de la teatralización y constituye su núcleo guionista.

La esencia de la teatralización plantea el requisito metodológico más importante: en el desarrollo de escenarios, cualquier día festivo, evento significativo o fecha solemne, incluso el más universal, debe especificarse al nivel de la comunidad de personas en la que se celebran. Esto significa que, en primer lugar, es necesario seleccionar con precisión los personajes de la representación teatral. Sus destinos, sus vidas, sus actividades laborales deben resonar con el evento que se celebra y estar en sintonía con él. Es en la manifestación de esas personas, en la influencia de la imagen de un contemporáneo, su brillante ejemplo positivo, donde radica la esencia educativa de la teatralización, que debe aprovecharse al máximo. La búsqueda de un héroe siempre ha sido la tarea principal de un escritor, dramaturgo, artista y determinó el destino de futuras obras de literatura y arte. Si queremos elevar el nivel artístico de la teatralización, entonces la búsqueda de un héroe debería ser la ley de su desarrollo de guión y dirección.

La dramaturgia de las representaciones teatrales y las fiestas se separó de la dramaturgia del teatro. Surgió después del uso de técnicas teatrales en el arte, que permitieron transmitir una idea específica a una audiencia masiva en forma artística. Respecto a los espectáculos de masas, el término teatralización significa una combinación orgánica de material no teatral, sino vital, directamente relacionado con la práctica y la vida cotidiana, y material artístico, figurativo. En la literatura dedicada a celebraciones masivas y representaciones teatrales, no existe una terminología uniforme, lo que complica la comprensión de una serie de problemas asociados con la dramaturgia y la dirección de representaciones y celebraciones teatrales. Cuando se habla de teatralización, siempre se refiere a un fenómeno perteneciente al campo del arte, asociado a soluciones figurativas. Significan un llamamiento a la esfera emocional de la percepción humana, ya que las emociones son el principio más importante, la cualidad más importante de la creatividad artística. La teatralización presupone la posibilidad de presentar tal o cual idea en forma artística y específicamente a través de medios teatrales. Y cuando se aplica a representaciones como campañas electorales, conciertos temáticos, espectáculos masivos y días festivos, la palabra teatralización sólo puede significar una combinación orgánica de material vital no teatral, directamente relacionado con la práctica de producción y la vida de las personas, y artístico, material figurativo; Esta combinación, esta fusión de documental y ficción se crea con el objetivo de tener un cierto impacto en el público. Esta combinación de periodismo, documental y artístico es necesaria para lograr un efecto estético e influencia en el público. En otras palabras, “el principio artístico y figurativo se fusiona aquí con el principio utilitario (didáctico, agitativo, propagandístico) y queda subordinado a él”.

El imaginario documental de la dramaturgia y la dirección de representaciones teatrales y celebraciones da lugar a un simbolismo propio. Las imágenes simbólicas se convierten en ciertos edificios y monumentos históricos reales, lugares reales de acontecimientos históricos, como si cobraran vida en la memoria de las personas. Por regla general, conllevan una cierta carga asociativa y documental. Cada vez más a menudo, en las representaciones festivas, con la ayuda del sonido y la luz, los edificios, calles, plazas “cobran vida”, que “cuentan” su historia a los reunidos, convirtiéndose en la imagen central del escenario. Parece que en la etapa actual es aconsejable llamar a la dramaturgia escrita de tales representaciones un término amplio y bastante preciso desde el punto de vista de la historia del arte, dramaturgia de representaciones teatrales.

Las representaciones teatrales son un fenómeno social multifacético que refleja la vida de cada persona y de la sociedad en su conjunto. Al ser parte integral de la vida social, conmensuran la vida del individuo con ella y actúan como un tipo especial de actividad humana, expresando la armonía del hombre y la sociedad o el deseo de ella. . La teatralización de una representación espectacular real actúa como su organización según las leyes del teatro. No se trata de una ilustración de determinados hechos, documentos, pensamientos e ideas con extractos de obras de teatro, canciones, danzas, poemas, fragmentos de películas, como a veces se entiende la teatralización, sino más bien una síntesis de ficción artística y realidad, que da origen a una nueva, Acción documental-artística única. La pasión por la teatralización "total", que apareció a principios de los años 70 del siglo XX, nació de una comprensión bastante superficial de las necesidades sociales del hombre, de su actitud hacia los criterios artísticos y estéticos de la organización del ocio público. Una teatralización de este tipo, cuando la música se tocaba más fuerte y con más frecuencia, apropiada e inapropiadamente, se leían poemas con patetismo y se intercalaban actuaciones de artistas y aficionados como un divertimento insertado, la forma más primitiva de organizar vacaciones masivas, privándolas de profundidad social y pedagógica. . Posteriormente, la teatralización ocupó un lugar destacado en la cultura del entretenimiento. Al organizar las actividades emocionales y artísticas de los trabajadores, contribuyó a la creación de una atmósfera de optimismo y a la rápida asimilación por parte de los individuos de los valores de la sociedad.

Otro rasgo distintivo del dramaturgia de las fiestas masivas es que se basan en las acciones de una masa de personas. Una persona en una situación de festival de masas debe ser un participante, no un espectador, por lo que en el guión y desarrollo del director es necesario prever formas de activarlo, canales a través de los cuales se pueda desarrollar la actividad activa de cada participante durante el espectáculo. El deseo de brindar al mayor grupo posible de personas la oportunidad de actuar convierte un espectáculo de masas en un complejo de diversos eventos culturales y artísticos. La especificidad de la dramaturgia y la dirección de un espectáculo de masas, por su carácter activo, radica en que representan no sólo y no tanto la organización de la acción en el escenario, sino la organización de la acción por parte del público, la masa de participantes. ellos mismos. Muy eficaz es el desarrollo de una acción teatral en la que una masa de personas o grupos individuales más característicos de una situación festiva determinada se convierten en el principal héroe colectivo de la festividad.

Otra posibilidad eficaz es introducir en el espectáculo de masas elementos de juego creativo improvisado, cuya necesidad psicológica es inherente a personas de todas las edades. Con la ayuda de un juego, como señalamos anteriormente, puedes preparar a una persona para la percepción, puedes incluirla en una acción masiva y hacerla partícipe de ciertos episodios. Los elementos del juego se pueden utilizar con especial éxito en procesiones, días festivos, festivales y fiestas folclóricas.

Una característica específica importante de la dramaturgia de una fiesta de masas es su naturaleza sintética y compleja, en la que la síntesis es el método universal para crear cualquier tipo de espectáculo teatral de masas. La dirección y la dramaturgia a menudo utilizan una síntesis de varios tipos de acciones únicas, varios tipos de acciones, una síntesis de documento y arte y una variedad de medios expresivos.

Una celebración multitudinaria suele utilizar varios lugares diferentes, que funcionan simultánea o alternativamente. Albergan diversos tipos de eventos: actuaciones de coros, orquestas, grupos deportivos y coreográficos. Además, todo esto no es una unificación mecánica de varias acciones diferentes, sino una sola acción, unida por un plan, subordinada a un solo tema de una fiesta masiva, cuidadosamente desarrollada en un escenario, que ha encontrado una única encarnación artística y figurativa. . En cuanto a la síntesis de documento y arte, así como diversos medios expresivos, entonces sobre la base del montaje creativo de estos componentes, sobre la base del pensamiento de un solo autor, una sola trama, se crea una obra de un género complejo completamente nuevo. creado. El objetivo es crear una obra artística y periodística original a partir de performances documentales, ceremonias, poemas, canciones, fragmentos de obras de teatro y películas. El arte de componer este tipo de composiciones a partir de diversos materiales artísticos y documentales es un tipo especial de pensamiento creativo y al mismo tiempo un método sintético para organizar la acción teatral de masas.

