Bordes del marco. Recorte de fotos. regla de la sección de oro
Al componer una fotografía, el fotógrafo parte de ciertos tamaños y formatos del plano de la imagen, un rectángulo delimitado por el marco del marco, dentro del cual se coloca la parte representada del objeto o el objeto completo. Además, cada elemento de la composición se ubica en un lugar determinado, se establece la escala de su imagen, la relación con otros elementos, etc.
Los tamaños de marco pueden ser diferentes, así como la relación de aspecto del marco rectangular del marco. Esta relación determina el formato de la imagen. Hay dos grupos principales de formatos de imagen fotográfica: horizontal y vertical, con una amplia variedad de relaciones de aspecto dentro de cada uno de los grupos. También existe un formato de imagen cuadrada, que es algo menos común en la práctica fotográfica.
En algunos casos, pero muy raramente, al recortar una imagen, se utilizan líneas curvas para delimitarla, encerrando la imagen en un círculo, óvalo, etc. Sin embargo, estos formatos no están muy extendidos y no aparecen durante el proceso de disparo, sino solo en el proceso de imprimir un positivo o finalizar la imagen.
La proporción de los lados verticales y horizontales de la imagen está determinada principalmente por la naturaleza del objeto fotografiado, sus proporciones, así como la intención creativa del autor, su interpretación pictórica del tema.
Foto 32. V. Tarasevich. Calle verde
Por lo tanto, no es casualidad que V. Tarasevich elija el formato vertical para su fotografía "Green Street" (foto 32). El formato vertical de la imagen aquí es sugerido por la altura del sujeto mismo: de hecho, como si las pipas humeantes de una fábrica gigante fueran al cielo. Con la altura del marco establecida, fue posible expandir sus límites verticales y componer la imagen en un formato horizontal. Pero entonces el ángulo de visión de la lente cubriría un espacio mucho mayor, y el énfasis en el semáforo con su luz verde desaparecería en la abundancia del material mostrado. Y junto con esto, también se perdería la claridad de expresión del tema, ya que aquí se revela precisamente en la comparación activa de dos elementos de la composición: una planta gigante en la profundidad del encuadre y un semáforo en primer plano. - y se lee sucintamente, como un cartel: "¡Calle verde al plan de siete años de la industria soviética!" El formato vertical, por lo tanto, ayuda a expresar el contenido de esta toma.
El formato horizontal de la imagen de M. Alpert "Trazado de taludes" (foto 33) tampoco se tomó por casualidad: el encuadre, estirado horizontalmente, le permite cubrir una gran área donde se han desarrollado gigantescos trabajos de construcción de canales. En el camino, debe tenerse en cuenta la composición lineal exacta de la imagen y su concisión: una expresión concisa y clara del contenido.
Foto 33. M. Alpert. Trazado de pendientes
La imagen de M. Alpert "Académico N. P. Barabashov" (foto 34) está dispuesta en un formato cuadrado, en el que el marco del marco delimita el espacio suficiente para acomodar todos los elementos más importantes de la composición. No hay razón para aumentar la altura del marco y componerlo en formato vertical, y el formato horizontal de la imagen conduciría a la pérdida de la proporción correcta del sujeto principal de la imagen y los detalles secundarios de la composición.
Foto 34. M. Alpert. Académico N. P. Barabashov
La relación de aspecto vertical se usa a menudo cuando se toman retratos de medio cuerpo. Un ejemplo característico de tal composición es la foto 35. En este caso, el marco del marco vertical delinea el plano de la imagen, en el que están bien colocados los elementos de la composición: la figura de una niña y los detalles de la situación que caracterizan la escena.
Foto 35. A. Zhukovsky (VGIK). Masha
La relación de aspecto vertical también se usa a menudo cuando se toman primeros planos. Considere, por ejemplo, el retrato del Héroe del Trabajo Socialista Nikolai Mamai (foto 36, de A. Garanin).
Foto 36. A. Garanin. Héroe del Trabajo Socialista Nikolai Mamai
En cuanto a la forma de ejecución, el retrato se acerca a un reportaje: sin sentir en absoluto la presencia del fotógrafo, parece que asistimos a un momento de la realidad viva. Aparentemente, la jornada laboral, la dura jornada laboral del minero, acaba de terminar: el rostro de Nikolai Mamai aún está manchado de carbón, aún brillan gotas de sudor. Pero ante nosotros, sonriente, alegre, hombre feliz, satisfecho con los resultados de su trabajo, una persona noble de nuestro país, un trabajador avanzado y una figura pública.
El retrato es de composición ligera y libre, cuyas líneas, a pesar de que se trata de un primer plano, no se cierran dentro de los límites del encuadre y van más allá, dando paso al movimiento; esto hace que el retrato sea especialmente dinámico.
El retrato está construido sobre una gama relativamente corta de tonos oscuros, y esa coloración de la imagen es la más propicia para la transferencia de la situación, la escena de acción.
En resumen, se puede notar que, al elegir un formato de imagen, el fotógrafo resuelve simultáneamente el problema de llenar el plano de la imagen, su uso racional para la revelación expresiva del tema y la trama de la imagen. Por ejemplo, al fotografiar una estructura arquitectónica que tiene una altura significativa, pero una extensión horizontal relativamente pequeña, lo más frecuente es que sea necesario utilizar un formato de imagen vertical. Es cierto que esto es cierto solo si la composición no incluye elementos adicionales que puedan llenar los espacios libres del marco horizontal. En ausencia de tales elementos, el formato horizontal será menos adecuado para fotografiar este objeto que el formato vertical, ya que en este caso una parte importante del encuadre permanecerá sin rellenar y la imagen dará la impresión de una imagen sin terminar de composición.
