Técnica de fotografía de paisaje. Fotografía de paisajes. Recomendaciones. Nivel de horizonte en fotografía de paisaje.

Introducción

En la creatividad artística, “la riqueza y variedad de los géneros discursivos es ilimitada, porque las posibilidades de la diversa actividad humana son inagotables...”. Estas palabras bien podrían aplicarse a la creatividad fotográfica.

En la fotografía se han establecido los siguientes géneros: paisaje, naturaleza muerta, fotografía de bodas, retrato, fotografías de arquitectura, interiores, fotografía de género, reproducción, reportaje fotográfico, fotografía panorámica.

De la gran variedad de géneros se desprende que a algunas personas les gusta tomar ciertos tipos de fotografías, mientras que otras prefieren tomar otros tipos de fotografías. En mi opinión, lo más relevante y lugar interesante En la fotografía actual se ocupa el género del paisaje. ¿Y a qué persona no le gustan los paisajes? Todo el mundo lo ama. No hay fotógrafo que no se pruebe en este género. Ninguno de ellos puede resistir la tentación de capturar en fotografías una hermosa vista o esos cambios en el paisaje que surgieron como resultado de la gigantesca escala de trabajo para transformar la naturaleza. No todo el mundo es reacio a poner una foto con hermosa vista atardecer o cuelgue un cuadro de un paisaje montañoso en la pared.

Elegí las características de la fotografía de paisajes como tema de mi trabajo de curso. El paisaje en la fotografía es un género independiente en el que el tema principal es la naturaleza bajo la bóveda del cielo: bosque, jardín, campo, pradera, estepa, estanque, pantanos, llanuras, colinas, montañas. El concepto de “paisaje urbano” se refiere al espacio arquitectónico.

¿Es difícil? Para quienes se inician por primera vez en la fotografía de paisajes, puede parecer que este género es sencillo y accesible para todos. De hecho, el género de paisajes es uno de los tipos de fotografía más difíciles de dominar. En mi opinión, para crear una foto que valga la pena y que pueda mostrarse a otros, un fotógrafo necesita trabajar durante mucho tiempo y, a veces, incluso levantarse a las cinco de la mañana y viajar cientos de kilómetros. Para realizar un buen paisaje es necesario, ante todo, amar la naturaleza, comprender y sentir su belleza, tener gusto artístico y ser bueno en las técnicas fotográficas. Un paisaje es, ante todo, tu historia sobre la naturaleza y su belleza, porque un paisaje puede mostrar la naturaleza simple, conmovedora y cautivadoramente hermosa, o puede revelar su formidable poder. No todo lo que a primera vista parece bello en la naturaleza resulta interesante para una imagen de paisaje. A veces la belleza es aparente, como un momento fugaz. Y viceversa, a veces uno se sorprende de que la imagen más común y corriente de la naturaleza en una fotografía pueda parecer increíblemente hermosa. Entonces en mi trabajo del curso Me gustaría revelar todo el encanto de la fotografía de invierno, la belleza del paisaje marino nocturno.

El paisaje invernal es inusual debido a la escasa capa de nieve, sus destellos al sol y los frondosos nevados.

La belleza del paisaje nocturno reside en la iluminación de las nubes, en el reflejo de la luz marrón en la superficie del mar. Estos paisajes fueron pintados por muchos artistas de siglos pasados ​​y aún hoy atraen a la gente por su singularidad.

La fotografía te enseña a mirar, observar y ver el mundo que te rodea, y no sólo con los dos ojos, sino también con un monocular, es decir. la forma en que la lente lo representa.

Es poco probable que puedas dominar el arte de la fotografía de paisajes mientras viajas en coche o en motocicleta. A veces, siguiendo la trama mientras avanzamos rápidamente, perdemos la concentración. Sólo la belleza externa pasa ante nosotros y, al mismo tiempo, extrañamos la vida de la naturaleza, en la que la tierra, el cielo, las nubes y los árboles forman las combinaciones más expresivas. Es mejor estar a solas con la naturaleza. Una caminata tranquila con paradas frecuentes le dará al fotógrafo la oportunidad de sentir profundamente la naturaleza, sentirse parte de ella, comprender sus secretos y revelar imágenes de belleza prístina. Sólo en tal estado se puede descubrir la grandeza ilimitada del universo en una gota de rocío sobre una hoja.

La capacidad de ver todo como por primera vez, sin la pesada carga del hábito, es inherente sólo a un artista, ya sea pintor o fotógrafo.

1. Revisión de literatura

1.1 La historia de la creación de un paisaje artístico.

El paisaje (paisaje francés, de pays - país, zona) es un género en el que el objeto de la imagen es la naturaleza. Se acostumbra referirse al paisaje como la imagen de grandes espacios, independientemente de su “llenado temático”. Puede ser urbano, industrial, pero la mayoría de las veces el paisaje es una imagen de la naturaleza.

El tipo de paisaje más importante y antiguo es la imagen de naturaleza y campo prístinos. Ésta es la interpretación original de la palabra francesa “paysage” y del alemán “Landschaft” (imagen de un pueblo, imagen de la tierra), que a lo largo de tres siglos se ha arraigado firmemente en nuestra lengua. El paisaje industrial, que surgió a finales del siglo XVIII y principios del XIX, así como el paisaje urbano, constituyen direcciones separadas en el desarrollo de la pintura de paisaje.

Paisaje de la Europa medieval

Como está escrito en el libro de V.N. Stasevich “Paisaje. Imagen y realidad”: “En la Europa medieval, el arte de representar la naturaleza experimentó durante mucho tiempo un cierto declive. Al representar la cosecha de uvas, el Jardín del Edén o el fin del diluvio, el artista europeo medieval se limitó a una designación meramente decorativa de la naturaleza, sin importarle ninguna similitud visual con el mundo natural”.

Las conquistas del realismo antiguo, que llegaron a la pintura medieval, parecen desvanecerse y degenerar en motivos decorativos o extremadamente simbolos lugares de acción. Esto es especialmente típico del arte de Bizancio. En el siglo XIV se nota en el arte de este país un cierto giro hacia el realismo. En consecuencia, la imagen de la naturaleza adquiere un carácter más específico.

La influencia del arte bizantino se extendió a Italia y a la parte del continente europeo al norte de los Alpes. Los principios similares de representar árboles, montañas y otros elementos de la naturaleza se encuentran en el arte de Europa occidental, incluidos los frescos de los artistas del Trecento italiano, el período anterior al Renacimiento.

Los paisajes en miniatura europea del siglo XV son imágenes líricas de lugares familiares para el artista, que a menudo transmiten con mucha precisión la apariencia de un paisaje y estructuras arquitectónicas particulares.

