Presentación de cultura artística en MHK. Temas de trabajos de investigación y proyectos sobre MHK. Tradiciones rusas: año nuevo
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Dioses del Antiguo Egipto
Dios Amon Amon ("oculto", "oculto"), en la mitología egipcia, el dios del sol. El animal sagrado de Amón es el carnero y el ganso (ambos símbolos de sabiduría). Dios fue representado como un hombre (a veces con cabeza de carnero), con un cetro y una corona, con dos plumas altas y un disco solar.
El culto de Amón se originó en Tebas y luego se extendió por todo Egipto. La esposa de Amon, la diosa del cielo Mut, y su hijo, el dios de la luna Khonsu, formaron con él la tríada tebana. Durante el Reino Medio, Amon comenzó a llamarse Amon-Ra, ya que los cultos de las dos deidades se unieron, adquiriendo un carácter estatal.
Dios Anubis Anubis, en la mitología egipcia, el dios - el patrón de los muertos, el hijo del dios de la vegetación Osiris y Neftis, la hermana de Isis. Nephthys escondió al recién nacido Anubis de su esposo Seth en los pantanos del delta del Nilo. La diosa madre Isis encontró al joven dios y lo crió.
Más tarde, cuando Set mató a Osiris, Anubis, organizando el entierro del dios difunto, envolvió su cuerpo en telas empapadas en una composición especial, haciendo así la primera momia. Por ello, se considera a Anubis el creador de los ritos funerarios y se le llama el dios del embalsamamiento.
Anubis también ayudó a juzgar a los muertos y acompañó a los justos al trono de Osiris. Anubis fue representado como un chacal negro o un perro salvaje Sab (o un hombre con cabeza de chacal o de perro).
Dios Horus Horus, Horus ("altura", "cielo"), en la mitología egipcia, el dios del cielo y el sol en forma de halcón, un hombre con cabeza de halcón o un sol alado, el hijo de la diosa de la fertilidad Isis y Osiris, el dios de las fuerzas productivas. Su símbolo es un disco solar con las alas extendidas.
Inicialmente, el dios halcón era venerado como un dios depredador de la caza, cuyas garras se clavaban en la presa. Según el mito, Isis concibió a Horus del muerto Osiris, quien fue asesinado a traición por el formidable dios del desierto, Seth, su hermano.
Después de retirarse a lo profundo del pantanoso delta del Nilo, Isis dio a luz y crió a un hijo que, habiendo madurado, en una disputa con Seth, busca reconocerse como el único heredero de Osiris. En la batalla con Seth, el asesino de su padre, Horus primero es derrotado: Seth se arrancó el ojo, el Ojo maravilloso, pero luego Horus derrotó a Seth y lo privó de su masculinidad. En señal de sumisión, colocó la sandalia de Osiris sobre la cabeza de Set. Entregó su maravilloso Ojo de Horus para que se lo tragara su padre, y volvió a la vida. El Osiris resucitado le dio su trono en Egipto a Horus, y él mismo se convirtió en el rey del inframundo.
Dios Set Set, en la mitología egipcia, el dios del desierto, es decir, "países extranjeros", la personificación de la inclinación al mal, el hermano y asesino de Osiris, uno de los cuatro hijos del dios tierra Geb y Nut, la diosa de cielo. Los animales sagrados de Set eran considerados un cerdo ("abominación para los dioses"), un antílope, una jirafa y el burro era el principal. Los egipcios lo imaginaban como un hombre con un torso largo y delgado y cabeza de burro.
Dios Thoth Thoth, Jehuti, en la mitología egipcia, el dios de la luna, la sabiduría, el conteo y la escritura, el patrón de las ciencias, los escribas, los libros sagrados, el creador del calendario. La diosa de la verdad y el orden, Maat, fue considerada la esposa de Thoth. El animal sagrado de Thoth era el ibis y, por lo tanto, el dios a menudo se representaba como un hombre con cabeza de ibis.
Estuvo presente en el juicio de Osiris y registró los resultados del pesaje del alma del difunto. Dado que Thoth participó en la justificación de Osiris y dio la orden para su embalsamamiento, participó en el ritual funerario de cada egipcio fallecido y lo condujo al reino de los muertos.