El formato de cuadro horizontal se usa cuando se fotografían objetos que tienen una extensión horizontal significativa con su altura relativamente pequeña. Tal objeto llena bien el plano de la imagen de este formato, lo que también permite incluir objetos del entorno que rodea al sujeto principal en la composición. Esto enriquece la imagen, la hace más completa, más convincente.
Al determinar el formato de la imagen y configurar el marco del marco, se tienen en cuenta algunos puntos que se han vuelto reglas elementales composición de imagen Estos incluyen, por ejemplo, el siguiente patrón: por regla general, se deja algo de espacio libre en el marco en la dirección del movimiento, giro, gesto o mirada de una persona.
Este patrón tiene su propia razón de ser: el espacio que queda en esta parte del encuadre, por así decirlo, deja espacio para el desarrollo, la continuación del movimiento, el objeto parece pasar a través del espacio que queda en momentos posteriores. Construir una imagen con este patrón en mente es muy importante para la vivacidad y el dinamismo general de la imagen fotográfica.
De hecho, solo un breve momento, una fase del movimiento, se registra y transmite en la imagen, lo que dista mucho de ser siempre suficiente para caracterizar todo el movimiento en su conjunto. El espacio libre que queda en el encuadre en la dirección del movimiento complementa esta característica: el espectador se hace una idea de cómo, en qué dirección se desarrollará este movimiento en el futuro.
Incluso los espacios significativos que se dejan en el encuadre en la dirección del movimiento o la mirada de una persona no provocan una sensación de vacío sin llenar o desequilibrio en la imagen. Estos espacios parecen estar llenos del movimiento esperado del sujeto, el movimiento en desarrollo, y esto equilibra todo el sistema de composición: el marco parece completo, compositivamente completo, equilibrado.
Y, por el contrario, tal recorte de la imagen causa una sensación desagradable cuando el borde del marco aparece directamente frente al objeto en movimiento; parece convertirse en un obstáculo en el camino del movimiento en desarrollo. En este caso, el movimiento parece ralentizarse y la dinámica de la imagen desaparece.
La misma disonancia es el espacio libre que queda detrás de un objeto en movimiento. El espectador lo evalúa como accidental en la imagen, no justificado por nada; el equilibrio en el marco también se ve perturbado.
Por estas razones, en la mayoría de las composiciones fotográficas, la colocación de objetos en movimiento se lleva a cabo de acuerdo con el principio discutido anteriormente. Pero al mismo tiempo, en algunos condiciones especiales esta regularidad puede ser violada si se persigue la consecución de un determinado resultado pictórico, concebido por el autor. Por ejemplo, el borde de un marco que aparece directamente frente a un objeto en movimiento puede enfatizar su parada repentina y abrupta o sugerir que el movimiento en el marco surgió de manera completamente inesperada, etc.
Sin embargo, estas excepciones sólo confirman regla general, ya que muestran que su violación da un efecto diametralmente opuesto al que es necesario para reproducir un movimiento que se desarrolla suavemente en una imagen.
Al determinar los límites del marco en composiciones de retratos, la cantidad de espacio libre sobre la cabeza de la persona retratada debe establecerse con mucha precisión. En el caso de que este espacio sea demasiado grande, el centro argumental de la composición, que en el retrato es siempre el rostro de una persona, se desplaza hacia la parte inferior del encuadre y diverge del centro visual. Al mismo tiempo, la armonía de la composición se pierde debido a la violación del equilibrio general: tal imagen es inestable, como si tuviera gravedad hacia abajo.
Por las mismas razones, no es deseable dejar demasiado poco espacio por encima de la cabeza de la persona retratada. En este caso, la cabeza, por así decirlo, descansa contra el marco del marco, y la imagen de no la cara, sino la figura de una persona, los detalles del vestuario, etc., coincide con el centro visual del marco, que es decir, elementos menores en la composición del retrato que no deberían llamar la atención del espectador, pero que en este caso, el énfasis puede cambiar.
También es obvio que la elección de los límites del marco está asociada con la solución de ciertas tareas expresivas, ya que el fotógrafo logra diferentes expresividades artísticas y emocionales de la imagen con uno u otro corte de la imagen. Por lo tanto, una fuerte convergencia de los límites del marco conduce al hecho de que la atención del espectador se centra en un determinado detalle del sujeto. Así, este detalle adquiere significado, se vuelve imprescindible y debe revelar al espectador uno u otro rasgo característico del objeto fotografiado. Los bordes del encuadre muy espaciados crean una sensación de amplitud, libertad, ligereza, etc. El formato del encuadre, estrecho y al mismo tiempo muy alargado hacia arriba, transmite la altura del sujeto, enfatiza esta altura.
A menudo, durante la filmación, y especialmente cuando se filma con una cámara de formato pequeño, el fotógrafo determina los límites del encuadre solo aproximadamente, con la expectativa de un encuadre más preciso de la imagen durante la impresión de proyección, durante la ampliación. De hecho, la impresión brinda algunas oportunidades para refinar los límites del marco. Sin embargo, estas posibilidades no deben sobreestimarse.
En el proceso de impresión, la composición general de la imagen, concebida y realizada principalmente por el autor durante el rodaje, solo puede refinarse un poco.