Cada acción teatral de masas se distingue por su individualidad, una solución única, ya que ocurre una sola vez. Por eso se presta mucha atención al guión. En la mayoría de los casos, el trabajo de creación de la dramaturgia del espectáculo lo realiza el propio director. El guionista y director de un espectáculo de masas es siempre un psicólogo y docente que resuelve, en primer lugar, el problema de activar a sus participantes en la organización no de una actuación, sino de una acción de masas en la que la imaginería artística actúa como incentivo eficaz. Por su naturaleza artística, una representación ritual festiva teatral encarna una idea elevada en una forma figurativa vívida. Al mismo tiempo, la solución figurativa, que es la esencia de la teatralización y actúa como guión y movimiento del director, convierte el espectáculo en una forma específica de procesar la información social. El guión es el desarrollo literario seleccionado por el director de una acción teatral navideña. Un guión no es sólo un plan organizativo para un espectáculo; contiene una visión figurativa concentrada y expresada de un tema, una idea y el objetivo final de su implementación. El guión es una aportación literaria exhaustiva del contenido del futuro espectáculo teatral.

Independientemente del género del espectáculo de masas, así como de la complejidad y escala de su implementación, se distinguen varios tipos de escenarios:

Un guión recopilatorio es una combinación de fragmentos de diferentes tramas dramáticas conocidas.

Independientemente del género del espectáculo de masas, el guión incluye:

Descripción del escenario (área del escenario, si hay muchos, cada uno por separado);

Declaración del contenido de la acción escénica;

Una presentación secuencial de todas las acciones que tuvieron lugar en el escenario o estadio antes de la acción principal y lo que sucederá después de ella;

Textos para presentadores, conexiones entre números y episodios y monólogos;

Letras de cada artista;

Resumen del contenido de todos los episodios;

Descripción de efectos de luz, ruido, películas y sonido;

Descripción y representación gráfica de puestas en escena, especialmente de masas, transiciones y conexiones entre ellas;

Desarrollo de diseño artístico;

Esquema de técnicas propuestas para atraer al espectador.

Escribir un guión para un espectáculo de masas implica determinar:

Características de género del espectáculo de masas;

La idea principal del evento;

Los principales “movimientos” dramáticos;

Combinación orgánica de materiales artísticos y documentales;

Combinación de palabra, música, canto, danza, artes visuales, luz, material cinematográfico, artes plásticas;

El ritmo general del espectáculo;

Combinar episodios en una única estructura dramática.

La fiesta teatral no tiene una secuencia de acción lógica directa. Prevé retiros, pausas, retrasos, repeticiones, una transición de los números verbales a los plásticos, de los plásticos a los musicales, de los musicales a los verbales. Por tanto, la trama debe tener una estructura dramática libre, donde las pausas muchas veces cobran más importancia que su desarrollo coherente. Cada una de estas pausas es necesaria para que el espectador pueda comprender el contenido y la lógica de la situación de la trama y poder centrar su atención en ella. Así, en la dramaturgia de un espectáculo teatral de masas creado mediante el método del montaje, la naturaleza del conflicto es diferente que en la dramaturgia teatral. Hay aquí un desarrollo de acción muy peculiar, en el que el conflicto surge no como resultado de acción y contraataque, sino en la oposición de diferentes números y episodios. Y componentes como la danza, la música, el habla, el cine y la pintura en el drama de los espectáculos masivos crean una justificación psicológica, un aura del comportamiento del héroe. Las representaciones teatrales tienen un impacto emocional tanto en el participante como en el espectador.

2. Problemas de dirección: organización y puesta en escena de representaciones y celebraciones teatrales.

La dirección de representaciones teatrales y celebraciones es muy específica. En primer lugar, sus condiciones de organización y conducta en el trabajo. Así, por ejemplo, un estadio es diferente de una sala de conciertos o de teatro, y las condiciones técnicas para realizar un espectáculo masivo en un parque de la ciudad son diferentes a las de un escenario fijo. La segunda diferencia es la organización artística del espacio, ya que el área de trabajo es un componente importante en la estructura dramática general del espectáculo de masas. Una cosa es organizar un espacio para un concierto teatral en una sala de conciertos y otra cosa es organizar un espacio para celebraciones en plazas, calles, parques y estadios. Si el espacio de un teatro o sala de conciertos es bidimensional, y sólo hay un punto visible en el teatro, definido por la rampa, la ubicación del escenario y el auditorio, entonces el espacio del estadio es tridimensional, y visto en círculo. En el estadio el espectáculo se percibe desde todos los lados, por lo que la acción y, en consecuencia, el diseño artístico, su diseño se crea teniendo en cuenta estas características.

Las representaciones multitudinarias son siempre espectáculos en grandes espacios: escenarios gigantescos, auditorios enormes. De ahí, como consecuencia, la masa de espectadores y artistas. De ahí la especificidad de los medios expresivos. En un espectáculo de masas, el espectador casi no ve el rostro del actor, no ve sus ojos, donde no se pueden leer los matices de las expresiones faciales ni los detalles del dibujo plástico del papel. Además del tamaño significativo del área de juego y la distancia entre los espectadores y los artistas, también hay muchos factores de distracción asociados con la realidad del entorno del espectador. No olvidemos que los espectáculos masivos se crean al aire libre. En los grandes espacios al aire libre: estadios, calles y plazas, sobre el agua y el aire, ya no es posible concentrar la atención del público con los medios tradicionales. Por tanto, existen otras técnicas, otras formas de organizar la percepción de la audiencia y otros medios de expresión. En representaciones masivas, el espectador no suele escuchar la voz "en vivo" del actor: suena un fonograma. Y, a menudo, simplemente no contiene texto. Y esto es natural. Los medios expresivos verbales deben reducirse al mínimo. Al fin y al cabo, una actuación multitudinaria es ante todo un espectáculo. Un espectáculo en el sentido de que es el alcance visual, son los medios visuales los que aquí dominan. Además, no estamos hablando sólo de un espectáculo, sino de un espectáculo ciertamente de gran escala. En la plaza, la figura solitaria del actor puede ser objeto de atención sólo por unos instantes. Una puesta en escena que se prolonga en el tiempo ciertamente requiere la interacción entre el solista y la multitud, interacción que se construye plásticamente sobre los movimientos contrastantes de la multitud y el héroe.

Las representaciones de masas son siempre teatro de masas. En las plazas reinan composiciones dinámicas a gran escala de cientos, o incluso miles de artistas, grandes muñecos y máscaras, paneles de tela, pancartas y tabletas diversas, transporte y otros medios técnicos, y efectos pirotécnicos. Éste es el lenguaje de este arte, determinado por la naturaleza de los gigantescos escenarios del teatro de representaciones masivas. En el arte de las representaciones masivas, lo que se crea principalmente no son imágenes individuales de personajes, sino la imagen de un héroe colectivo: las masas o imágenes alegóricas simbólicas. Y ésta es una de las propiedades estéticas esenciales del teatro de representaciones masivas. Las acciones sincronizadas de una masa formada por cientos y a veces miles de artistas son en sí mismas un poderoso factor de impacto emocional. Y al estar organizados artísticamente por la “dirección visual” de las representaciones de masas, se convierten en un fenómeno estético especial que constituye la esencia figurativa del teatro de masas.