Desde principios del Renacimiento, los artistas se han ocupado de cuestiones de perspectiva lineal y aérea. Se utilizan imágenes en perspectiva incluso en relieve, lo que adquiere un carácter pintoresco, atípico de la escultura. El interés por el espacio real impulsó el descubrimiento de las leyes de la perspectiva.

Paisaje de Holanda en el siglo XVII.

Como está escrito en el “Breve Libro de Referencia de Términos Artísticos” de N.M. Sokolnikova: “En el siglo XVII, Holanda experimentó un auge de renovación espiritual. En este país se están generalizando géneros artísticos como la naturaleza muerta y el paisaje, que presuponen la capacidad del espectador de disfrutar del arte sin reminiscencias religiosas, históricas o heroicas. Aquí, por primera vez, un paisaje realista como imagen de un área específica recibió un amplio reconocimiento. Aquí el mar se convierte en el héroe de las pinturas. Al fin y al cabo, era un verdadero sostén económico para el país de marineros y pescadores”.

Así como los artesanos se especializaban en hacer un determinado tipo de objeto, los artistas se especializaban en diferentes tipos paisaje. Uno prefería pintar el mar, otro, los árboles, el tercero, los rincones de la ciudad. Los artistas crearon sus cuadros para el mercado. Este prosaico estímulo, combinado con excelente gusto y talento, produjo resultados sorprendentes. Los paisajes marinos de Adrian van Velde son tan excelentes en su precisión en la representación de la naturaleza, en su sentido de la luz y el color, que los críticos de arte posteriores comenzaron a preguntarse si el artista pintó sus cuadros del natural.

No menos significativos son los méritos artísticos de las obras de Albert Cuyp, Jan van Goyen y Solomon van Ruisdael.

Los maestros holandeses de mediados de siglo se caracterizaron por pintar en tonos similares, en tonos parduzcos plateados o amarillentos plateados. Estos tonos atrajeron a artistas que tenían la oportunidad de transmitir el aire saturado de humedad de Holanda (Meindert Gobbema, Philipp Wouwerman, Claes Berchem, etc.). A los artistas les encantaba pintar cielos nublados, cuando la tenue luz del sol penetra a través de una fina capa de nubes y envuelve uniformemente la naturaleza.

Arroz. 1. "Vista de Delft". Vermeer de Delft

El paisaje de Delft de Vermeer "Vista de Delft" (Fig. 1) puede considerarse verdaderas perlas de pintura. En él, “el artista retrató ese momento de un día de verano en el que acababa de llover. Los rayos del sol que atraviesan las nubes plateadas aún no han secado los tejados y las gotas de lluvia brillan en las hojas de los árboles, en las paredes de las casas y en los costados de los barcos. Toda la imagen brilla y tiembla con muchos matices y reflejos coloridos.

El dibujo de las estructuras arquitectónicas en los paisajes de Vermeer de Delft es tan fiable y la composición tan natural que se supone que el artista pintó los cuadros del natural, mirando por la ventana. Esto era inusual para esa época.

Pero los paisajistas holandeses no se limitaron a un “retrato” fiable de su tierra natal. Hubo artistas “italianistas” o “novelistas” que pintaron paisajes italianos o siguieron las tendencias del paisaje italiano “compuesto” (Clas Berchem, Jan Asseleym, Jan Bot, etc.). Un gran maestro del estilo romántico fue Hércules Seghers, a quien siguieron en su interpretación de la naturaleza Jacob van Ruisdael y Harmens van Rijn Rembrandt. En los paisajes de estos artistas, el realismo holandés se combina con un comienzo romántico. Del motivo realista de un antiguo cementerio o de un grupo de árboles, los artistas extrajeron el poder dramático de la tensión espiritual a través de contrastes tonales, cromáticos y lineales. Tal es el “Cementerio judío” (Fig. 2), lleno de misterio y destellos de luz alarmantes, o el oscuro y exótico “Pantano” (Fig. 3) de Jacob Ruisdael.

Estos artistas estaban mucho menos preocupados por el cuidadoso acabado de una cosa que por su significado filosófico y efecto psicológico al contemplarla. Es característico que el tema de los excelentes bocetos y dibujos de paisajes de Rembrandt no fueran las limpias y acogedoras calles y patios de las ciudades holandesas, sino las chozas de campesinos, las casas antiguas y los puentes rurales.

Paisaje del Barroco y el Clasicismo

Y así lo describe la enciclopedia Avanta+. Volumen 5", : Se observa una actitud diferente ante la imagen de la naturaleza en el artista flamenco Peter Paul Rubens. El arte de Rubens se formó bajo la fuerte influencia del Barroco. El barroco es un movimiento artístico propenso a la exageración, en el que una actitud realista hacia el mundo objetivo convive libremente con la ficción. Se originó en Italia y se extendió por toda Europa.

Arroz. 2. "Cementerio judío". Jacob Ruisdael

Arroz. 3. "Pantano". Jacob Ruisdael

Rubens, un artista excepcionalmente talentoso, se convirtió en el director de la escuela flamenca y transfirió los principios del barroco a la representación de la naturaleza. Cuando en sus últimas obras el artista recurrió a la imagen de la naturaleza flamenca, pintó una imagen heroica, ideal y colectiva. De ahí el característico alcance panorámico de sus lienzos, provenientes de las tradiciones del siglo XVI.

Pero el paisaje del siglo XVII no es sólo Holanda y Flandes. Este género recibió una solución característica en el arte de Francia, en particular en las obras de Nicolas Poussin, Claude Jelle y Claude Lorrain. Los paisajes de Poussin y Lorrain tienen todos los signos necesarios del clasicismo: equilibrio ordenado, cuidadosa distribución de volúmenes, masas tonales y pictóricas de la composición, fragmentos de columnas antiguas, estatuas e incluso estructuras enteras que recuerdan a la arquitectura antigua, necesarias desde el punto de vista de visión del clasicismo. Hay motivos mitológicos y bíblicos tomados de monumentos literarios del mundo antiguo y de la Edad Media e introducidos en el paisaje como personal para revitalizarlo y darle un enfoque semántico.

El paisaje clásico se denomina “histórico” por su conexión con escenas de la historia antigua y medieval. A diferencia del paisaje barroco con su heroísmo elemental, el clásico tiene la armonía y claridad de la naturaleza. Un paisaje clásico es un paisaje compuesto, pero compuesto sobre la base de la exploración artística de la realidad.

Paisaje nacional realista.

En Francia, en los años 30 del siglo XIX, surgió una escuela de artistas, creadores del paisaje nacional. Georges Michel fue uno de los primeros en recurrir a la imagen de la naturaleza nacional. La naturaleza de la Francia “cotidiana”, con sus abedules y álamos, se convirtió en el tema de las pinturas de Camille Corot. Le encantaba pintar los estados de transición entre la tarde y la mañana, evitando los contrastes brillantes.