Así, en una serie de casos, durante el rodaje de un reportaje, es imposible acercarse al objeto a una distancia suficientemente cercana desde la que sería posible obtener el tamaño del plano requerido en este caso. Hay que fotografiar desde una distancia considerable, y esto provoca imprecisiones en la composición. Básicamente, consisten en que la parte central del sujeto ocupa una parte insignificante del encuadre, y sus bordes se rellenan con material prácticamente innecesario, en el que incluso se pierde el sujeto principal de la imagen. Tales imprecisiones en la composición se eliminan fácilmente en la impresión por proyección: el grado adecuado de aumento de la imagen logra el tamaño deseado del plano. Los detalles aleatorios e innecesarios que no participan en la solución compositiva general del tema y que se ubican en los bordes del encuadre son fácilmente excluidos por el encuadre.
Sin embargo, los errores de impresión no se pueden corregir debido a la definición incorrecta de la altura del punto topográfico o al desplazamiento incorrecto del punto topográfico con respecto a la posición central. Las desventajas de la composición aquí están en la colocación fallida de sus elementos individuales entre sí, en la proporción incorrectamente encontrada del objeto principal de la imagen y las áreas de fondo sobre las que se proyecta este objeto, etc.
Una serie de otras imprecisiones de composición tampoco pueden eliminarse durante el proceso de impresión, si se producen durante el rodaje. Por ejemplo, un cuadro tomado sin tener en cuenta el recorte posterior de la imagen y las proporciones de la imagen futura a menudo no se puede corregir cuando se imprime. En este caso, la imagen puede dejar mucho espacio vacío que no se llena en dirección horizontal o vertical. La exclusión de este espacio mediante el recorte al imprimir conduce a una violación de las proporciones de la imagen, a marcos irracionalmente alargados en altura o ancho y, por lo tanto, compositivamente inacabados.
Por lo tanto, las preguntas sobre la decisión compositiva de la imagen deben ser pensadas y realizadas por el fotógrafo principalmente en el proceso de disparo. Las inexactitudes en la composición que el fotógrafo espera eliminar en el proceso de impresión también deberían ser visibles para él al fotografiar y permitirse solo si oportunidades limitadas las correcciones de errores de composición en la impresión le permiten realizar las correcciones necesarias en el futuro.
Resumiendo, podemos concluir que la composición de la imagen comienza con la determinación de la dirección de disparo, la distancia desde el punto de disparo hasta el objeto y la altura de la cámara. Estas técnicas con una lente de una determinada distancia focal y con un determinado formato del negativo determinan los límites del encuadre y uno u otro tamaño del plano. Estas son las técnicas primarias para la construcción constructiva de una fotografía, la composición de un cuadro fotográfico.
El trabajo adicional sobre la composición de la imagen, en el sentido amplio de la palabra, sobre su construcción tonal, sobre la imagen del espacio, las formas volumétricas y de contorno de figuras y objetos, las texturas y colores del sujeto, está directamente relacionado. a la iluminación del objeto. Por ello, parece conveniente en el próximo capítulo exponer con precisión los temas de la iluminación en la fotografía, para que en el futuro, al analizar tareas pictóricas y compositivas más complejas, se opere libremente con este material.
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Los fotógrafos profesionales conocen la importancia de la composición en una toma. Para que la imagen resulte natural y espectacular, es necesario enfocarse correctamente en el objeto representado, y conocer las reglas básicas de composición lo ayudará con esto.
Colores
Está científicamente comprobado que cada color tiene un impacto emocional en una persona. Entonces, los colores cálidos (rojo, naranja, amarillo) y sus tonos están asociados con el sol y el verano. Los colores fríos, como el púrpura, el rosa y el azul, distancian visualmente los objetos del espectador. Se asocian con el agua, el invierno y el frío.
Debe prestar especial atención a la saturación si desea que la composición del marco de la foto evoque ciertos sentimientos en los espectadores. Para crear una sensación de nostalgia y paz, usa tonos suaves. Si desea llamar la atención, cree un marco sensual que la gente recordará durante mucho tiempo, dé preferencia a los colores brillantes.
Los profesionales advierten a los principiantes contra los errores al elegir los colores. Para que la foto sea armoniosa, no coloque manchas de colores brillantes lejos del objeto más importante. Esto confundirá al espectador y evitará que las personas perciban correctamente el marco.
Contraste
La foto debe llamar la atención. Para hacer que el ojo se "pegue" a la imagen, siga los consejos que se enumeran a continuación.
- Es habitual fotografiar objetos claros sobre un fondo oscuro y viceversa.
- Si está fotografiando personas, evite los fondos marrones y amarillos. De lo contrario, la imagen saldrá poco natural.
- Si la idea no lo requiere, no use fondos coloridos, ya que distraen la atención del objeto principal.
Recuerda que todos los objetos deben estar en algún tipo de equilibrio. Por lo tanto, cuando coloque un objeto brillante en una parte de la imagen, asegúrese de que haya algo en la otra que también atraiga la atención del espectador. Puede ser una acción o una mancha de color.
Textura y patrones
Un patrón en una fotografía es un objeto repetido repetidamente, con la ayuda de la cual se crea la composición del marco. Esta técnica se puede utilizar en la fotografía de un interior, un paisaje o un monumento arquitectónico. Las texturas, combinadas con luces y sombras, agregan algo de entusiasmo a la imagen. Con su ayuda, usted puede concentrarse en varios materiales.