Juicio de Osiris
Dios Osiris Osiris, en la mitología egipcia, el dios de las fuerzas productivas de la naturaleza, el señor del inframundo, el juez en el reino de los muertos. Osiris era el hijo mayor del dios de la tierra Geb y la diosa del cielo Nut, hermano y esposo de Isis. Reinó en la tierra después de los dioses Pa, Shu y Geb y enseñó a los egipcios la agricultura, la viticultura y la elaboración del vino, la extracción y procesamiento del mineral de cobre y oro, el arte de la medicina, la construcción de ciudades y estableció el culto a los dioses.
Osiris: el dios de la naturaleza que muere y renace anualmente, más tarde el dios del inframundo y el juez de los muertos; representado como una momia humana en una corona enmarcada con plumas, una barba, un cetro y un látigo en las manos dobladas.
Set, su hermano, el dios maligno del desierto, decidió matar a Osiris e hizo un sarcófago según las medidas de su hermano mayor. Habiendo organizado un festín, invitó a Osiris y anunció que el sarcófago sería presentado a quien cupiera. Cuando Osiris se acostó en el capcófago, los conspiradores cerraron la tapa, la llenaron de plomo y la arrojaron a las aguas del Nilo. Osiris se acostó en el sarcófago.
La fiel esposa de Osiris, Isis, encontró el cuerpo de su esposo, extrajo milagrosamente la fuerza vital escondida en él y concibió del muerto Osiris un hijo llamado Horus. Cuando Horus creció, se vengó de Set. Horus entregó su Ojo mágico, arrancado por Set al comienzo de la batalla, para que se lo tragara su padre muerto. Osiris cobró vida, pero no quiso volver a la tierra, y, dejando el trono a Horus, comenzó a reinar y juzgar en el más allá. Anubis realiza un rito funerario sobre el cuerpo de Osiris
A menudo se representaba a Osiris como un hombre de piel verde, sentado entre los árboles, o con una vid enrollada alrededor de su figura. Se creía que, como todo el mundo de las plantas, Osiris muere cada año y renace a una nueva vida, pero la fuerza vital que fertiliza en él se conserva incluso en los muertos. Osiris con cabeza de carnero
Diosa Isis Isis (Isis) en la mitología egipcia, la diosa de la fertilidad, el agua y el viento, símbolo de la feminidad y la fidelidad conyugal, la diosa de la navegación, la hija de Hebe y Nut, la hermana y esposa de Osiris. Isis ayudó a Osiris a civilizar Egipto y enseñó a las mujeres a cosechar, hilar y tejer, curar enfermedades y estableció la institución del matrimonio.
Según una versión, Isis recogió el cuerpo y revivió a Osiris usando su poder curativo, y concibió de él al dios del cielo y el sol Horus. Isis era tan popular en Egipto que con el tiempo adquirió los rasgos de otras diosas.
Diosa Sekhmet Sekhmet ("poderosa"), en la mitología egipcia, la diosa de la guerra y el sol abrasador, la hija de Ra, la esposa de Ptah, la madre del dios de la vegetación Nefertum. El animal sagrado de Sekhmet es la leona. La diosa fue representada como una mujer con cabeza de leona y fue venerada en todo Egipto.
Al poseer poderes mágicos, Sekhmet podía matar a una persona o ponerle una enfermedad; la ira de la diosa trajo pestilencia y epidemias. Al mismo tiempo, Sekhmet es una diosa sanadora que patrocinaba a médicos que eran considerados sus sacerdotes.
Dios Ptah Ptah, en la mitología egipcia, el dios creador, patrón de las artes y oficios, especialmente venerado en Menfis. Ptah creó los primeros ocho dioses (sus encarnaciones - Ptah), el mundo y todo lo que existe en él (animales, plantas, personas, ciudades, templos, artesanías, artes, etc.) "con lenguaje y corazón". Habiendo concebido la creación en su corazón, expresó sus pensamientos en palabras. Ptah fue representado como una momia con la cabeza abierta, con una vara de pie sobre un jeroglífico que significa verdad.
pájaro y musa
Nut y Geb Diosa del cielo y dios de la tierra.