La puesta en escena de un espectáculo de masas requiere de una preparación detallada e integral y del esfuerzo conjunto de todos los miembros del equipo de producción. El espectáculo se llama de masas porque en él participan un gran número de participantes.

Las fiestas teatrales que recorren toda la ciudad son particularmente complejas en su imaginería. Las propias calles se convierten en decoraciones semánticas, a veces incluso se les cambia temporalmente el nombre. La dramaturgia figurativa de las fiestas urbanas se consigue con la ayuda de columnas de personas y equipamiento decorado. Cada columna es como un “personaje” de un grandioso teatro urbano, con su propio tema, su propio carácter. Frente a los espectadores que se encuentran en la acera, las columnas se despliegan como cintas panorámicas. Sobre estos principios se construyen las procesiones de carnaval de importancia en toda la ciudad.

El drama de una fiesta masiva es, ante todo, la colisión y el desarrollo de imágenes visuales a gran escala. Por tanto, no es de extrañar que los artistas de representaciones masivas actúen en varios casos como autores (o coautores) del guión. Las tareas dramáticas a menudo son resueltas por el escenógrafo no solo en el nivel "cómo" (cómo traducir el pensamiento del autor, el concepto del director en una imagen visual), sino también en el nivel "qué" (qué constituye exactamente la esencia del conflicto). , cuál será el impulso en el desarrollo de la acción). El curso espacial y plástico suele nacer no a partir del guión, sino en el proceso de creación de la dramaturgia de la actuación y (en las mejores obras) está indisolublemente ligado al curso del guión, a la esencia del conflicto principal de el desempeño. La función tradicional de la escenografía: crear un espacio de juego, sin duda se conserva en el teatro de representaciones masivas. Además, las tareas de organización de un espacio artístico cobran aquí un significado especial. Porque el artista de una actuación de masas transforma el espacio no escénico de un estadio, una plaza o un claro de bosque en el espacio de juego de un teatro de masas. La solución imaginativa de espacios no artísticos es un problema muy delicado que requiere un sentido especial del lugar. Hay tantos fracasos en la historia y la práctica moderna de las representaciones masivas por una sola razón: la discrepancia entre los medios de expresión y el entorno natural o arquitectónico real en el que se crea el espectáculo.

Conclusión

La teatralización es un componente integral de la dramaturgia de las representaciones y celebraciones teatrales, que permite transmitir una determinada idea en forma artística a una audiencia masiva.

Unas vacaciones son un fenómeno social multifacético que refleja la vida de cada persona y de la sociedad en su conjunto. Al ser parte integral de la vida social, conmensuran la vida del individuo con ella y actúan como un tipo especial de actividad humana, expresando la armonía del hombre y la sociedad o el deseo de ella.

Cada nuevo escenario de una representación y celebración teatral es una búsqueda de una nueva solución al tema, nuevos medios de expresión, nuevos métodos de influencia emocional. El escenario de un festival teatral de masas es complejo, sintetiza el trabajo de un dramaturgo, director, artista, coreógrafo y compositor.

El montaje es la principal técnica creativa para formar y construir el marco dramático de los espectáculos teatrales de masas.

Los principios de edición más importantes en la dirección y dramaturgia de representaciones y celebraciones teatrales son la ideología, la lógica estricta y la coherencia de la construcción de la trama, la comparación asociativa de hechos reales y episodios artísticos, el contraste rítmico interno.

Una característica específica importante de la dramaturgia y la dirección de una fiesta y una representación teatral es su naturaleza sintética y compleja, en la que la síntesis es un método universal para crear cualquier tipo de espectáculo teatral de masas.

dramaturgia celebración teatral director

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Director de espectáculos masivos.

Responsabilidades laborales. Realiza labores de dirección y producción de espectáculos masivos, eventos, conciertos y programas de acuerdo con el plan de trabajo de la organización cultural y de ocio. Desarrolla conceptos para programas culturales y de entretenimiento masivos sobre diversos temas. Supervisa el trabajo del director y del grupo de producción en la creación de representaciones y celebraciones masivas. Selecciona el material literario y musical necesario, así como el elenco de intérpretes. Invita a grupos creativos, organizaciones públicas, grupos artísticos de aficionados, directores, directores de coro, coreógrafos, artistas individuales y otros trabajadores creativos a participar en eventos públicos y realiza ensayos con ellos. Proporciona coordinación de las acciones de los especialistas involucrados en la creación de una presentación masiva. Participa en el trabajo de la oficina metodológica de una organización cultural y de ocio. Participa en la elaboración de presupuestos para eventos planificados.

Debe saber: leyes y otros actos legales reglamentarios de la Federación de Rusia que regulan las actividades de las organizaciones culturales y de ocio, la estructura de las organizaciones culturales y de ocio, la teoría y la práctica de la dirección y la actuación, los fundamentos del diseño escénico y musical de producciones, vocales, corales y arte coreográfico, historia del teatro nacional y mundial, musical, circo, otros tipos de artes y literatura, drama moderno y clásico, logros modernos del arte nacional y extranjero, fundamentos de la gestión, psicología de la gestión, sociología del arte, tecnología escénica, economía. y gestión de organizaciones culturales y de ocio, legislación laboral, derechos de autor, normas internas normativa laboral, protección laboral y normas de seguridad contra incendios.

Requisitos de calificación.

Director de espectáculos masivos de máxima categoría - formación profesional superior (cultura y arte) y experiencia laboral en un puesto relacionado con las artes escénicas durante al menos 7 años o como director de espectáculos masivos de categoría I durante al menos 3 años.

Director de espectáculos masivos de categoría I - educación profesional superior (cultura y arte) y experiencia laboral en un puesto relacionado con las artes escénicas durante al menos 5 años o como director de espectáculos masivos de categoría II durante al menos 2 años.

Director de espectáculos masivos de categoría II - educación profesional superior (cultura y arte) y experiencia laboral como director de espectáculos masivos durante al menos 1 año.

Director de espectáculos masivos - educación profesional superior (cultura y arte) sin presentar requisitos de experiencia laboral o educación vocacional secundaria (cultura y arte) y experiencia laboral en el campo de la actividad profesional de al menos 3 años.

Vacantes para el puesto Director de actuaciones masivas en la base de datos de vacantes de toda Rusia

Mi nombre es Daria. Y les contaré mi trabajo favorito, que llevo haciendo ocho años. Mi profesión es directora de representaciones teatrales y celebraciones. Suena claro. Cuando escuchas la palabra “director”, te vienen a la cabeza imágenes de diferentes películas y series de televisión, te imaginas a un operador con una cámara de vídeo, un set de filmación y muchos actores interpretando sus papeles. ¿Supongo? Por lo general, todo el mundo ve esto, pero sucede en otra profesión: el director de cine. ¿Qué hacen los directores de vacaciones? De hecho, este es un trabajo muy atípico que combina varias direcciones.

El director de eventos teatrales es siempre creador, organizador y docente.

Vemos cualquier celebración como un evento brillante y emocionante. Y no pensamos en absoluto en cuánto tiempo y esfuerzo se dedica a crearlo. De hecho, muchos especialistas diferentes trabajan para darle vida a la festividad: guionistas, diseñadores de vestuario, operadores de sonido e iluminación, maestros de utilería, maquilladores, tramoyistas, artistas, acompañantes, actores y otros. Y para reunirlos a todos, para contagiarles la idea de unas vacaciones, para explicarles a todos "qué, cuándo, dónde y dónde", se necesita un organizador competente. Este es el director.