Regla de objetos impares
Los fotógrafos experimentados aconsejan colocar un número impar de objetos en el marco. Se cree que esto ayudará al espectador a concentrarse en objetos importantes. En algunos casos, por supuesto, esta regla no se puede utilizar: por ejemplo, si está fotografiando un retrato familiar.
Ubicación de objetos
La composición del marco debe construirse de tal manera que los elementos importantes de la fotografía formen las formas geométricas más simples, como cuadrados o triángulos. Esto le permitirá concentrarse en los objetos representados. Este consejo lo dan fotógrafos profesionales.
- Rectángulos y cuadrados evocan una sensación de estabilidad.
- Los círculos y los óvalos se asocian con un ambiente tranquilo y acogedor.
- El triángulo en la parte inferior del marco crea la ilusión de estabilidad. Si coloca esta forma encima de la foto, obtendrá una sensación de inestabilidad.
Arriba, ya hemos hablado sobre el balance de color en el marco. No olvide que los artículos deben coincidir entre sí en tamaño y volumen. Si ha colocado un objeto grande en una parte de la imagen, utilice el ángulo para enfocar el sujeto en otra parte.
En algunos casos, la composición del encuadre en fotografía debe construirse utilizando las leyes de simetría. A veces, el sujeto principal se coloca en el centro para crear una toma inusual. La composición está centrada (el objeto importante está exactamente en el medio), lo que significa que el resto de los objetos se pueden colocar simétricamente entre sí. Si estás fotografiando un paisaje con agua, ¡entonces la regla de simetría es imprescindible! Elige un ángulo para que los objetos y sus reflejos sean simétricos, y haz una de las mejores tomas de tu vida.
regla de la sección de oro
Si recurrimos a los datos históricos, podemos entender que los antiguos egipcios conocían esta regla. El artista de fama mundial Leonardo da Vinci trabajó en el estudio de las propiedades de la sección áurea. ¿Cuál es la esencia de la regla? Es necesario "dividir" visualmente el marco en 9 partes iguales. Los puntos de intersección de las rectas se denominan nodos de atención. Aquí es donde se debe colocar el objeto principal del marco. Puede lograr un efecto interesante colocando la línea del horizonte al nivel de un tercio de la imagen.
Los profesionales aconsejan no descuidar la regla de la sección áurea, porque su uso hará que la fotografía sea armoniosa. Por cierto, en las cámaras modernas, se realiza la posibilidad de mostrar una cuadrícula de este tipo, lo que facilita el trabajo de los fotógrafos.
líneas
Los profesionales aconsejan construir la composición del marco utilizando líneas diagonales. Esta técnica es considerada una de las más efectivas, crea imágenes de alta calidad. La esencia de la técnica es colocar todos los objetos más importantes a lo largo de las diagonales. Esto le permitirá "dirigir" el ojo del espectador en la dirección correcta.
El cerebro humano percibe el mundo que nos rodea de izquierda a derecha y de abajo hacia arriba. Las personas estudian las fotos en el mismo orden, así que coloque los elementos importantes en la parte inferior izquierda de la foto. Esto le permitirá colocar correctamente los acentos en la composición en el marco. Las fotos presentadas en este artículo ilustran esta técnica.
Las líneas no tienen que ser rectas. Usando líneas curvas suaves, discretamente "acompañas" al espectador al elemento principal del marco. Puede "guiar" los ojos de las personas con líneas que se cruzan. Si el punto de intersección está frente al objeto en el que desea enfocar, desempeñará el papel de una flecha. Si las líneas se cruzan fuera del marco, se crea la ilusión de espacio libre, se agregan profundidad y perspectiva.
Formato
Cuando componga un marco, recuerde que debe usar marcos verticales para objetos verticales, lo mismo ocurre con los objetos horizontales. La primera opción es adecuada para fotografiar retratos, edificios de gran altura y torres. Utilice la composición horizontal si está fotografiando paisajes.
Una forma interesante de resaltar el centro de la trama y la composición utilizando los límites del cuadro es una técnica llamada "cuadro en cuadro" o encuadre. Puede usar ventanas, ramas colgantes, puertas y arcos como marco.
Ángulo y punto de disparo
Los fotógrafos experimentados saben de primera mano lo importante que es encontrar el ángulo correcto. Los profesionales dan algunos consejos sobre cómo elegir el punto de disparo más adecuado.
- Al tomar retratos, coloque la cámara a la altura de los ojos. Si estás fotografiando a una persona en altura completa, coloque el punto de reconocimiento al nivel de la cintura del modelo.
- Observe la posición de la línea del horizonte: no debe dividir el marco en dos partes iguales. Será difícil para el espectador enfocarse en un objeto importante si está literalmente dividido por la mitad.
- La cámara debe estar ubicada al nivel del objeto fotografiado. Si fotografía un objeto o una persona desde arriba, parecerá demasiado pequeño y viceversa.
perspectiva
Si toma una fotografía sin tener en cuenta las reglas de composición del marco, la imagen resultará ser bidimensional. Sin embargo, los profesionales han aprendido a transmitir volumen, o profundidad de espacio, o perspectiva, utilizando tres planos: primer plano, medio y trasero. Consideremos esta técnica en el ejemplo de un paisaje. Coloque objetos pequeños como rocas en primer plano, árboles y arbustos en el medio y montañas en la parte posterior.