Un grupo de contemporáneos de Corot (Theodore Rousseau, Leon Dupre, Charles-François Daubigny, Constant Troyon, Narcisse Diaz de la Pena, que no estaban satisfechos con el sistema racional del panorama académico) decidieron realizar un experimento que recordaba al de Constable. Comenzaron a pintar las arboledas, los campos y los arroyos que rodeaban París. A veces trabajaban juntos, reuniéndose en el pueblo de Barbizon con Theodore Rousseau. El resultado de sus esfuerzos fue una composición natural y llena de vida del paisaje.

paisaje del siglo 20

El siglo XX introdujo algo completamente nuevo en la historia del paisaje, rompiendo con las tradiciones centenarias de representar la naturaleza. Esto es el cubismo, cuyos primeros representantes fueron los artistas franceses Georges Braque y Pablo Picasso. El cubismo se basa en una visión puramente especulativa. análisis constructivo formas, dividiéndolas en elementos arbitrariamente asumidos o absolutizando su significado geométrico. Los paisajes cubistas quizás estén menos conectados con el paisaje de la realidad que los paisajes de siglos pasados.

1.2 Paisaje artístico en Rusia

En Rusia, el siglo XIX en el arte del paisaje comenzó con la conquista gradual de posiciones realistas. Como en Europa, esto se expresó en el desarrollo del plein air y el motivo nacional. A principios de siglo aún se conservaban muchas tradiciones del paisaje clásico. Los artistas rusos fueron a Italia en busca de paisajes.

Sin embargo, los artistas de la generación de Sylvester Shchedrin no estaban satisfechos con el esquema estático del paisaje clásico con sus árboles sin nombre. En un esfuerzo por transmitir la vida de la naturaleza, introducen efectos de iluminación románticos en sus obras, se alejan de la composición "escénica" y del color marrón, y se esfuerzan por capturar la luz del sol y el carácter específico de la naturaleza.

Alexander Andreevich Ivanov dio un paso colosal en esta dirección (Fig. 4). Sus pinturas se caracterizan por la pureza y naturalidad del color, la riqueza de relaciones tonales y cromáticas. Ivanov, como sus otros contemporáneos, se sentía atraído por la naturaleza por los signos de lo eterno, más que por lo transitorio.

Arroz. 4. “Olivos cerca del cementerio de Albano. Nuevo mes" A.A. Ivánov

La calma épica de la imagen ideal prevalece incluso en aquellos casos en que los artistas rusos tomaron como base el paisaje nacional y trataron de representarlo ingeniosamente. naturaleza nativa, tal como es. Estos son los paisajes de A.G. Venetsianov, sus alumnos G.V. Soroki, I.S. Krylov y otros pioneros del paisaje nacional ruso, que vieron el alcance y la belleza de la naturaleza rusa "anodina".

Entre estos artistas, el fenómeno original estuvo representado por los hermanos G.G. y I.G. Chernetsovs, los primeros artistas del Volga. Con la intención de pintar un panorama de ambas orillas del río, viajaron de Rybinsk a Astrakhan en una barcaza especial y crearon muchos bocetos y bocetos originales. Uno de ellos es “Vista de las montañas Syukeevsky en el Volga en la provincia de Kazán” (Fig. 5).

Esto es lo que dice el libro de V.P. Rotmistrov “Paisaje ruso”: “La verdadera exploración artística sistemática de la naturaleza rusa comenzó en la segunda mitad del siglo XIX, en la obra de artistas de los años 60. La naturaleza rusa, discreta y "no ideal" (tierras bajas pantanosas, marismas fangosas, llanura monótona) se convirtió en el personaje principal de los paisajes de los Errantes. Los artistas rusos finalmente “descubrieron” su tierra natal y dejaron de ir a Italia en busca de belleza. Descubrieron la belleza de la manifestación natural de la vida y perdieron la necesidad de buscar una naturaleza “ideal”.

Arroz. 5. “Vista de las montañas Syukeevsky en el Volga en la provincia de Kazán” G.G. y I.G. Chernetsov

A mediados del siglo XIX, la estética idealizadora del romanticismo y el clasicismo empezó a ser cosa del pasado. El paisaje nacional comienza a adquirir una importancia fundamental en el arte ruso.

El concepto mismo de "paisaje nacional" presupone un "retrato" de cierta naturaleza geográficamente específica, característica de Holanda, Francia o Inglaterra. Para los artistas rusos, Rusia central se convirtió durante mucho tiempo en ese paisaje. Pero, a diferencia de los europeos, los maestros rusos a menudo dotaban de significado social a los motivos nacionales.

La naturaleza del paisaje ruso estuvo influenciada por los principios del realismo crítico. Los motivos dolorosos son inherentes a las imágenes de la naturaleza no solo en las pinturas de V.G. Perov ("Despedida del muerto") o I.M. Pryanishnikov “Empty” (Fig. 6), donde el paisaje sirve de acompañamiento a la descripción de los lados negativos de la vida rusa.

Arroz. 6. “Vacío” I.M. Prianishnikov

Una característica del paisaje nacional ruso es también la atracción por la imagen épica, en cierto sentido, ideal de la tierra rusa, gloriosa por su riqueza forestal, amplios campos y caudalosos ríos (I.I. Shishkin).

El inicio del paisaje lírico ruso suele asociarse con la obra de A.K. Savrasov y su conocido cuadro “Han llegado las torres”. Es difícil señalar otro ejemplo de paisaje de principios de los años 70 en el que el tema de la primavera se resolviera con tanta plenitud y especificidad. Esta imagen de la naturaleza rusa es tan veraz que parece como si el paisaje hubiera sido copiado de la vida real, como si toda Rusia encajara en él. Expresado con percepción sutil humor de primavera. El paisaje se puede llamar con razón lírico. Al mismo tiempo, en otras obras de Savrasov, "Country Road" o "Rye", el espíritu del romanticismo está vivo.

Los paisajes dinámicos del talentoso artista F.A. están imbuidos de un sentimiento romántico. Vasiliev. En la película “Pantano en el bosque. Otoño" (Fig. 7).

Arroz. 7. "Pantano en el bosque". F. Vasíliev

El sol apareció a través de un hueco entre las nubes otoñales y sus rayos salpicaron el pantano del bosque. Los árboles y la hierba parecían brillar con oro precioso y la humedad de la lluvia reciente brillaba. La naturaleza sonrió por un momento. Pronto se irá el sol, llegará el crepúsculo, el cielo ceñudo se volverá gris, uniforme e indiferente, los pájaros se irán volando. El artista, apurado por captar un breve estado de la naturaleza, dibuja el oro de los árboles otoñales con trazos enérgicos, sin preocuparse por el dibujo minucioso de los detalles.