Hoy en día, las agencias de vacaciones suelen contratar a este tipo de organizadores, también llamados gestores de eventos (del inglés "event" - evento). Esta profesión es similar a la de director, pero requiere menos habilidades creativas. Y el director, ante todo, es el creador, creador y encarnación de la idea de celebración. Es él quien decide cómo organizar a los artistas en cada momento de la actuación, qué vestir y quién lo usará, qué tipo de escenografía e iluminación habrá, qué música se debe tocar, cómo deben comunicarse los artistas con el público. audiencia y mucho, mucho más. El director realiza ensayos, ajusta y modifica el evento. Y todo esto lo construye en base a los intereses y necesidades de su espectador.

El director debe ser consciente de lo que quieren las personas para las que crea su actuación. Y este es el verdadero trabajo. Pero una cosa es identificar las necesidades del espectador y otra presentar todo de forma hermosa y discreta. Hacer un espectáculo tan interesante que el espectador no huya después de los primeros 10 minutos, sino que se involucre, se convierta en un participante activo y quiera contárselo a sus amigos. Aquí el director actúa como una especie de maestro para el espectador. Después de todo, lo más importante en cualquier día festivo es transmitir al público no solo una idea, sino un objetivo pedagógico determinado y motivarlo a tomar algunas acciones importantes.

La pedagogía es especialmente evidente en los programas infantiles. Todos recordamos desde la infancia fiestas temáticas como el "Día de la salud", "Lecciones de bondad", "Seguridad vial" y otras. Lo que no nos enseñaron allí... Ahí es donde todos los actores son realmente maestros para los niños (¡y generalmente tanto en el sentido literal como figurado!). Y el maestro principal, incluso para los actores principales, es el director de una fiesta infantil. Te cuento todo esto para decirte que el trabajo de un director es complejo y multifacético, se puede aprender la profesión, pero no es apta para todos.

Estas son las cualidades y habilidades que debe tener una persona que decida convertirse en director de vacaciones profesional:

• Promociona todas tus ideas con convicción
• Ser portador de la cultura humana común y comprender todo tipo de arte.
• Ser capaz de escribir guiones navideños y editar diferentes partes de los mismos.
• Piense en imágenes plásticas, sea capaz de presentar bellamente en el escenario cada palabra y frase del guión, representarla y decorarla con escenografía.
• Sea capaz de cautivar e infectar a todos los intérpretes de la actuación con su idea, transmitirles su objetivo pedagógico.
• Dominar los conceptos básicos de la actuación y el discurso escénico.

Puedes estudiar la profesión en colegios e institutos culturales con la especialidad “Director de representaciones teatrales”. Los exámenes de ingreso son así. Lengua y literatura rusas, según los resultados del Examen Estatal Unificado, más una especialidad, para demostrar sus habilidades creativas en el escenario. Es necesario contar una fábula, una prosa, un poema; realizar una canción y bailar; mostrar una miniescena y jugar un juego con el público; Pasar una entrevista para dirigir. De hecho, ¡todo esto no da tanto miedo como parece! ¡Para un verdadero creador, simplemente no existen barreras!

Ahora un poco sobre dónde y cómo se puede trabajar como director de representaciones teatrales y celebraciones.

1. Instituciones culturales presupuestarias.

Existen en todas las ciudades, especialmente para los niños, pero no escuchamos hablar de ellos en todas. Puede conseguir un trabajo como profesor-organizador en una escuela o en un centro de educación adicional, puede convertirse en profesor de trabajo extraescolar en un jardín de infancia, director o director artístico en un palacio de cultura o en un centro de desarrollo infantil, organizador en un parque recreativo, etc. El salario en este tipo de organizaciones es pequeño, pero hay estabilidad, formación gratuita y un horario de trabajo casi gratuito. Y allí tú, como director de fiestas infantiles, podrás hacer realidad las ideas más imaginativas, limitadas, quizás, sólo por el presupuesto de los eventos.

2. Empresas privadas de organización de vacaciones.

Se trata de las mismas agencias de eventos, agencias de bodas y empresas de vacaciones creativas. El salario allí es muchas veces mayor, pero llegar allí es más difícil debido a los mayores requisitos y hay mucho menos margen para la creatividad (todo debe hacerse estrictamente de acuerdo con los deseos del cliente).

3. Creación de su propia empresa de organización de vacaciones.

Todo depende de ti: horario de trabajo, condiciones, salario, oportunidades de crecimiento y más. Por supuesto, además de dirigir, tendrás que buscar tú mismo constantemente clientes. En nuestra ciudad, por ejemplo, ya se han creado alrededor de un centenar de empresas similares, por lo que la competencia es muy alta.

4. Trabajar como guionista y director autónomo.

Aconsejo a todos aquellos para quienes el bolígrafo y la libreta son sus mejores amigos que se adentren en el desarrollo de guiones independientes y se conviertan en guionistas de vacaciones. Hoy en día hay pocos buenos dramaturgos y hay una gran demanda de guionistas competentes para programas teatrales. Puedes trabajar como guionista por encargo.

Lo más difícil aquí es encontrar a tu cliente, pero con el tiempo y la experiencia esto dejará de ser un problema. Por ejemplo, mientras estoy de baja por maternidad, escribo guiones para niños por encargo a través de Internet. Mis clientes son agencias de vacaciones de diferentes ciudades de Rusia, teatros interactivos para aficionados y museos para niños.

Sannikova L.I.

IMAGEN ARTÍSTICA
EN LA ESCENOGRAFÍA

(tutorial)

Dirección de representaciones teatrales y celebraciones.

Título de posgrado (título)

Bachiller

Descripción bibliográfica:

Sannikova L.I.

Imagen artística en escenografía.

Editor – Kozlova R.P.

Aprobado por el Departamento de Dirección de Representaciones Teatrales.

Protocolo No._______________ “_______” ________________2012

Protocolo No. ______________ "_______" ________________2012

La publicación propuesta está dirigida a estudiantes de instituciones de educación secundaria y superior, así como a todos los interesados ​​en el arte del teatro, el arte de organizar representaciones teatrales y celebraciones masivas.

Introducción. 4

Capítulo 1. Particularidades de la imagen artística en escenografía. 6

Capítulo 2. Tipos de decoración según constructivo y expresivo.
cualidades. Técnicas de decoración escénica.. 14

Capítulo 3. Fundamentos de la teoría de la composición. 28

Capítulo 4. Color en escena. 49

Capítulo 5. Perspectiva en la escenografía. 64

Capítulo 6. Características de peso de la escena... 73

Conclusión. 87

Bibliografía.. 88

Ilustraciones…………………………………………………………. 91

Introducción

Cuando recordamos un concierto o una actuación que nos gustó, lo primero que viene a nuestra memoria no son los números de los conciertos individuales o los monólogos de los actores, sino la imagen general de la actuación, que en gran medida es simplemente el trasfondo de la actuación.

Es difícil sobreestimar la importancia de la imagen escenográfica para crear una representación teatral de alta calidad. Un entorno artístico encontrado con éxito no sólo enriquecerá significativamente la impresión de la actuación y contribuirá a un sentido de integridad de la misma, sino que también ayudará a los actores a presentar sus personajes de la manera más vívida.

La profesión de director es única por su versatilidad. Entre las diversas cualidades personales requeridas para esta profesión tan difícil, un lugar especial lo ocupa la capacidad del director para construir un espacio en el que exista la actuación adecuado a las tareas artísticas. En cada momento de la acción, la escena representa una imagen separada y debe organizarse tan armoniosamente como una composición de alta calidad de un artista de caballete. La tarea principal del autor es ayudar al director a desarrollar el pensamiento artístico y promover el desarrollo de un sentido de armonía en el espacio visualmente percibido.