Hay otra manera de transmitir perspectiva. Para hacer esto, debe colocar el objeto principal en primer plano o en el plano medio y desenfocar el fondo. Los fotógrafos aconsejan usar la apertura más amplia posible para un desenfoque natural.
Con experiencia, aprenderá cómo transmitir la profundidad del marco utilizando colores y sombras. Aparecerá una sensación de volumen si los objetos más oscuros se colocan en primer plano. Se sabe que los objetos claros parecen más distantes, mientras que los objetos oscuros parecen más cercanos.
Movimiento
Al construir una composición de marco, debe tener en cuenta muchos detalles, entre ellos, el movimiento. Si está disparando a un objeto que no está en un estado estático, debe dejar espacio libre frente a él. El marco se verá como si el objeto acabara de "entrar", se creará la ilusión de espacio.
Práctica
Los fotógrafos experimentados aconsejan a los principiantes que aprovechen todas las oportunidades para practicar el tiro. Las técnicas básicas para construir una composición se pueden aprender en bastantes término corto Sin embargo, es necesario desarrollar experiencia personal en la creación de fotografías y aumentar constantemente la base de conocimientos.
En este artículo, solo se presentaron los conceptos básicos de la composición de marcos. Esto no significa que todas las recomendaciones anteriores deban seguirse sin cuestionamientos. Debe conocer las reglas por las cuales se construye la composición, y su violación deliberada le permitirá crear tomas únicas.
10 reglas simples para construir una composición en un marco.
1. Contraste
¿Cómo llamar la atención del espectador a tu foto? Debe haber contraste en el marco:
- Se fotografía un objeto más claro contra un fondo oscuro y un objeto oscuro contra uno claro.
- No fotografíes personas sobre un fondo amarillo o marrón, el color de la foto no será natural.
- No dispare a las personas contra un fondo colorido, ya que dicho fondo distrae la atención del espectador del modelo.
2. Alojamiento
Los elementos importantes de la trama no deben colocarse al azar. Es mejor que formen formas geométricas simples.
3. Saldo
Los objetos ubicados en diferentes partes del marco deben coincidir entre sí en volumen, tamaño y tono.
4. Proporción áurea
La proporción áurea era conocida en el antiguo Egipto, sus propiedades fueron estudiadas por Euclides y Leonardo da Vinci. La descripción más simple de la proporción áurea es que el mejor punto para la ubicación del sujeto es aproximadamente 1/3 del borde horizontal o vertical del marco. La ubicación de objetos importantes en estos puntos visuales se ve natural y atrae la atención del espectador.
5. Diagonales
Una de las primas compositivas más efectivas es la composición diagonal.
Su esencia es muy simple: colocamos los objetos principales del marco a lo largo de la diagonal del marco. Por ejemplo, desde la esquina superior izquierda del marco hasta la esquina inferior derecha.
Esta técnica es buena porque una composición de este tipo lleva continuamente la mirada del espectador a través de toda la foto.
6. Formato
Si el encuadre está dominado por objetos verticales, dispare encuadres verticales. Si estás fotografiando un paisaje, haz tomas horizontales.
7. Punto de tiro
La elección del punto de disparo afecta directamente la percepción emocional de la imagen. Recordemos algunas reglas simples:
- Para un retrato, el mejor punto está a la altura de los ojos.
- Para un retrato de cuerpo entero, al nivel de la cintura.
- Intente recortar el marco para que la línea del horizonte no divida la foto por la mitad. De lo contrario, será difícil para el espectador enfocar los objetos en el marco.
- Mantenga la cámara al nivel del sujeto, de lo contrario corre el riesgo de obtener proporciones distorsionadas. Un objeto visto desde arriba parece más pequeño de lo que realmente es. Entonces, disparando a una persona desde el punto superior, en la foto obtendrás una persona verticalmente desafiado. Al fotografiar niños o animales, bájese a la altura de sus ojos.
8. Dirección
Al construir una composición, siempre tenga esto en cuenta.
9. Punto de color
Si hay una mancha de color en una parte del marco, entonces debe haber algo en la otra que atraiga la atención del espectador. Este puede ser otro punto de color o, por ejemplo, una acción en el marco.
10. Movimiento en el cuadro
Cuando filme un sujeto en movimiento (automóvil, ciclista), deje siempre un espacio libre delante del sujeto. En pocas palabras, coloque al sujeto como si acabara de "entrar" en el cuadro, no "salir".
Definir los límites del marco
Entonces, pones el modelo frente a la lente y lo miras a través del visor. Apreciar el fondo. Separó el sujeto del fondo usando iluminación, color y nitidez. Encontramos tal punto de disparo para que los sombreros que están detrás de ella en una percha no se "cuelguen" de las orejas de la modelo.
El dedo índice ya está temblando de impaciencia, tocando ligeramente el botón disparador de la cámara. ¡Pero detente! No todo. Sin levantar la vista del visor, haga lo siguiente:
Regla:
Defina los límites del marco. No debe haber nada superfluo en el marco. Solo objeto disparable.
Abre tu álbum de inicio. En la mayoría de las imágenes, sus amigos y familiares aparecen fotografiados de cuerpo entero con un marco horizontal. Es decir, el objeto ocupa alrededor del diez por ciento del área del marco. ¿Qué pasa con el otro noventa por ciento? En la mayoría de los casos, ¡nada, o arbustos, bancos, botes de basura y más! Ya sea solo un espacio vacío o un fondo que no contiene ninguna información.
Compara dos imágenes. Cada uno de ellos tiene derecho a existir, pero mira cómo se percibe el espacio libre:
La imagen no debe tener espacio adicional.