El maestro de Vasiliev, I.I., se propuso una tarea diferente. Shishkin. Shishkin creía que "una pintura del natural no debe tener imaginación". No hay una ilusión completa en los paisajes de Shishkin. Los colores aquí son bastante convencionales y no alcanzan la riqueza que se observa en la naturaleza viva. Las soleadas pinturas de Shishkin no están exentas de poesía, una sensación de grandeza épica de la naturaleza.

AI. Kuindzhi, un artista épico-romántico, creía que un artista debía pintar un paisaje "de memoria", confiando enteramente en la imaginación creativa. Con una total impresión de naturalidad, sus paisajes se distinguen por un cuidadoso equilibrio. A menudo, el artista introduce en la imagen una imagen casi estereoscópica de detalles tridimensionales en primer plano. Sirven para enfatizar aún más la ilusión y el alcance del espacio.

Menos común en el arte ruso es el paisaje marino. Esto no es sorprendente: el mar es menos característico de Rusia que las llanuras, los bosques y los ríos. Sin embargo, casi todos los artistas rusos importantes pintaron el mar. I.K. Aivazovsky recorrió un largo camino creativo desde lo romántico hasta el poema realista y convincente "El Mar Negro" (Fig. 8) o las magníficas "Olas".

Arroz. 8. “Mar Negro” de I.K. Aivazovski

Sin ningún efecto abiertamente romántico, A.P. pintó sus paisajes “acuáticos” de manera convincente y veraz. Bogolyubov.

En las últimas décadas del pasado y principios de nuestro siglo, el paisaje épico tuvo su continuación en las obras de maestros tan famosos como el alumno de Savrasov, I.I. Levitan, N.K. Roerich, A.M. Vasnetsov. Y, sin embargo, el paisaje íntimo y lírico ocupó el primer lugar.

Ya en los bocetos de paisajes de I.N. Kramskoy, se pueden notar signos de una actitud diferente hacia la imagen de la naturaleza. Ivan Nikolaevich, un artista inteligente y con visión de futuro, descubrió que la experiencia de los maestros franceses tenía ventajas innegables. “Necesitamos absolutamente avanzar hacia la luz, los colores y el aire”, escribió en 1874, inspirado por las obras que vio en París.

El paisaje también juega a menudo un papel semántico igual en pinturas de otros géneros: en los retratos de V.A. Serov, cuadros de la trama de M.V. Nesterov, bocetos de K.A. Korovina, A.S. Stepanov, y más tarde en las obras de B.M. Kustodiev, K.F. Yuona, M.V. Dobuzhinsky, K.A. Somov y muchos otros artistas rusos.

1.3 El paisaje como género fotográfico.

Como está escrito en el libro de A.V. Afanasyeva “Historia de la fotografía”: El género del paisaje comenzó a tomar forma desde el nacimiento de la fotografía. La primera fotografía del mundo, tomada por N. Niépce en 1826, es la de un paisaje (Fig. 9).

Arroz. 9. “Vista de los tejados de la ciudad” N. Niepce 1826

Con la llegada del daguerrotipo, muchos fotógrafos comenzaron a fotografiar monumentos arquitectónicos de fama mundial y otros monumentos famosos de la antigüedad (varias de estas fotografías se publicaron en el libro "Los viajes del daguerrotipo"). La amplia y rápida difusión del paisaje arquitectónico se vio facilitada por el gran tamaño, los volúmenes locales y la inmovilidad de los objetos arquitectónicos, mientras que las imágenes de la naturaleza viva para la fotografía de esa época con sus largas exposiciones y sus materiales fotográficos imperfectos (baja sensibilidad) tuvieron éxito. con gran dificultad. La razón de esto fue el movimiento de hojas y briznas de hierba con el viento, la fragmentación de los detalles del paisaje (ramas, troncos) y el juego de luces y sombras difícil de recrear. Por tanto, las primeras imágenes del paisaje se distinguieron por su forma generalizada y la ausencia de detalles innecesarios. Al mismo tiempo, los primeros maestros del paisaje, siguiendo las tradiciones de la pintura, aprendieron a transmitir un cierto estado de ánimo y una percepción personal de la naturaleza en los motivos del paisaje. En este sentido, el desarrollo del género paisajístico estuvo significativamente influenciado por el impresionismo, cuyos mejores representantes perfeccionaron el arte de transmitir impresiones de motivos naturales. Esto distinguió las obras de los fotógrafos rusos N. Andreev, P. Klepikov, N. Svishchov-Paol, S. Ivanov-Alliluyev (Fig. 10).

Arroz. 10. “El hombre en la naturaleza” Ivanov-Alliluyev

La mayor evolución del género del paisaje se asoció con nuevas posibilidades de equipos fotográficos más avanzados y el desarrollo de los principios creativos de la fotografía. Después de un largo período de exhibición de la naturaleza en bosquejo general, transmitiendo la impresión general de sus pinturas desde los años 30. Las fotografías de paisajes se vuelven más detalladas, incluyendo los detalles más pequeños de paisajes y objetos de una época específica. Los elementos del género del paisaje se combinan orgánicamente con las características del reportaje, las fotografías adquieren una orientación periodística. Esto fue especialmente característico de maestros innovadores como A. Stiglitz (EE.UU.) y M. Dmitriev. La fotografía se convirtió en prueba documental del fragmento representado de paisajes naturales del maestro lituano I. Kalvalis (Fig. 11), y comenzó a incluir motivos ambientales de la actitud del hombre hacia ambiente, sujeto a una influencia antropogénica desastrosa (paisajes de V. Filonov).

Arroz. 11. “Terraplén de Niemen” de I. Kalvyalis

En el género del paisaje moderno, se han desarrollado significativamente variedades como los paisajes industriales, urbanos y arquitectónicos, en los que han aparecido nuevos temas, motivos y valoraciones estéticas. El paisaje industrial ocupa un lugar importante en las obras de A. Rodchenko, B. Ignatovich, A. Shaikhet, M. Alpert, A. Skurikhin y otros.

Una característica importante del paisaje moderno es la diversidad de puntos de vista sobre la naturaleza capturada. Los paisajes de grandes altitudes están disponibles para la fotografía (desde un globo, avión, nave espacial, estaciones interplanetarias), incl. paisajes de la luna y los planetas sistema solar. Además, a la luz de los nuevos conocimientos sobre la naturaleza, las nuevas relaciones con ella, la mirada del fotógrafo se ha vuelto más perspicaz, más aguda y de mayor escala, lo que le permite transmitir más profundamente su visión artística del mundo a través de imágenes de naturaleza y reflejan en ellos muchos otros fenómenos, problemas e ideales socialmente significativos.