El teatro es un arte sintético. La escenografía también requiere un conocimiento universal. Para una asimilación cualitativa del material, es necesario el conocimiento de la historia del arte decorativo, la teoría del arte, en la parte que estudia las características de la imagen artística y las particularidades del arte decorativo, cuyo tipo es la escenografía. necesario.

El conocimiento de la psicología de la percepción visual es de particular importancia para dominar el curso, ya que la escena es un objeto muy grande para el dominio del ojo humano, y muchas características de su percepción, invisibles en la vida ordinaria, se vuelven muy importantes en la escala de la escena. El desconocimiento de estas características puede perjudicar la expresividad de la interpretación. No menos importante es el trabajo psicológico del color. El conocimiento en este ámbito nos permite dotar a una imagen escenográfica de un poder especial, decorándola con todo un abanico de emociones y significados simbólicos.

En la gama más rica de posibilidades expresivas de la decoración escénica, según el autor, un papel especial lo desempeñan las características de perspectiva y peso del escenario. La perspectiva no es sólo un medio que determina la escena de la acción en las profundidades de la imagen, sino también una cualidad que enriquece la imagen artística. Para que la escala del escenario "ayude" a construir la expresividad de la actuación, es muy importante comprender correctamente las características de peso del escenario para que el "trabajo" del peso actúe sincrónicamente con la línea dramática de la actuación. y de ninguna manera discrepa con él, lo que bien puede suceder si el director no tiene este conocimiento.

La escenografía tiene una gran cantidad de medios expresivos y, por supuesto, no todos se describen en este manual, pero el autor y el equipo editorial esperan que el libro ayude al director a sentirse un artista en la construcción del espacio escénico y con mayor audacia. buscar nuevos medios expresivos de escenografía.

Capítulo 1. Particularidades del arte.
imagen en escenografía

La imagen artística es el criterio del arte. Es en él donde se realiza la magia del arte, es la presencia de una imagen lo que distingue el arte de la artesanía. Debemos entender qué tiene de específico la imagen escenográfica. Esta no es una pregunta sencilla, y primero recordemos las disposiciones generales sobre el concepto de imagen artística.

Imagen artística – eso es un pensamiento artista o suma su sentimientos , expresado no frontalmente, como por ejemplo en la ciencia, sino alegóricamente , a través de la metáfora.

Cada arte tiene su propia gama de medios expresivos de alegoría. En la literatura se trata de alegorías, metáforas; en música: ritmo, tempo, timbre de sonidos; en pintura: líneas, tono, color, perspectiva, etc.

Una imagen artística, por regla general, consta de imágenes más pequeñas, componentes estructurales de una imagen principal, que transmite la idea de la obra.

En la crítica literaria, se acostumbra llamar a los personajes imágenes artísticas, por ejemplo, la imagen de Eugene Onegin, la imagen de Tatyana Larina.

La forma de pensar artística tiene peculiaridades , distinguiéndolo del pensamiento en la ciencia y la práctica de la vida. El más importante de ellos:

1. emocionalidad, es decir la imagen siempre evoca una amplia gama de sentimientos;

2. carácter individual, es decir la imagen siempre lleva el sello del mundo interior del autor en el momento de la creatividad;

3. Actitud libre ante los hechos, es decir, la imagen está libre de exactitud documental. El caso es que el tiempo cambia la actitud de la sociedad ante los mismos hechos. El arte pretende decir una verdad que es más permanente que la verdad de un solo día o evento. Por lo tanto, el artista a veces se aleja de lo específico para expresar un pensamiento más profundo.

La imagen artística tiene la suya. estructura . Está construido por el autor. Enumeremos sus componentes principales:

· Contrastar diferentes principios (elementos).

Metáfora (alegoría)

· Asociatividad (eufemismo que aporta profundidad a la imagen)

· Tipicidad.

· Originalidad

· Relevancia.

Todo lo anterior se aplica, por supuesto, a la imagen escenográfica. Pero él tiene el suyo. especificidad como toda forma de arte.

La escenografía es un tipo de arte decorativo. Tiene características propias, también son propias de la escenografía.

1. La escenografía, al igual que el arte decorativo, en la mayoría de los casos, es un arte. expresivo , no pictórico. ¿Qué significa? Todas las artes se dividen en bellas artes y artes expresivas. Las bellas artes en sus obras narran algo, hablan de algunos acontecimientos, hechos. Por ejemplo, un cuento, un poema, una obra de teatro, un cuadro histórico, una canción siempre cuenta algo, describe eventos, hechos, la apariencia de los personajes, el entorno: interiores, paisajes, estados psicológicos y vivencias de las personas. Estas artes actúan rápidamente en el lado intelectual de la psique humana y sólo entonces en el emocional.

Las artes expresivas no cuentan una historia sobre nada, evocan en el espectador una variedad de sentimientos, experiencias y, en primer lugar, actúan sobre las emociones y sólo en segundo lugar se incluye el comienzo intelectual de la psique humana. Así se percibe la música no programática, la naturaleza muerta, el paisaje, el poema lírico, la estructura arquitectónica, etc.

Artículo El arte decorativo (jarrón, alfombra) no nos informa de nada, evoca, en una primera etapa, sólo una actitud emocional, y después de un conocimiento más detenido comenzamos a sacar algunas conclusiones intelectuales sobre el significado de estas obras.

La escenografía, en la mayoría de los casos, no nos dice nada, simplemente crea el clima emocional de la obra, concierto o actuación. Pero existen excepciones tanto en el arte decorativo como en la escenografía. Por ejemplo, un jarrón puede tener un cuadro con una escena doméstica. En escenografía, la excepción es el diseño de representaciones realistas, donde la imagen lleva una carga narrativa bastante grande, a través de atrezzo, utilería e iluminación que imita la luz natural.

2. El arte decorativo, al ser un arte expresivo, también conlleva un significado u otro. Pero contenido es especial. Consiste en la funcionalidad de los objetos de arte, el propósito práctico de una cosa en particular. Además, la funcionalidad, como base semántica del arte decorativo, es primaria y el lado expresivo está incondicionalmente subordinado a ella.

3. La escenografía también tiene su propia funcionalidad, que se expresa en tareas artísticas formuladas por el director de una obra, concierto, espectáculo, a partir de su comprensión de la dramaturgia adoptada para la producción. Por tanto, el autor de la imagen artística es un artista. No tal vez completamente gratis en su creatividad. No debe expresar su comprensión personal de la base dramática, sino la interpretación de la idea de la obra dictada por el director. La relación entre director y artista varía. Pero la obra sólo puede tener éxito en dos casos: cuando el artista, confiando en el director, acepta su interpretación, y cuando el director y el artista, discutiendo juntos el contenido de la obra, llegan a una decisión común sobre el significado de la obra.

Un artista, que se embarca en una búsqueda creativa de una imagen escenográfica, debe comprender inicialmente que aquí no puede ser completamente libre, como ocurre, por ejemplo, en la pintura de caballete, donde el artista, en esencia, es al mismo tiempo guionista, director, Actor y escenógrafo de su cuadro.