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Reconstrucción de la Acrópolis
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Trabajo de verificación "Artesanía popular de Rusia"
1. Nombra el juguete artesanal Filimonov - silbato
2. Nombra el juguete artesanal Bogorodsk tallado
3. Nombra la artesanía de Pavlovo: la bufanda del ciudadano.
4. Continúe la frase: Orenburg ... Vologda ... Dymkovo ... Zhostovsky ... Khokhloma Golden ... No van a Tula con su ... suave bufanda encaje juguete bandeja vajilla Khokhloma samovar
5. Tipo de actividad Actividad de alfarería
6. Limpiar: Remolque giratorio Cordón Bobinas Hilos Tijeras Alfileres
7. Nombra el juguete artesanal Dymkovo.
8. Materiales maquinables: Arcilla Plastilina Madera Piedra Metal Cera Yeso
9. Nombra la nave Gzhel
10. Nombra la nave Khokhloma
11. Eliminar el exceso: trabajo, talento, fábrica, barro, herramienta, obrero, artesano, producto, habilidad, juguete, oficio. justa,
12. ¿En qué ferias principales de Rusia vendían artesanías? Irbitskaya Sergiev Posadskaya Nizhny Novgorod Vyatskaya Moscú siberiano Krasnoyarsk
13. Nombra la pesquería de Zhostovo
14. Piensa y suma. ¿El artesano trabajaba solo o con su familia? ¿Cuántos productos podría producir? Lo que hicieron para una actividad exitosa: United Hid secrets Scolded
15. Tipo de producto Fundición Kasli
16. ¿De qué se trata? Sorprendente, brotando, De alguna manera festivamente vivo, Joven, difícil, Hierba negra y roja, Las hojas revolotean, no se adelgazan Del aliento del invierno, Entramos en el reino de Berendey, En el mundo de la magia ... Khokhloma.
19. ¿En qué pueblo hizo esto? artesanía popular? Gzhel, Skopin, Dymkovo, Khokhloma, Gorodets, Kholuy.
18. ¿Qué tipo de DPI son las artesanías populares? Gzhel, Skopin, Dymkovo, Khokhloma, Gorodets, Gus-Khrustalny.
18. ¿Qué tipo de DPI son las artesanías populares? Gzhel, Skopin, Dymkovo, Khokhloma, Gorodets, Gus-Khrustalny. CERÁMICA PINTURA SOBRE MADERA VIDRIO
17. ¿En qué estilo está hecho el aerógrafo? KHOKHLOMA
20. ¿Dónde está Fedoskino y dónde está Palekh? 2 1 Fedoskino Palej
21. ¿Qué sabes sobre la pesca en bandeja en los Urales?
22. Nombre cualquier oficio popular que no se haya mencionado en el trabajo de prueba. ¡Buena suerte!
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cultura Rus de Kiev
El primer florecimiento del antiguo arte ruso está asociado con la era de la Rus de Kiev, que se convirtió en la sucesora de las tradiciones bizantinas.
¿Cuáles son las características principales de la cultura de la antigua Rusia, qué período de tiempo dura este período? Enumera los dioses paganos de los antiguos eslavos. ¿Qué es un "templo"? ¿Qué eventos relacionados con la formación del estado en Rusia? Cuéntanos sobre los primeros príncipes de la antigua Rusia.
Antes de la adopción de la ortodoxia, la Rusia pagana adoraba a muchos dioses. Bautismo de Rusia en 988 Dio un poderoso impulso al desarrollo de la cultura artística.
Preguntas a tareas para el hogar"Adopción del cristianismo en Rusia": ¿Cuáles son las razones por las que Rusia acepta el cristianismo ortodoxo (bizantino)? ¿Cuál es el significado de la adopción del cristianismo para el desarrollo de la cultura rusa? Cómo fue el proceso de adopción del cristianismo por parte del pueblo.
cúpula tambor zakomara coros ábside pilar Nave lateral Nave lateral Nave central Disposición de una iglesia con cúpula de crucería.