1.4 Características de la fotografía de paisajes.

La fotografía de paisaje se puede dividir en periodos de fotografía: verano, invierno, otoño, montaña, atardecer. Esta separación se debe a características naturales. Las características naturales incluyen: a qué hora se realiza la fotografía, temperatura y paisaje de la zona.

Como está escrito en el libro de L.D. Kursky, Ya.D. Feldman “Manual ilustrado para la enseñanza de la fotografía”: “La característica principal de la fotografía de paisajes es constructiva. A diferencia de una naturaleza muerta, aquí es imposible realizar ajustes. Es imposible, por ejemplo, eliminar una ladera de una montaña que interfiere con la composición general; es imposible cambiar la ubicación del conjunto. Por lo tanto, el trabajo en la composición de la trama se limita al único método de elegir un punto de disparo y elegir una lente con la distancia focal deseada. Puede haber muchos de estos puntos, y cada uno de ellos tiene su propia peculiaridad, su propia individualidad”. Cada paisaje tiene varios planos: cercano, lejano y medio. Su aparición está asociada a una reducción en la escala de los objetos que se mueven hacia las profundidades del espacio, hacia la línea del horizonte. La comparación de las escalas de formas lineales es la perspectiva lineal de una fotografía.

Una parte integral de la construcción de una fotografía es la iluminación. La luz es una de las fuentes más determinantes de nuestras sensaciones. Se considera como el principal medio de creación de una obra fotográfica artística. La individualidad de un paisaje depende principalmente de la unidad e integridad que un efecto de iluminación bien elegido confiere a la naturaleza. La luz hace posible ver el mundo realmente existente. En este caso, un papel importante lo juega la originalidad y atractivo de la iluminación, ya que se produce en diferentes momentos del día: al amanecer, por la mañana, al mediodía, por la tarde, durante el atardecer.

Arroz. 13. “Amanecer. Nubes estratos"

El amanecer se caracteriza por nieblas que se extienden ligeramente o nubes en capas (Fig. 13), una iluminación suave y sin sombras, en la que la forma de los objetos se vuelve confusa y aparecen borrosas. Las débiles evaporaciones de la humedad de la mañana oscurecen ligeramente la distancia y, dependiendo de la profundidad del espacio, la perspectiva aérea puede expresarse mediante una neblina apenas perceptible.

El momento más favorable para rodar en exteriores es la luz de la mañana, cuando el cielo está transparente y no está cubierto por espesas nubes. Por la mañana, la saturación del color es baja y varía desde insignificante hasta una saturación de color neutra.

El mediodía se caracteriza por un resplandor del sol especialmente brillante. Al caer verticalmente, sus rayos crean un alto contraste de claroscuros y contornos de luz nítidos en las superficies horizontales de las ramas. Para la fotografía de paisajes, el efecto de la luz del mediodía se considera menos expresivo.

La segunda mitad del día y la hora en que se acerca el atardecer son las más favorables para la fotografía de exteriores. Los rayos oblicuos del sol alargan las sombras que caen; sus rayos caen horizontalmente sobre el suelo, modelando suavemente los contornos de árboles y edificios. Atardecer y amanecer, cuando el espacio se llena de suave luz difusa, - mejor tiempo admirando la naturaleza. Su apariencia misma se asemeja a un paisaje pintoresco. La neblina, que antes absorbía algunos de los rayos rojos y dispersaba los azules al disolverse, tiñe el horizonte de rosa o rojo, y la parte superior del cielo aún permanece azul, y en él se observan transiciones sorprendentemente suaves de varios tonos de color ( Figura 14).

Arroz. 14. “Puesta de sol. Mar"

2. parte experimental

2.1 Características de la fotografía de paisajes invernales.

Filmar en invierno presenta algunas dificultades: en esta época del año el sol está bajo y las horas de luz son cortas. Un paisaje abierto se puede filmar desde el amanecer hasta el atardecer en tan solo unas pocas horas del mediodía, y para filmar en el bosque este tiempo se reduce al mínimo, especialmente en claros o claros estrechos. Las heladas intensas y un pequeño número de días soleados favorables para este fin no son propicios para la fotografía de paisajes invernales.

La fotografía en invierno es técnicamente más difícil que en cualquier otra época del año. Se cree que un paisaje invernal en un clima soleado tiene un amplio rango de brillo, que no se puede reproducir en una fotografía sin perder detalles en las luces o sombras de la imagen. Puede combatir esto aplicando una compensación de exposición positiva de aproximadamente +/-0,7.

La segunda dificultad del rodaje en invierno es reproducir en la imagen la textura de las superficies nevadas. Esto se logra eligiendo la iluminación, el filtro y el valor de exposición más ventajosos. La textura de la nieve se reproduce bien con iluminación lateral, semirretroiluminada o de fogata. Debido a la posición baja del sol en invierno, aparecen largas sombras oblicuas en cada irregularidad de la nieve, lo que ayuda a revelar su estructura en la imagen. La iluminación frontal no tiene éxito, ya que con dicha iluminación la textura de la nieve casi no se revela. La textura de las superficies nevadas se reproduce mal incluso con iluminación difusa debido a la falta de claroscuro, por lo que no conviene fotografiar un paisaje invernal en tiempo nublado.

La superficie de nieve en primer plano no debe ser lisa ni intacta. En las fotografías la nieve parece mucho más natural cuando está suelta y en ella se ven huellas, una pista de esquí o un camino transitado (Fig. 16).

La proporción correcta de luces y sombras en la nieve, asegurando una reproducción natural de su superficie, es posible con tomando la decisión correcta filtro de luz. Con un cielo azul y sin nubes, los filtros de color amarillo claro y amarillo verdoso (Zh-1.4X y ZhZ-1.4X) se utilizan con mayor frecuencia. Los filtros más densos de este grupo se utilizan con menos frecuencia, principalmente cuando hay una gran cantidad nubes blancas. Un filtro naranja aumenta el contraste de luces y sombras en la nieve, empeorando así la naturaleza de su reproducción en las fotografías. Se utilizan filtros naranja y rojo en rodaje de invierno sólo cuando es necesario resaltar la blancura y el espesor de la escarcha en las ramas y alambres de los árboles, que en este caso se proyectan sobre el fondo de un cielo oscuro, casi negro. El filtro de luz azul G-1.4X casi nunca se utiliza en este tipo de fotografías, ya que, al reducir el contraste de luces y sombras en la nieve, empeora su elaboración en las fotografías.