4. La característica de la imagen escenográfica antes mencionada da lugar a lo siguiente. Las artes decorativas y la escenografía son personaje de fondo. Los objetos decorativos no son una imagen en el interior, como por ejemplo un cuadro de caballete, que la gente viene a mirar específicamente. La decoración de interiores es sólo un fondo diseñado para crear una atmósfera emocional particular. Por ejemplo, el diseño decorativo del metro de Moscú durante el período de Stalin tenía como objetivo crear la impresión de un triunfo de la ideología de esa época. Se necesitaba una estructura emocional pomposa, solemne y alegre.

La escenografía también crea sólo una atmósfera (“clima”), pero este clima debe evocar precisamente el espectro de sentimientos que el contenido requiere en el espectador. Por ello, el trabajo del escenógrafo debe ser minucioso. No hay colores, líneas, manchas u objetos aleatorios en el escenario. Todo está subordinado a objetivos artísticos.

5. El arte decorativo al servicio de la arquitectura tiene un carácter monumental. Esto se expresa en el diseño a gran escala. Aquí los problemas de proporcionalidad adquieren especial importancia ( proporcionalidad ).

En habitaciones grandes, una persona no se siente cómoda, parece pequeña, lamentable, indefensa, y si hay cientos, miles de personas en esta habitación, tiene miedo de perderse entre esta multitud. Todas estas son sensaciones subconscientes, pero el arte decorativo trabaja principalmente con sensaciones. El artista se enfrenta a la tarea de encontrar tales proporciones, distribuirlas de tal manera que suavicen estos sentimientos negativos y lleguen a una solución óptima. En escenografía este problema también es muy relevante. Esto se agrava aún más por el hecho de que en muchos teatros y palacios culturales el espejo del escenario no es proporcional a la altura del actor. El actor parece solitario y patético. ¿Qué pasa si necesita interpretar una personalidad poderosa? El espacio escénico, simplemente por su tamaño, interfiere con su papel y crea la impresión de pequeñez de sus acciones. El escenógrafo debe encontrar tales proporciones al resolver la imagen en el escenario para ayudar al máximo al actor a nivelar el poder del espacio y ayudar a revelar el carácter del personaje.

6. El arte decorativo en sus múltiples manifestaciones. sintético . Por ejemplo, el diseño artístico de un jarrón combina los esfuerzos de un diseñador, que es responsable de la forma y el tamaño del jarrón, y de un pintor, que lo pinta. Aquí vemos una unificación del dominio de las dos artes.

La imagen escenográfica es aún más sintética. Esto se explica por la estrecha relación con el teatro, una de las artes más sintéticas. El arte de la escenografía combina los esfuerzos de un artista, un arquitecto, un diseñador de iluminación, un diseñador de ropa, un maquillador e incluso la habilidad de un director como autor de puesta en escena. La imagen escenográfica consta del trabajo artístico de la luz, las estructuras (sus proporciones y formas), la textura de diversos materiales, la plasticidad de los actores, la dirección de las líneas y sus variedades, la naturaleza del vestuario en escena y el maquillaje. de los actores, la dirección y velocidad de los movimientos, el peso de todos los objetos en escena que siente el espectador, los tipos de perspectiva representados, las características del color utilizado, etc. Todo este diverso número de elementos y cualidades debe obedecer a un único concepto artístico y actuar en el mismo estilo y ritmo que la música.

La imagen escenográfica es el fenómeno más complejo de las artes decorativas. La sintetización es una de sus principales características.

7. El rasgo más importante de la imagen escenográfica, resultante también de su carácter teatral, es integridad en el tiempo y el espacio . La escenografía es un arte que existe en un espacio tridimensional como el diseño, la arquitectura, la escultura. El artista debe construir un entorno estético en este espacio tridimensional que transmita emocionalmente con precisión la idea de la actuación y su género. Una obra de teatro, un concierto, cualquier representación existe no solo en el espacio, sino también en el tiempo, con el tiempo la acción se desarrolla, el drama se intensifica, las pasiones, el clímax, el desenlace se intensifican. Todos estos son diferentes estados emocionales en la sala, y todos ellos deben ser justificados escenográficamente. La imagen en el escenario durante la acción debería cambiar el clima artístico: crear una sensación de vida. La inmovilidad del vocabulario escenográfico hace que la actuación esté “muerta” y reduce la intensidad del drama. Por tanto, la iluminación, la naturaleza de la puesta en escena, las características de peso, la dinámica de los actores y escenografía, y el cambio o transformación del vestuario cambian constantemente. Todos estos cambios deben estar conectados orgánicamente con la lógica de la acción dramática. Al mismo tiempo, la imagen escenográfica debe ser holística tanto en el espacio como en el tiempo, de modo que el espectador se quede con una impresión única y armoniosa de la actuación.

La escenografía, como cualquier otra forma de arte, tiene su propio conjunto especial. medios expresivos . Como arte visualmente perceptible, la escenografía utiliza ampliamente color con su enorme potencial artístico. Tiene una gama muy amplia de efectos psicológicos en el espectador. Esto incluye el ajuste del espacio visible, ricas posibilidades para trabajar con las emociones del espectador, una abundancia de simbolismo de color e incluso el control del estado psicofísico del espectador. Cuando hablamos de color en escenografía, nos referimos no sólo al color de las distintas superficies pintadas en el escenario, sino también al color de la iluminación, la selección ordenada de colores de telas, objetos, vestuario, maquillaje, etc.

El medio de expresión más importante en la escenografía es luz . Difícilmente se puede sobreestimar su papel en la creación de una imagen escenográfica. Es la luz la que crea en gran medida el "clima" psicológico necesario en la actuación, ilumina la escena de acción, representa los efectos climáticos, corrige la apariencia del actor y mucho más.

Perspectiva el medio de expresión más importante en escenografía. Permite modelar el espacio escénico: ampliarlo, profundizarlo, fragmentarlo, distorsionarlo, etc. Hoy en día, la ciencia conoce varios tipos de perspectiva y cada una de ellas tiene sus propias capacidades expresivas. La escenografía los utiliza para enriquecer el impacto en el espectador.

Dimensiones También son un medio expresivo interesante para crear la imagen de una actuación. La especificidad del trabajo artístico de proporciones en el escenario radica en la comparación de la autopercepción que el espectador tiene de sí mismo en el espacio y la imagen que ve. El tamaño de los objetos en escena puede resultar cómodo para la percepción o puede provocar diversos tipos de malestar: inhibir al espectador, comprimir, estrechar el espacio del escenario, etc.

Se sabe que cualquier actuación rítmicamente organizado. El espacio visual también debe estructurarse rítmicamente. El ritmo tiene muchas posibilidades expresivas. Alternancia de determinadas líneas, colores, luces y sombras, diversos movimientos. La velocidad de estas alternancias y el número de elementos enumerados crean ciertos efectos artísticos.

Para crear una imagen escenográfica, es de gran importancia. textura materiales diseño de escenario. El terciopelo tiene una expresividad, la seda otra. La madera vieja en el escenario crea un ambiente especial para el espectador, y el metal crea en muchos sentidos lo contrario. La elección de texturas en escenografía es prácticamente ilimitada. Las únicas excepciones son las sustancias inflamables.

Cualquier acción teatral se enriquece. dinámica . La dinámica, especialmente si el movimiento lo realiza el paisaje, causa una impresión muy fuerte en el espectador.

El movimiento de los actores en el escenario y sus movimientos son parte integral de la imagen escenográfica. La naturaleza de los movimientos de los actores debe correlacionarse con las líneas de la decoración escénica y representar un todo único.

puesta en escena es la misma parte del diseño que sus otros componentes, por lo que su expresividad en términos de estilo debe encajar orgánicamente en el espacio escenográfico circundante.