Ejercicio.
toma una foto hombre de pie sobre un fondo liso neutro horizontal y verticalmente para que el sujeto entre completamente en el encuadre. Compara fotos.
Si el fondo sobre el que está fotografiando no contiene ninguna información, entonces solo el objeto que se está fotografiando debe estar en el marco. Y aquí lo principal es no tener miedo de girar la cámara 90 grados para hacer una toma vertical. ¡Lo más interesante es que el dispositivo también funciona perfectamente en esta posición! Y como muestra la práctica, dos tercios de las imágenes de fotógrafos experimentados están ubicadas verticalmente.
Bueno, cuando se toma un retrato, el formato horizontal, por regla general, se justifica en dos casos: cuando el modelo está acostado o sentado con las piernas estiradas hacia un lado, y cuando se dispara a un pescador que muestra el tamaño del pez "capturado". junto a él, abriendo los brazos.
Regla:
No debe haber objetos adicionales en el marco y no debe haber vacío adicional.
Ejercicio.
Tome una foto de la modelo contra un fondo de color sólido neutro y contra el telón de fondo de una alfombra persa que adorna su pared. Tome un marco vertical y horizontal en cada caso. Analiza imágenes.
No basta con colocar al sujeto en el encuadre para que no haya detalles innecesarios. Debe colocarse correctamente.
Y ahora lo más importante: no corte los pequeños detalles del objeto que se está fotografiando con los bordes del marco. Al fotografiar personas, recuerde que sus oídos, pies y manos son simplemente vitales. ¡No los hagas lisiados!
Si la persona "no cabe" en el marco, córtele las piernas por encima o ligeramente por debajo de la rodilla con el borde de la imagen, ¡pero no le corte los pies! ¡No te cortes las manos!
Al fotografiar un retrato de medio cuerpo, es mejor pedirle a la modelo que sostenga sus manos por encima del nivel del abdomen, entonces la imagen será una persona de pleno derecho. Las manos en el marco deben ser completamente visibles o "cortadas" en la base.
En un momento, el metro de San Petersburgo estaba "adornado" con un anuncio de algo de leche fermentada, en el que nuestra gimnasta, la campeona Svetlana Khorkina, aparecía de medio perfil. Una de sus manos estaba levantada verticalmente hacia arriba, la otra estaba bajada. Y están circuncidados: uno está ligeramente por encima de la cabeza, el otro está al nivel del pecho. Al entrar al automóvil, siempre me estremecía al ver este "hallazgo" de un diseñador publicitario. Y desde entonces, ¡nada de yogur!
Cualquier recorte de partes del cuerpo debe estar justificado (por ejemplo, para enfocar la atención del espectador en los ojos del modelo, hacen una "trepanación del cráneo" desde arriba del borde del marco).
Esta técnica se utiliza a menudo en la fotografía artística.
Las manos en los bolsillos es una opción muy arriesgada, aceptable solo si la modelo lleva ropa de manga larga. De lo contrario, los tocones se obtienen de las manos. Deja ya mejor modelo se mete coquetamente los pulgares detrás del cinturón o, en casos extremos, se para en la posición de un “futbolista en la pared” (una pose favorita de nuestros jefes y un “dolor de cabeza” de sus creadores de imágenes).
Asegúrese de que las manos no estén debajo de la mesa ni ocultas por otros objetos, y que los dedos estén siempre completamente visibles.
Este enfoque se aplica plenamente a la fotografía de objetos inanimados y paisajes. Si es posible, los sujetos de la toma deben caer completamente o en una parte significativa del encuadre. Y nada más.
Compara dos imágenes.
En el primero se corta la parte delantera del barranco del río Tosna.
Pero tan pronto como lo mostramos en su totalidad, el marco se vuelve sólido.
Un árbol que crece fuera del borde del encuadre se convierte en un objeto de mayor interés para el guardabosques, y no en una toma artística. Debe estar en el marco completamente. Al fotografiar objetos arquitectónicos, tampoco debe cortar la parte inferior o superior del edificio: al mismo tiempo, el detalle arquitectónico sobre el que desea llamar la atención del espectador no se convierte en el principal de la imagen.
Regla:
Nunca corte los pequeños detalles de los objetos que se están fotografiando con el borde del marco. Si es posible, coloque el objeto fotografiado completamente en el marco. Es decir, no puedes “cortar” un poco, puedes cortar mucho.
Aquí hay un ejemplo de marcos "cortados" de manera diferente.
Al recortar mucho, enfocamos la atención del espectador en partes importantes del encuadre, eliminando todo lo superfluo.
Aunque para resaltar lo principal en el marco, puede encontrar en el mundo circundante y los límites "naturales" del marco.
Al realizar un seguimiento de los límites del marco, uno no debe olvidarse del efecto del "movimiento en evolución" (hablaremos de eso en detalle más adelante).
Ejercicio.
Coge una tetera de la cocina. Ponlo frente a ti. Tome una foto para que en una foto quede completamente, y en la otra, corte la nariz con el borde del marco. Compara fotos.
Acérquese sigilosamente de forma inaudible a su amigo (o tal vez a un extraño) y ordene en voz alta: "¡Hyundai hoh!" Tome dos marcos: en uno, el modelo debe salir completamente, y en el otro, corte los pies y las manos con el borde del marco (sin embargo, esto se puede hacer con tijeras cortando la primera foto). Compara imágenes.