Al fotografiar paisajes que incluyen áreas de hielo que brillan bajo el sol, un filtro polarizador puede resultar muy útil para reducir el deslumbramiento. En algunos casos, este filtro se puede utilizar para oscurecer el cielo sin miedo a aumentar el contraste de claroscuros.

Para que la nieve sea blanca y no gris sucia, también es importante ajustar el balance de blancos. Por lo general, se usa una hoja de papel blanco para esto, pero en invierno servirá para este propósito, y un ventisquero blanco fresco, lo principal es que no tenga objetos extraños. Pero una instalación de este tipo será correcta solo para la iluminación con la que se realizó, y cada vez que cambie el lugar y la luz, se debe restablecer el equilibrio; de lo contrario, la nieve permanecerá gris y azul.

Las heladas y las gotas heladas sobre las ramas negras, por el contrario, deslumbran en los días soleados. Para evitar que la escarcha se mezcle con un fondo descolorido, es necesario fotografiarlo en contraste con un área sombreada o objeto oscuro Y la escarcha se ve aún mejor en el contexto de un cielo azul brillante.

Para una próxima sesión de fotos con vistas invernales, lo mejor es elegir un momento con las condiciones climáticas más adecuadas. Podría ser un día soleado o un cielo nublado con nubes oscuras de nieve que agregarán algo de dramatismo a la foto.

Arroz. 15. “Paisaje nocturno”

En la Fig. 15 muestra un paisaje nocturno. El objetivo era representar cómo se reproduce la textura de la nieve. La fotografía se realizó al aire libre por la noche. La foto fue tomada con una cámara Canon 450D. Configuré la apertura en 5,6 y la velocidad de obturación en 1/125. La composición de la foto es algo incorrecta, el primer plano está vacío. La iluminación utilizada fue escasa, la textura de la nieve se nota, pero no lo suficientemente desarrollada. La foto tiene un tono oscuro, la nieve en la imagen tiene un tinte grisáceo, lo que indica que la exposición se seleccionó incorrectamente.

Arroz. 16. "Parque de invierno"

En la Fig. 16 muestra un parque de invierno. El objetivo es reproducir la textura de la nieve entre los árboles. La fotografía se realizó al aire libre en tiempo de día. Esta foto Tomada con una cámara Canon 450D. Se utilizó un filtro polarizador para reducir el deslumbramiento en la nieve. Para crear la composición correcta de la foto, decidí colocar la carretera en primer plano y muchos árboles cubiertos de nieve al fondo. A diferencia de la foto anterior, esta foto tiene un tono claro. Para transmitir la textura de la nieve utilicé iluminación retro-diagonal, gracias a la cual la nieve de la fotografía tiene buenos detalles.

En la Fig. 17 muestra árboles. El objetivo es mostrar árboles cubiertos de nieve. Para tomar la fotografía se utilizó una cámara Canon 450D. Los árboles fueron fotografiados en un día soleado utilizando iluminación retrodiagonal. Hay dos árboles en primer plano, lo que hace que el marco parezca simétrico. El cielo azul con una transición rosa pálido hace que el marco sea expresivo. Se utilizó un filtro naranja para enfatizar la blancura y la densidad de la escarcha en las ramas de los árboles. El rodaje se realizó desde lejos mediante zoom. Configuré la apertura en 5,6 y la velocidad de obturación en 1/250. Las ramas de los árboles están claramente dibujadas y tienen un aspecto nevado.

Arroz. 17. “Invierno. Árboles"

Arroz. 18. "Río helado"

En la Fig. 18 representa un paisaje invernal. El objetivo es mostrar la naturaleza cubierta de nieve. Hay varios planos en la fotografía. El primer plano se puede llamar el lugar donde se representa el comedero para pájaros. Si no estuviera ahí, la fotografía sería menos interesante. Gracias a este alimentador, la imagen adquiere una “vista circular”. El fondo son árboles que equilibran la composición del marco. El puente parece conectar dos grupos de árboles en los lados derecho e izquierdo. Los árboles situados detrás del puente completan la estructura prevista del marco. Creo que el marco está equilibrado, es perfecto. Esta foto fue tomada con una cámara Canon 450D con un filtro polarizador para suavizar los destellos de la nieve. Los árboles fueron fotografiados desde lejos usando zoom. Configuré la apertura en 5,6 y la velocidad de obturación en 1/125. La fotografía tiene buena calidad. Las ramas de los árboles están claramente dibujadas. La foto está equilibrada correctamente.

Arroz. 19. “Paisaje fluvial”

En la Fig. 19 representa un paisaje fluvial invernal. El objetivo es mostrar el paisaje fluvial. Para esta toma se utilizó una cámara Canon 450D. La fotografía de paisaje se realizó al mediodía. Para mostrar todo el panorama del río, elegí un punto de toma alto. Configuré la apertura en 5,6 y la velocidad de obturación en 1/125. El tema de la fotografía es interesante: hay un río helado, un terraplén cubierto de nieve y árboles invernales. Por un lado, este encuadre está compuesto correctamente, pero por otro, el gran inconveniente es que la foto tiene un tono oscuro. Este inconveniente muestra lo importante que es elegir la exposición correcta al tomar una fotografía.

2.2 Características de fotografiar un paisaje marino nocturno.

Por la mañana y por la noche, la iluminación del paisaje costero es óptima para la fotografía. El atardecer se considera más colorido que el amanecer.

Una puesta de sol con una gran superficie de agua se puede colorear. Un mar en calma reflejará el cielo, creando una imagen especular; Las ondas en la superficie del agua romperán este reflejo, manteniendo el cálido brillo del agua y creando un camino de luz desde el horizonte hasta el primer plano. Lo mejor es fotografiar la puesta de sol desde un punto más alto. Puede ser la cima de un acantilado costero o un muelle.

La fotografía del atardecer puede ser un desafío. El más difícil de ellos es determinar la exposición. Si utiliza una exposición basada en el brillo del sol, el resultado será una imagen sólo del sol, y el resto de la imagen, incluidas las nubes, permanecerá completamente oscura. Y si determinas la exposición por el brillo del cielo, el sol resultará “quemado” y no se verá como la bola dorada que pretendías fotografiar, sino como una masa blanca. Por tanto, es necesario un compromiso. Un método consiste en tomar el promedio de dos lecturas de exposición: el brillo del sol y el brillo del cielo. Otro método para determinar la exposición mediante el brillo promedio ponderado del encuadre es que la lectura de exposición se toma con el sol colocado en uno de los bordes del visor. Con esta posición del sol, no habrá deficiencias en brillo y contraste. Los parámetros de exposición que se obtienen en este caso se configuran manualmente antes de cambiar la cámara a Posición de trabajo, correspondiente a la composición de fotograma seleccionada. Independientemente del método de medición de exposición que se utilice al fotografiar esta escena, es aconsejable duplicar fotogramas con intervalos de exposición, ya que una diferencia de un paso en la escala de apertura puede cambiar completamente el estado de ánimo de la imagen.