Un medio de expresión muy interesante es el percibido por el espectador. peso objetos en escena. Manipular el equilibrio o desequilibrio de la escena permite realzar o debilitar el dramatismo de la acción.

Escenario traje Y constituir son parte integrante de la imagen escenográfica general, con la que conviven en el mismo estilo y que enriquecen.

Como puedes ver, la imagen escenográfica tiene posibilidades casi ilimitadas y el resultado artístico de la puesta en escena de una obra depende en gran medida de la calidad de esta imagen.

Preguntas de autoevaluación:

1. Describir la imagen artística en el arte, sus características y estructura.

2. ¿Cuáles son las características de la escenografía como tipo de arte decorativo?

3. ¿Qué medios de expresividad se utilizan para crear una imagen escenográfica?

Capítulo 2. Tipos de decoración por diseño.
y cualidades expresivas.
Técnicas de decoración escénica

Integridad del contenido

Entonces, para que surja la integridad de una obra de arte, deben cumplirse tres condiciones.

La primera condición presupone la integridad obligatoria del contenido, es decir, el significado que conlleva esta obra de arte.

Algunos creen que el significado se concentra en el nombre. Temas obras. Sin embargo, esto no es del todo cierto. Por supuesto, el título no necesariamente refleja el tema y puede que ni siquiera coincida con él. Por ejemplo, el baile “En el pozo” marca el lugar de la acción y el tema es el nacimiento del amor entre dos jóvenes. El tema es parte del significado, pero es sólo el lado externo del contenido. Para transmitir su esencia más profunda, es necesario tener ideas obras. Pero la presencia de una idea todavía no garantiza la integridad del contenido si no existe una tercera condición obligatoria.

El significado adquiere unidad e integridad siempre que su propósito sea inequívoco. Los objetivos de cualquier representación teatral suelen ser formulados por el director en súper tarea. En otros tipos y géneros de arte, un artista o compositor no necesita formularse una supertarea, basta con sentir claramente su intención. El director no puede arreglárselas sólo con esto, necesita formular con precisión el pensamiento o la idea que lo inspira y, a partir de esto, identificar un objetivo que siempre esté centrado en el potencial moral del espectador.

El director debe determinar qué estándar ético puede desarrollarse y revelarse al espectador con la ayuda de esta idea "inspiradora".

Cualquier persona que sube al escenario y se dirige a la gente, quiera o no, se convierte en un maestro, comienza a influir en su mundo espiritual interior e incluso a cambiar este mundo en una dirección u otra (del lado del bien o del mal). No hay un tercero. La tarea final es una especie de control moral que ayude al director no sólo a construir el contenido de manera integral, sino también a protegerse de accidentes que reducen la calidad artística de una determinada obra.

El arte sólo puede ser aquello que es humanista, lo que se hace en nombre del bien. Éste ha sido el caso en todos los tiempos de su existencia, y esta exigencia para el arte fue formulada por el gran griego Aristóteles. Pero en todo momento, y especialmente en nuestros días, hay fuerzas que intentan reemplazar los elevados objetivos morales del arte por otros viles.

Todo lo vulgar, ambiguo y francamente inmoral en nuestros escenarios surge de una actitud irresponsable hacia la tradición “santa” del teatro humanista: la estricta adherencia a la tarea última proporciona al arte altos objetivos morales.

Para la integridad del contenido, no basta con tener un tema, una idea y un objetivo general. Se necesita más rigidez conexión lógica entre ellos, lo que da claridad al contenido y ayuda a transmitir con precisión su significado al espectador.

Integridad de forma

Tocamos la forma, luego la sentimos, la experimentamos, es lo que vemos primero, despierta interés y, muchas veces, se recuerda con más fuerza. La tarea principal del formulario es revelar el contenido. No existe por sí solo, sino que es un medio que debe dejar una impresión inequívoca y holística de una obra de arte, de lo contrario el espectador puede desorientarse. Por tanto, la integridad de la forma es la segunda condición más importante que garantiza la integridad de una obra de arte. La construcción de una forma es, en esencia, la construcción del lado externo de una obra de arte, el lado que es percibido por los ojos y los oídos del espectador, y luego por el corazón y la mente.

Ley de centralidad

El arte, como sabemos, refleja el mundo, y las leyes de construcción de una obra de arte no pueden ser independientes de aquellas leyes según las cuales se construye el mundo mismo con toda su diversidad, desde los espacios galácticos globales hasta los mundos microscópicos de la célula y el átomo. El mundo es un sistema de sistemas que viven según ciertas leyes que estudia la joven ciencia de la sinergia.

Consideremos, por ejemplo, una galaxia. Está formado por millones de estrellas y planetas que forman formaciones individuales, y todos ellos son importantes para la existencia de la galaxia. Pero su grado de importancia varía. Entre todos estos elementos, hay uno sin el cual la galaxia, como entidad única, no puede existir. Este es el centro de la galaxia, el elemento vital más importante de este sistema, que garantiza su integridad.

Si tomamos nuestro sistema planetario, entonces, por supuesto, el centro que mantiene su integridad es el sol. El sol proporciona el significado principal y la existencia física del sistema como una entidad única.

Cualquier estado vive una vida sana, como un sistema armonioso, cuando hay un centro fuerte que subordina todas las regiones y "ramas" del poder. Incluso una manada existe como manada mientras haya un líder.

Así, en el microcosmos, la vida de una célula y de un átomo está asegurada por el núcleo. Esta ley es característica de cualquier sistema: ya sea un organismo biológico complejo o simplemente su célula, un sistema de transporte urbano o el sistema nervioso humano. Una obra de arte debe ser también un sistema armonioso. En cada obra de arte hay un centro compositivo, que es el lugar más expresivo de la composición, subordinando todos los demás elementos, como si les marcara el tono. Aquí es donde se concentra el significado principal de una obra de arte.

En una representación teatral el centro compositivo es el clímax. Aquí están las pasiones más fuertes, aquí se determina y revela la verdad. En cuanto a la fuerza de las emociones evocadas en el espectador, el clímax no debe tener rivales, de lo contrario la actuación no tendrá integridad. Por tanto, la imagen escenográfica en el momento del clímax debe ser la más memorable y contrastante. No sólo la actuación en este momento, sino también su disfraz debería revelar la verdad. Aquí todo se llama por su nombre propio, todo se define, aquí se concentra el conflicto llevando la idea de representación. En la dirección, el clímax es el punto más alto de tensión del conflicto.

Hay acción en el escenario. a tiempo. Cada escena es una pequeña parte independiente de un gran organismo, y también debe haber orden dentro de esta parte. En cada momento de la acción, el centro compositivo será ese actor, ese detalle de la escenografía que en ese momento protagoniza la acción. Esto significa que en este momento el actor no debe tener rivales no sólo en términos de expresividad de actuación y movimiento, sino también en vestuario, iluminación, etc. Si la iniciativa de la acción pasa a otro personaje, el otro actor se convierte en el centro compositivo, y su apariencia debe convertirse en el centro visual. La puesta en escena debería cambiar para que el primer actor ya no centre la atención del espectador en sí mismo. Para ello, también puede producirse una transformación en el vestuario, de modo que el espacio escénico parezca holístico, de modo que al espectador le resulte más fácil comprender el contenido y al actor le resulte más fácil transmitir el significado del papel al espectador. espectador. No se puede cambiar el disfraz, sino utilizar la luz para apagar la atención del público, o colocar al actor de manera que el disfraz no contraste con el fondo.