Y otro matiz: si hay una línea claramente definida en el marco, en la mayoría de los casos es necesario asegurarse de que esta línea o líneas sean paralelas a los límites del marco. Esto no es un dogma, pero en la mayoría de los casos sigue siendo una necesidad.
Entonces, hemos decidido el fondo y los bordes del marco. Me dejó sin aliento la impresionante belleza vista a través del visor...
¡Pero detente! ¡Es demasiado pronto para presionar el botón!
Foto y texto © Korablev D.V.
“Composición y resaltado” es un libro de la serie “Arte de la fotografía”, que incluye libros sobre nitidez y desenfoque, medición de exposición, luz y color en fotografía, etc. El autor comparte con el lector los secretos del oficio fotográfico, sin que es imposible obtener imágenes impresionantes. Los artículos van acompañados de ilustraciones del autor que describen las condiciones de disparo y datos sobre los parámetros técnicos del equipo. Los libros se distinguen por la sencillez de presentación de material complejo y están diseñados para una amplia gama de lectores.
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El siguiente extracto del libro Composición y resaltado de lo principal (Georgy Rozov) proporcionada por nuestro socio de libros - la empresa LitRes.
bordes del marco
La composición (del latín compositio - conexión, compilación) aplicada a la fotografía significa colocar todos sus elementos en el plano de la imagen para que formen un todo orgánico.
La hoja mecanografiada A4 y los marcos del visor de la mayoría de las cámaras están unidos por una característica común: la proporción de sus lados es de aproximadamente tres a cuatro, lo que corresponde a la ley de la sección áurea, es decir, la proporción armónica. También se están produciendo otras cámaras: muchas cámaras de formato medio tienen una relación de aspecto cuadrada, panorámica 2 × 1, lo que no impide que sus propietarios compongan bellas imágenes dentro de dicho visor. Pero más a menudo tienes que construir un marco futuro, mirando al ojo del visor con una relación de aspecto clásica del marco.
El fotógrafo que mira a través del ojo del visor es como un caballo con anteojeras: no ve nada fuera del marco del marco. Por lo tanto, antes de disparar, te guste o no, tendrás que elegir una isla en el mundo que te rodea que sea adecuada para perpetuar. Debo admitir que no es fácil tomar una decisión.
En Noruega, donde estaba en un grupo, teníamos prisa por tomar el último ferry, cuando ocurrió una puesta de sol de Roerich inusualmente hermosa. El próximo ferry tendría que esperar hasta la mañana. No hubo tiempo para pensar, además porque el sol se había puesto en el horizonte media hora antes del momento del disparo, los colores se habían desvanecido y casi podrían apagarse por completo. Las fotos 1 y 2 tuvieron que hacerse sin salir del coche.
Foto 1. "Atardecer noruego"
Cámara Nikon D3s
Sensibilidad 250 ISO
Velocidad de obturación 1/160 seg. Apertura 6.3
Compensación de exposición - 0,67 EV
Distancia focal 24 mm
El coche se detuvo entre dos casas. La puesta de sol era buena por sí sola, y lo primero que quería hacer era deshacerme del primer plano. Sin embargo, las casas noruegas me recordaron nuestros "dormitorios muy divididos" de la época de los proyectos de construcción de Komsomol, que se erigieron como estructuras temporales, pero incluso medio siglo después no dejaban ir a sus cautivos. Mirando más de cerca, me di cuenta de que las casas aquí son sólidas, bien cuidadas y parecen dibujos de niños: alegres, sin pretensiones, sin fanfarrias. La izquierda me guiñó un ojo con ventanas que reflejaban la luz del cielo. Su revestimiento, pintado con pinotex finlandés, ligeramente espejado, anima la superficie lúgubre de la pared. El sol detrás del horizonte lamió la nube sobre mí con rayos carmesí. El resultado fue una imagen de una puesta de sol dura y sombría. Desde mi punto de vista, el país de los vikingos militantes es la única forma en que debería verse.
Cuando estaba a punto de subirme al asiento del jeep para continuar, enterré mis ojos en el vidrio de la puerta trasera. Allí, como en un espejo, se reflejaba todo lo que acababa de tomar. Hubo una oportunidad de fotografiar dos puestas de sol a la vez (ver foto 2). ¡Qué útil, sin embargo, girar la cabeza antes de tapar la cámara!
Foto 2. "Atardecer noruego con reflejo"
Cámara Nikon D3s
Zoom AF-S Nikkor 24-70/2.8 D G ED IF
Sensibilidad 250 ISO
Velocidad de obturación 1/200 seg.
Apertura 6.3
Compensación de exposición - 0,67 EV
Distancia focal 24 mm
Después de conducir unos cincuenta metros, volví a chillar de alegría. El coche se detuvo de nuevo. Habiendo corrido hasta la orilla, desembarcó (ver foto 3). Estos casos y muchos similares nos permitieron reflexionar sobre el significado del punto de disparo y cómo la elección primaria del objeto afecta el resultado del disparo en general.
Foto 3. “Atardecer noruego con barco”
Cámara Nikon D3s
Zoom AF-S Nikkor 24-70/2.8 D G ED IF
Sensibilidad 1600ISO
Velocidad de obturación 1/640 seg.