Uno de los edificios de piedra más antiguos de Kyiv fue la Iglesia de los Diezmos, construida en 989-996. En honor a la Santa Madre de Dios. Reconstrucción
Santa Sofía en Kyiv La estructura arquitectónica más antigua que nos ha llegado es la Catedral de Santa Sofía (construida entre 1017 y 1037) Este templo fue construido durante el reinado de Yaroslav el Sabio con la ayuda de maestros griegos.
La catedral fue construida con ladrillo rojo intercalado con ópalo rosa.
policabeza es contraste Catedral de Sofía. Una cúpula grande y doce más pequeñas simbolizan a Cristo y sus doce discípulos.
La abundancia de vanos y arcos de diversa naturaleza es una característica esencial de las instalaciones de la Catedral de Santa Sofía.
Los vanos y los arcos parecen "rimar" entre sí, crecer, expandirse y terminar en un vasto espacio abovedado con un enorme arco triunfal que enmarca el altar.
En el interior del edificio, la cúpula se percibía no como el volumen más grande, sino como el espacio más alto, como la principal fuente de luz.
En el interior de la catedral, en lo alto del centro bajo la misma cúpula, se representa a Cristo Todopoderoso.
En el ábside se encuentra la grandiosa figura de la Madre de Dios (orante), que levantó las manos a su Divino Hijo en oración por el género humano.
eucaristía
Sobre el altar, como prototipo de la liturgia que se desarrolla en el templo, se representa cómo los apóstoles con las manos extendidas se acercan al altar; Cristo les da vino y pan.
Las imágenes principales de la Catedral de Santa Sofía están realizadas con mosaicos y se concentran en la parte central, más frontal y luminosa del templo.
Los mosaicos que representan a los Padres de la Iglesia se distinguen por su excepcional sutileza de tonalidades coloridas. Los colores radiantes aportan algo de luz a estas estrictas imágenes.
Cristo Madre de Dios
Gregorio el taumaturgo Gregorio de Nyssa
Arcángel
Anunciación
Presentación de púrpura para el velo del templo a María
Combate singular de Jacob con el arcángel Miguel.
En la pintura del templo, junto con las personas y eventos sagrados, el mundo real que rodeaba a una persona encontró un lugar para sí mismo. Familia de Yaroslav el Sabio
Emperador y cortesanos.
Compruébelo usted mismo: 1. Nombre el año de la adopción del cristianismo en Rusia. 2.¿Durante el reinado de qué príncipe se construyó esta estructura?
3 Nombre el número de cúpulas de Hagia Sophia y lo que simbolizan.
¿Cómo se llaman los datos de la imagen y dónde se encuentran? 4.5.
6 ¿En qué técnica están realizadas las principales imágenes de la Catedral de Santa Sofía y dónde se concentran? 7 Introduzca un nombre para el fresco.
Recursos utilizados: E.P. Lvova, N. N. Fomin, Cultura Artística Mundial. Desde sus inicios hasta el siglo XVII” Ensayos de historia. - M.: Pedro, 2007. L. Lyubimov "El arte del mundo antiguo" - M.: Ilustración, 1980 N. N. Kutsman "Curso optativo Cultura del Mundo Antiguo". - Volgogrado "Corifeo", 2001. Yu.E. Galushkin "Cultura Artística Mundial". - Volgogrado: Profesor, 2007. Revista "Arte" №7 1993 T.G. Grushevskaya "Diccionario del MHK" - Moscú: "Academia", 2001. AI. Nemirovsky. "Libro de lectura sobre la historia del Mundo Antiguo", 2000. CER "Cultura Artística Mundial Grados 10-11" CJSC "Infostudiya Ekon". COR "Culturología" CJSC "Nuevo Disco". COR "MHK desde sus inicios hasta el siglo XVII" Editorial "Piter".
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Visita guiada a la Acrópolis de Atenas
Acrópolis de Atenas (siglo V a. C.) Acrópolis: la ciudad alta La Acrópolis de Atenas se alzaba sobre un acantilado alto y escarpado, que se elevaba 150 metros sobre el nivel del mar. Es el centro compositivo de la ciudad, extendido a sus pies, sus artífices fueron arquitectos que trabajaron bajo la dirección del escultor Fidias. Fidias dedicó 16 años de su vida a la Acrópolis. Aquí, sus habilidades creativas y organizativas se desarrollaron por completo, y el talento del escultor alcanzó la madurez.