En esta situación, la apertura controla algo más que la exposición. Si utiliza una apertura pequeña, obtendrá algo similar a un efecto de explosión de estrella en la imagen del sol. Cuanto menor sea la apertura, más fuerte será este efecto. Dado que en este tipo de fotografía la luz solar directa entra en el objetivo, existe el peligro de que se produzcan destellos debido al deslumbramiento. Puedes usar cualquier lente, pero si el sol es el punto focal del sujeto, usa la lente más larga posible. Cuando el sol está bajo en el cielo, el nivel de luz también es bajo y tendrás que utilizar una velocidad de obturación larga, lo que hace imposible sostener lentes largos con firmeza en tus manos. Por lo tanto, al fotografiar bajo el sol, es útil un trípode.

Las grandes superficies de agua se fotografian mejor desde un punto elevado. En este caso, la imagen del agua ocupa la mayor parte del área del encuadre, mientras que en un punto de disparo bajo, la mayor parte del encuadre estará ocupada por el cielo. Para enfatizar la enormidad del espacio acuático, se incluye en el marco la imagen de un barco o barco, lo que ayuda a identificar las relaciones de escala. En ocasiones, sus reflejos en el agua contribuyen a una representación más precisa del estado de su superficie y del clima.

Durante la puesta de sol, el tono general del color cambia literalmente cada minuto. Cuanto más bajo está el sol, más roja es su luz, y mucho antes de que una persona note este cambio de color, la matriz lo registra como una transición del amarillo intenso al naranja y luego al rojo. Lo mismo, pero en orden inverso, ocurre al amanecer.

Tan pronto como el sol se pone bajo el horizonte, el cielo rápidamente se vuelve azul oscuro con una franja de amanecer rojo a lo largo del horizonte. Media hora después de que el sol haya desaparecido por completo, si la noche está despejada, un cálido resplandor cubrirá todo el cielo. Este es exactamente el momento en el que necesitas instalar una lente estándar y comenzar a tomar fotografías. Las exposiciones serán largas, pero esta vez la exposición se puede determinar de manera confiable por el brillo del cielo mismo, ya que este brillo es uniforme y no hay ningún disco solar en el marco que pueda afectar la lectura de exposición. El mismo resplandor aparece en el cielo antes del amanecer. Vale la pena capturar ambos momentos con la cámara y, a menudo, son mucho más interesantes que el amanecer y el atardecer.

Arroz. 20. "Mar"

En la Fig. 20 representa un paisaje marino. El objetivo es mostrar la puesta de sol en un día soleado. La fotografía se realizó al aire libre por la noche. La foto fue tomada con una cámara Canon 450D. Se utilizó un filtro ultravioleta. Configuré la apertura en 5,6 y la velocidad de obturación en 1/250. Se podría decir que el horizonte divide el encuadre por la mitad, pero en esta toma está justificado. No puedes “cortar” la parte superior o inferior de esta foto. La presencia de estratos en la imagen hace que la fotografía sea expresiva. El camino soleado también aporta expresividad a la foto. Considero que la fotografía está correctamente equilibrada.

En la Fig. 21 representa un paisaje marino. El objetivo es mostrar el cielo al atardecer. La fotografía muestra principalmente el cielo iluminado por el color rojo del sol poniente. Hay elementos de color rojo y azul en el cielo, lo que indica el clima soleado del día.

Arroz. 21. “Atardecer escarlata”

El tono escarlata del atardecer puede decir: pronto el sol se esconderá tras el horizonte y llegará la noche. La fotografía de este paisaje se realizó al aire libre por la tarde. La foto fue tomada con una cámara Canon 450D. Se utilizó un filtro rojo. Configuré la apertura en 8 y la velocidad de obturación en 1/1000. La foto es de buena calidad. El mar de la fotografía es oscuro, casi negro. El sol está justo por encima del nivel del mar y también hay muchas nubes en la foto, lo que le da un aspecto colorido. El marco está equilibrado correctamente. El objetivo previsto se logró con éxito.

Arroz. 22. “Tarde marrón”

En la Fig. 22 representa un paisaje marino. El objetivo es mostrar la puesta de sol. La fotografía se realizó al aire libre por la noche. La foto fue tomada con una cámara Canon 450D. Se utilizó un filtro rojo. Configuré la apertura en 5,6 y la velocidad de obturación en 1/500. La foto es de buena calidad. El cielo es rosado, el mar es mayoritariamente rojo oscuro y la presencia de nubes hace que la toma destaque. Al crear esta imagen, tenía la intención de mostrar el cielo colorido al atardecer. Hice la composición del tiro, qué objetivos perseguía. No quería mostrar las vastas extensiones del océano; el personaje principal aquí es el cielo. Hay muchas nubes, el disco del sol y reflejos de color amarillo claro: todo esto indica que la composición del marco está construida correctamente. Se ha logrado el objetivo perseguido. El atardecer es colorido.

Arroz. 23. "Tarde lluviosa"

En la Fig. 23 muestra el mar después de la lluvia. El objetivo es mostrar la puesta de sol en un día nublado. Sí, esto realmente se muestra: la neblina, que antes absorbía algunos de los rayos rojos y dispersaba los azules al disolverse, tiñe el horizonte de rosa o rojo, y la parte superior del cielo aún permanece azul, y las transiciones sorprendentemente suaves de varios En él se observan matices de color. La fotografía se realizó al aire libre por la noche. La foto fue tomada con una cámara Canon 450D. Se utilizó un filtro amarillo. Configuré la apertura en 5,6 y la velocidad de obturación en 1/125. La foto fue tomada una hora después de la lluvia. La presencia de nubes negras en el cielo indica lluvia pasada. El protagonista aquí es el cielo, por eso elegí mostrar el horizonte de forma insignificante.

Arroz. 24. "Paisaje marino"

En la Fig. 24 representa un paisaje marino. El objetivo era mostrar la puesta de sol en un día soleado. La fotografía se realizó al aire libre por la noche. La foto fue tomada con una cámara Canon 450D. Se utilizó un filtro ultravioleta. Configuré la apertura en 5,6 y la velocidad de obturación en 1/250. Aunque el horizonte divide el encuadre por la mitad, en esta foto está justificado. Es imposible “cortar nada” de esta fotografía. La puesta de sol tiene un tinte violeta claro, lo que le da a la foto una cualidad expresiva inusual.

conclusiones

En resumen, me gustaría señalar que al fotografiar nieve, la iluminación lateral, semi-retroiluminada y retroiluminada transmite mejor la textura. Debido a la posición baja del sol en invierno, aparecen largas sombras oblicuas en cada irregularidad de la nieve, lo que ayuda a revelar su estructura en la imagen.