Apertura 6.3
Compensación de exposición - 0,67 EV
Distancia focal 70mm
Otra versión del mismo atardecer. El punto de disparo cambió: la cámara bajó conmigo unos metros más abajo, casi al nivel del mar. El primer plano se ha ido. La distancia focal del objetivo ha cambiado: los primeros fotogramas (fotos 1, 2) se tomaron con un objetivo gran angular y el tercer fotograma con un teleobjetivo. Simplemente cambié el ángulo de visión del mismo zoom, y cubría un área más pequeña frente a él que en las dos primeras versiones de este gráfico. Tuve que subir la sensibilidad para poder disparar con exposición corta y lograr una nitidez satisfactoria en toda la profundidad del encuadre. Como padre, todos los niños me parecen hermosos y únicos. No pude tirar ninguno de los tres a la canasta.
En tiempos envueltos en una bruma de leyendas, el fotógrafo de la revista ilustrada más popular de la URSS disponía de un máximo de dos o tres películas de medio formato, es decir, 24-36 fotogramas, para rodar la portada. Tuve que ahorrar dinero y, antes de decidir apretar el gatillo, pensar en todo hasta el más mínimo detalle. Ahora, cuando lo digital te permite pensar solo en obtener el resultado, la psicología del comportamiento del fotógrafo ha cambiado. Muchas veces me sorprendí literalmente disparando un objeto desde diferentes puntos de disparo, sin contenerme en absoluto. Lo principal es no perder el momento, aprovecharlo al máximo. la mejor manera marco, para no arrepentirse del momento único perdido. Por supuesto, puede volver al lugar de disparo, pero no podrá repetir el cuadro perdido por ningún dinero; lo intenté más de una vez. Y la luz no será la misma, y el clima no será el mismo, y la musa puede ir a la huelga.
Disparar con un margen, por supuesto, es bueno, pero, por otro lado, qué doloroso es mirar a través de muchos archivos casi idénticos, buscando entre ellos aquel para el que se crearon docenas de duplicados. Lo más molesto es cuando, mirando el monitor con una mirada entumecida por la tensión, comienzas a comprender que no hay nada en la montaña de basura revisada que merezca atención y procesamiento posterior. Durante el rodaje, en un arranque de fiebre creativa, se cometieron molestos errores técnicos o compositivos, no se captó el único momento que merecía la pena detenerse. La capacidad de disparar con rapidez y precisión viene con la experiencia, cuando el conocimiento y las habilidades se llevan al automatismo. Y al principio, en el proceso de dominar los fundamentos de la composición, debe apresurarse lentamente. Es imposible, por ejemplo, esforzarse a toda costa para exprimir sujetos que no encajan en el marco clásico del marco. Las fotos pueden ser cuadradas y alargadas horizontal o verticalmente. Los marcos con cualquier relación de aspecto se pueden componer orgánicamente.
El tamaño de la matriz recortada en la cámara Nikon D7000 es un rectángulo alargado estándar. La trama de la foto 4 no encajaba en ella. La imagen comenzó a vivir solo después de la amputación forzosa de la parte inferior del marco. Un cuadrado para esta parcela resultó ser mejor que un rectángulo.
Foto 4. "Helecho"
Cámara Nikon D7000
Zoom AF-S Nikkor 24-70/2.8 D G ED IF
Sensibilidad 100ISO
Velocidad de obturación 1/125 seg.
Apertura 5
Distancia focal 54mm
Las aguas de la laguna veneciana salpican el terraplén, los transeúntes se desplazan por pasarelas y puentes temporales. La trama de la foto 5 es estrictamente horizontal debido al hecho de que el terraplén mismo, y el puente en primer plano, e incluso el complejo del templo de San Giorgio Maggiore en la isla en las profundidades de la composición se extienden a lo largo del horizonte. Al encuadrar, tuve que eliminar el cielo vacío de arriba y parte del pavimento en primer plano desde abajo. Las partes eliminadas del archivo no contenían ninguna información útil.
Foto 5. "Lluvia de Año Nuevo" de la serie "Inundación en Venecia"
Cámara Nikon D3
Zoom AF-S Nikkor 24-70/2.8 D G ED IF
Sensibilidad 800ISO
Velocidad de obturación 1/320 seg.
Apertura 3.5
Compensación de exposición +0,67 EV
Distancia focal 60mm
En esta historia quise enfatizar la resistencia del viento y la lluvia, que vence una persona con un paraguas. Para ello, era necesario dejar un camino lo más largo posible detrás del peatón, sin reducir la escala de la figura en sí. La forma alargada del marco también ayuda a crear la ilusión de un aumento en la longitud del camino. Esto también se enfatiza por la división rítmica del marco por las verticales de los soportes del puente. La figura de un transeúnte con un paraguas de colores en la mano se rompe con el ritmo regular de los rectángulos negros y deja claro que no hay nada más importante en este encuadre que la perseverancia humana.
Foto 6. "Aqua Alta" de la serie "Inundación en Venecia"
Cámara Nikon D3
Zoom AF-S Nikkor 70-200/2.8 D G ED IF VR
Sensibilidad 800ISO
Velocidad de obturación 1/160 seg.
Apertura 5
Compensación de exposición - 0,67 EV
Distancia focal 200mm
En esta zona de Venecia, no lejos del Arsenal, hay pocos turistas (ver foto 6). Las calles inundadas de agua, las manchas de colores de las paredes húmedas encantadas. Para revivir la imagen, tuve que esperar bastante tiempo para que apareciera la gente. Las estrechas calles de la estrecha ciudad isleña se extendían hacia arriba como pozos. El marco vertical se construyó de antemano, el horizontal en tales condiciones no sería informativo.