Pericles El apogeo del principal centro de la cultura ateniense: la Acrópolis está asociada con Pericles, quien gobernó en ese momento en Atenas. Era una persona altamente educada, el líder generalmente reconocido de la democracia ateniense. Pericles reunió las mejores mentes de Hellas alrededor él: sus amigos eran el filósofo Anaxágoras, el artista Poliklet y el escultor Fidias
La fiesta de la Gran Panatenaica La idea compositiva del conjunto de la Acrópolis está asociada a las celebraciones de la Panatenaica y la procesión de los atenienses a la Acrópolis El último día de la Gran Panatenaica, que se celebra una vez cada 4 años, una procesión solemne de los ciudadanos de la ciudad trajeron a Atenea un velo sagrado (peplos), tejido por las manos de las muchachas atenienses. Este regalo era un signo de la resurrección de la diosa Atenea.La fiesta estuvo acompañada de competiciones ecuestres y gimnásticas, concursos de cantantes y músicos.
Reconstrucción de la Acrópolis
Propylaea La Propylaea es una entrada principal y solemne, fue construida por el arquitecto Mnesicles en 437-432 aC. Son dos pórticos dóricos, uno de los cuales da a la ciudad, y el otro, a la parte superior de la Acrópolis. A la izquierda, la pinacoteca contigua a los propileos, una galería de arte en la que se exhibieron pinturas, losas de mármol conmemorativas y dedicatorias a los dioses. metido
Templo de Nike Apteros A la derecha de los Propylaea había un pequeño, elegante y ligero templo de Nike Apteros (sin alas), la diosa de la Victoria, que fue construido por Calícrates en 427-424 aC. Dentro del templo había una estatua sin alas de la diosa. Hay una leyenda según la cual esta diosa trajo la victoria a los griegos sobre los persas, y luego los habitantes de la ciudad no querían separarse de ella. Habiéndola representado como sin alas, consideraron que la diosa nunca podría salir de su ciudad.
Estatua de Atenea Promachos (guerrera) Después de pasar los Propileos, llegamos a la cima de una roca nivelada, convertida en una plaza.En el centro de la plaza había una enorme estatua de bronce de 17 metros de Atenea Promachos, patrona de Atenas y el pueblo griego. La diosa severa y formidable se apoya en una lanza con la mano derecha y sostiene un escudo con la izquierda. Esta estatua era claramente visible desde todos los lados de la ciudad, e incluso desde el mar. la estatua fue destruida en el siglo XIII. caballeros cruzados supersticiosos
Partenón La composición de la Acrópolis se basa en el principio de asimetría, el principio del panorama libre. Por lo tanto, la estatua de Atenea se colocó a la izquierda del eje principal de Pripylia, y el famoso Partenón se desplazó a la derecha.
Según su plan, el Partenón es un períptero dórico: 8x17 columnas de 10,5 m de altura. El templo es armonioso, gracias a la combinación de las propiedades de dos órdenes en él: dórico y jónico. Las columnas exteriores eran del orden dórico, el las paredes de la templecella en sí estaban coronadas con un friso jónico continuo
El interior del edificio está dividido en dos partes iguales. El tesoro de la Unión Marítima Ateniense se guardaba en el ala occidental, y en la parte oriental, sobre un alto pedestal, la famosa estatua de Atenea Partenos fundió Atenea Partenos, la última estatua de Fidias. Trabajó en él durante 10 años.La altura de la estatua es de 12 metros. Tenía una base de madera cubierta de oro y marfil, Atenea tenía un casco con la imagen de una esfinge y caballos alados en la cabeza, y una égida con una máscara de Medusa Gargona en el pecho. En su mano derecha sostenía a la diosa Nike de dos metros, y en su mano izquierda sostenía un escudo. En el lado exterior del escudo se representaba la batalla de los griegos con las amazonas. A los pies de Atenea, un búho es símbolo de sabiduría, ya la izquierda una serpiente, que personifica a Erecteo, la deidad más antigua de Ática. Los pliegues de su ropa que fluían majestuosamente se parecían a los surcos de columnas delgadas: flautas. ANUNCIO la estatua de Atenea fue llevada a Constantinopla por un emperador bizantino, y allí, 100 años después, murió en un incendio
En el exterior, el Partenón estaba decorado con escenas de feroces batallas (de escenas mitológicas), en el interior, el friso en relieve del Partenón rodeaba todo el edificio. Sobre una cinta de mármol de 160 metros de largo y 1 metro de alto, se representó una solemne procesión de los habitantes de Atenas en el día de las Grandes Panatenas, que por su armonía, fusión de formas y belleza de ritmo, no tenía igual en el arte mundial.