Por luminosa y elegante que sea la solución escenográfica, es sólo un fondo. Y si algunos detalles decorativos resaltan demasiado, interferirán con la ejecución precisa de la acción. Por ejemplo, el emblema en lo alto del escenario no debe ser más brillante y expresivo que el traje del cantante, que en este momento debe ser el centro compositivo y centrar la atención del público en sí mismo. En aquellos momentos en que la voz del locutor pronuncia palabras elevadas sobre el tema del concierto, se puede dirigir un rayo de luz al emblema, entonces su primacía estará justificada. Los directores suelen utilizar esta técnica para recargar una escena. A veces surge una situación tragicómica al utilizar una pantalla en el escenario. La pantalla luminosa es el rival más fuerte de todos los que aparecen en el escenario. La imagen en la pantalla debe ser el centro de atención, entonces el actor se convierte sólo en un comentarista y pasa a la “sombra”, o al fondo, pero no duplicando al actor, sino desarrollando su tema. Por ejemplo, un actor canta sobre la Patria, la pantalla puede mostrar sus paisajes. En este caso, es necesario calcular con precisión para que la iluminación del actor, su vestuario y la puesta en escena contrasten con el brillo y el tamaño de la pantalla.

La manifestación clara del centro compositivo en el escenario a menudo se ve obstaculizada por interpretaciones incorrectas. Encendiendo. A veces, un pequeño efecto de iluminación, destinado únicamente a crear una atmósfera particular en el escenario, comienza a atraer excesivamente la atención del público. Por ejemplo, un rayo láser figurativo en movimiento en el escenario distrae al público de un cantante con un traje oscuro, mezclándose con el fondo del paisaje. El director deberá acordar con cada intérprete en la víspera del concierto el color y estilo de su vestuario de acuerdo con el ambiente decorativo e iluminación del concierto. Cuando el cantante sube al escenario, él, por supuesto, debe convertirse en el centro compositivo, centrando la atención del espectador en sí mismo, y todos los elementos de escenografía e iluminación solo deben ayudarlo a guiar el pensamiento artístico, y no desafiarlo.

Contraste

La tercera condición para garantizar la integridad de una forma artística es el contraste, la oposición de los elementos más importantes. Así como en física los elementos con cargas opuestas se atraen formando un todo, en el arte la oposición ayuda a crear la unidad de la composición.

El tejido dramático de una representación teatral se basa, como es sabido, en el conflicto que impregna toda la acción. En el centro del conflicto está el enfrentamiento entre dos fuerzas hostiles. Una imagen espectacular sólo está completa cuando contiene tal confrontación. Se expresa principalmente en el diseño gráfico de la imagen, en la contradicción entre líneas multidireccionales.

Estos patrones son fáciles de rastrear en obras de bellas artes. El contraste gráfico debe estar presente tanto en el escenario como en el dibujo de los detalles de la escenografía, y en la plasticidad de los actores, que es la gráfica viva en el escenario. Los movimientos plásticos más característicos de los personajes que representan fuerzas antagónicas deben realizarse en direcciones opuestas. Poses idénticas aleatorias o gestos unidireccionales pueden desorientar al espectador y destruir la integridad de la imagen general del escenario.

Color También ayuda a crear el contraste necesario. La riqueza cromática del mundo se combina en varias zonas cromáticas que combinan tonos de color similares. Pero los grupos en sí no se parecen en nada entre sí y se consideran contrastes. Los contrastes más fuertes los crean los colores complementarios.

Usar colores complementarios en una composición ayuda a unirla. En pintura, esta oposición se logra combinando en un solo sistema tonos cálidos y fríos, que suelen ser colores complementarios. La propia naturaleza ayuda al artista en esto. Se sabe que la luz del sol tiene un color amarillo, por eso el lado iluminado de cada objeto está pintado con la adición de tonos cálidos. El aire que envuelve nuestro planeta es azul, aunque no lo registramos en nuestra conciencia. Por lo tanto, el lado oscuro de cada objeto siempre es frío, los objetos distantes también nos parecen fríos, ya que hay una gran masa de aire entre nosotros y ellos, y se ven a través de esta masa azul, y los cercanos se ven más cálidos, aquí el el espacio aéreo es mínimo. El artista sólo puede crear un orden rítmico de frío y calor en todo el espacio de la composición. Estos patrones se trasladan completamente al espacio escénico, incluso en el caso de que la acción sea condicional y simbólica, los colores o tonos sean contrastantes, necesarios para asegurar la integridad.

Quizás la mayor importancia en la organización de la oposición en el escenario la tenga luz. Incluso si la solución escenográfica es perfecta y la luz no está ajustada, la integridad de la imagen (acción) quedará destruida. La luz y la sombra en el escenario proporcionan gran parte del conflicto visual, ya que la pintura no puede competir con la luz en brillo. La cobertura adecuada del programa es la tarea más importante. Sin resolverse, “matará” todo lo bueno que pretendían los actores, director y artista.

Entonces, hemos examinado tres patrones que aseguran la integridad de la forma, es decir, todo lo que percibimos visualmente.

La tercera condición que debe cumplirse para que una obra de arte tenga plena armonía armónica es la subordinación de la forma al contenido.

Subordinación de la forma al contenido.

La forma, como sabemos, es secundaria. Puede volverse comprensible sólo después de que se conozca la naturaleza del contenido y el propósito de la obra de arte. Es imposible entender qué forma puede tener una casa si no se sabe exactamente para qué está destinada.

Una imagen escenográfica no puede aparecer antes del guión. Anteriormente, la definición de las tareas artísticas se basaba en este escenario. El contenido del arte es toda nuestra vida, en todas sus manifestaciones y contradicciones. Cada rama de la ciencia, la tecnología y toda otra práctica humana, tanto material como espiritual. Por tanto, crear una clasificación del contenido del arte no es fácil. Ésta no es nuestra tarea. Sin embargo, de alguna manera debemos decidir qué forma debemos encontrar para un contenido específico, ya que una obra no puede reflejar toda la complejidad de este mundo. Por lo tanto, para empezar, dividamos condicionalmente todo el contenido en dos grandes grupos. Primero combinaremos opiniones positivas Artistas para este mundo. En estas obras prevalecerán las principales categorías de la estética. hermoso Y sublime. El artista entiende que el mundo no es perfecto, pero centra su atención en lo mejor de este mundo y deja en un segundo plano todo lo malo y problemático. El lado dominante es el lado positivo de la vida. Considere el cuadro de Leonardo da Vinci "Madonna Litta". Las categorías de estética, lo bello y lo sublime, “funcionan” aquí de manera muy activa. Estamos hablando de los ideales cristianos de amor y bondad. Miramos esta obra con ternura, ternura y deleite. Sin embargo, la imagen no sólo suscita admiración, sino también una ligera tristeza, porque al mismo tiempo se esconde aquí una tragedia. Leonardo no centra su atención en ello, pero no ignora el dramático futuro y presente de este mundo. Si en el contenido de una obra de arte predomina lo positivo, entonces la forma debe ser agradable al tacto, armoniosa y proporcionada. En el cuadro "Madonna Litta", Leonardo encuentra una forma perfectamente armoniosa, proporciones proporcionadas del cuadro y combinaciones de colores armoniosas.

Pero hay tal contenido en el arte cuando el artista actúa como un luchador contra el mal, cuando centra la atención del espectador en algunos problemas socialmente importantes y dolorosos para la sociedad. El artista, como un médico, revela úlceras en las relaciones entre las personas.

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