Es importante que la fotografía no se realice en tiempo nublado, ya que con una iluminación difusa difícilmente se revelará la textura de la nieve, de lo contrario se puede arruinar la imagen en el sentido artístico.

Como técnica visual, es recomendable utilizar varios filtros de luz. Para enfatizar el cielo azul y sin nubes, a menudo conviene utilizar filtros de color amarillo claro y amarillo verdoso. Si quieres resaltar la blancura y el espesor de la escarcha, debes utilizar filtros naranja y rojo. Si necesita atenuar el brillo intenso de la nieve que brilla bajo el sol, puede utilizar un filtro polarizador.

La mejor época para fotografiar un paisaje marino al atardecer es el verano. Durante este período hay más nubes, lo que potencia la expresividad de la trama. Las nubes perciben el resplandor rojo del sol, complementando la imagen con una paleta de luces en constante cambio. Muy a menudo, cuando el sol está detrás de las nubes, sus rayos brillan en todas direcciones, creando una imagen particularmente impresionante.

Si lo desea, puede realzar la impresión colocando en primer plano varias escenas con una gran superficie de agua. Entonces, un mar o un lago en calma reflejarán el cielo, formando una imagen especular; Las ondas en la superficie del agua romperán este reflejo, manteniendo el cálido brillo del agua y creando un camino de luz desde el horizonte hasta el primer plano.

Bibliografía

1. V.N. Stasevich “Paisaje. Imagen y realidad" M.: "Impulso", 2006 - 184 p.

2. Enciclopedia “Art. Volumen 5". M.: “Avanta+”, 2001 - 547 p.

3. Vicepresidente Rotmistrov "Paisaje ruso". M.: "Vanguardia", 1999 - 205 p.

4. J. Wade "Técnicas de fotografía de paisajes". M.: “Mir”, 1989 - 200 p.

5. AA Tikhonov "Técnicas de iluminación fotográfica". Minsk: LLC Nuevo conocimiento, 1999 - 143 p.

Escenario- Este es uno de los géneros fotográficos más populares y extendidos. Tarde o temprano, todos los maestros de su oficio pasan por el hobby de la fotografía de paisajes. Y hay razones para ello: al fotografiar un paisaje o una panorámica, se pueden obtener excelentes resultados incluso sin utilizar equipos costosos ni un taller o estudio especialmente equipado con iluminación especial. Para crear una obra maestra, todo lo que necesitas es una cámara y, preferiblemente, un trípode, además de ciertas habilidades profesionales y bastante paciencia. Cabe señalar que muy a menudo el resultado final depende no sólo y no tanto de la cámara, sino de la habilidad del fotógrafo. Por supuesto, cualquier fotografía es, ante todo, un proceso creativo, pero hay una serie de reglas que, si se siguen, te permitirán evitar errores comunes que cometen los fotógrafos novatos.

Encendiendo

El objeto de atención de un fotógrafo de paisajes es, ante todo, la naturaleza. Por supuesto, el paisaje puede ser urbano, rural o marítimo; puede ser fotografía panorámica o macro; Las fotografías pueden contener edificios, animales e incluso personas, sin embargo, la principal diferencia aquí es la ausencia de iluminación artificial del estudio. La fotografía de paisaje se realiza en natural. condiciones naturales. Esto significa que la cuestión de la iluminación debe abordarse muy en serio, ya que el resultado final a menudo depende de la luz, o más bien del juego de luces y sombras. Las mañanas y las tardes, cuando el sol está bajo con respecto al horizonte, se consideran las más favorables para fotografiar paisajes. Es en este momento cuando se obtienen las fotografías más contrastadas con un rico y variado juego de luces y sombras. Como regla general, estos resultados no se pueden lograr al mediodía debido al sol cegador y a la ausencia casi total de sombras: las imágenes salen brillantes, pero sin vida y " departamento" A última hora de la tarde, después del atardecer, tampoco es el mejor momento del día. Para fotografiar al anochecer se necesita un dispositivo potente con una buena lente y un sistema de reducción de ruido, y también, preferiblemente, un flash externo. De lo contrario, las imágenes aparecerán borrosas, granuladas y con mucha ruido digital. Es igualmente importante elegir una posición adecuada en relación con la fuente de luz, en particular el sol. No se recomienda fotografiar al sol porque corre el riesgo de obtener fotografías completamente sobreexpuestas. Lo ideal es que la fuente de luz esté situada detrás del fotógrafo.

composición de fotos

Una condición igualmente importante para obtener un paisaje verdaderamente exitoso es la composición, es decir, lo que cae en el marco y cómo se ubican los objetos en el marco entre sí. No basta con elegir un área pintoresca; a menudo, los hermosos paisajes de las fotografías parecen banales y, por el contrario, en el entorno más común se puede crear una verdadera obra maestra. Para hacer esto, necesita comprender cuál es exactamente el tema principal de la foto, por qué la está tomando y cómo la foto puede volverse más expresiva. Es necesario recordar algunas reglas de oro del fotógrafo:

. Regla de los tercios. Al tomar una fotografía, intente dividir mentalmente el marco en tres partes iguales de forma horizontal. Si quieres llamar la atención sobre el paisaje, éste debe ocupar dos tercios de la foto. Por el contrario, si es necesario resaltar la belleza del cielo, la línea del horizonte debe discurrir a lo largo de la línea horizontal inferior.

. Regla de la proporción áurea. De la misma forma, divide mentalmente la imagen en tres partes horizontalmente y en tres partes verticalmente. En la intersección de estas líneas virtuales, la mayoría objetos significativos. Lo mejor es que haya un objeto principal, por ejemplo, un árbol, una casa, una piedra o una flor. ()

. regla diagonal. Es mejor colocar objetos como una carretera, un río o un camino en diagonal a lo largo del marco. La foto se verá más viva y dinámica.

Y, por último, un matiz importante para un fotógrafo de paisajes profesional es el uso obligatorio de un trípode. Sin este accesorio, será muy difícil crear una fotografía verdaderamente profesional, ya que las condiciones de iluminación ideales son raras en la naturaleza, lo que significa que incluso un ligero temblor de la mano puede provocar que la fotografía quede borrosa y poco clara.
Por supuesto, todas las reglas anteriores son solo la base de tu creatividad. Sin embargo, su uso en la práctica facilitará enormemente el proceso de dominio de la técnica de la fotografía de paisajes.

Mostrar código html para insertar en el blog