Erecteion El Erecteion es un pequeño templo jónico construido en 421-405 aC. El templo está dedicado a la diosa Atenea y al mítico rey Erecteo y lleva su nombre. Según la leyenda, fue aquí donde tuvo lugar la disputa entre Atenea y Poseidón por el derecho a poseer el Ática. La composición del templo es muy compleja. Está construido sobre una plataforma irregular de una pendiente rocosa, tiene tres pórticos completamente diferentes en tamaño y forma.
De cualquier lado que nos acerquemos a este templo, desde todas partes nos encuentra con una nueva e inesperada composición de la fachada, asimetría de las esquinas. En uno de los pórticos, la corteza juega el papel de las columnas: las figuras de las niñas. Las estatuas de cariátides se combinan orgánicamente con la arquitectura. Desempeñan un papel constructivo, reemplazan las columnas y, al mismo tiempo, se ven muy bien contra el fondo de la pared de mármol del templo.
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Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH №3 Krasnoufimsk CULTURA DE RUSIA siglo XVI
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH №3 Krasnoufimsk CARACTERÍSTICAS DE LA CULTURA RUSA Siglo XVI. una vez dejaron de existir poderosos centros culturales y escuelas. Este fue el resultado del proceso completo de plegar un solo estado. Moscú, convirtiéndose en el centro de la cultura de toda Rusia, reunió los mejores artesanos de todo el mundo La cosmovisión religiosa siguió siendo la única y, por lo tanto, determinó la dirección de la vida espiritual de la sociedad en el siglo XVI. En el siglo XVI. se formó una cultura nacional, que se formó sobre la base de aquellas tradiciones que se desarrollaron y mejoraron en centros tradicionales que conservaban la identidad propia de cada localidad.
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH №3 Krasnoufimsk ESCRITURA E IMPRENTA. El principal material para escribir es el papel. Lo trajeron de Italia, Francia, los estados alemanes, Polonia. Los centros de escritura de libros son los monasterios. Había documentos escritos. Continúa la crónica.
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH No. 3 Krasnoufimsk 1563 - la primera imprenta en Moscú.
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH No. 3, Krasnoufimsk Pionero en Rusia - Ivan Fedorov. 1564 - el comienzo de la impresión de libros en Rusia. Asistente - Peter Mstislavets. Primero libro impreso, publicado en Rusia - "Apóstol" (1564). 1565 - "Libro de Horas" - una colección de oraciones diarias. La cartilla rusa se imprimió en 1574 en Lituania. En total, se publicaron 20 libros en el siglo XVI.
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH №3 Krasnoufimsk Literatura. crónica "Código analístico facial" (Nikon Chronicle). cronógrafos novelas históricas: "La captura de Kazan", "Sobre el caminar de Stefan Batory a la ciudad de Pskov" periodismo: - en los mensajes del hegumen Philotheus al Gran Duque Vasily III, la tesis "Moscú es la tercera Roma" fue finalmente formulado. - Ivan Peresvetov: el ideal del sistema estatal es un fuerte poder autocrático basado en la nobleza. Príncipe Andrei Kurbsky: abogó por limitar el poder del zar (se correspondió con Iván el Terrible). Sacerdote Yermolai: abogó por el establecimiento de normas firmes para los deberes campesinos. Theodosius Kosoy: habló sobre la igualdad de todas las personas.
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH No. 3 Krasnoufimsk "DOMOSTROY" autor sacerdote Sylvester. mediados del siglo XVI: Código de reglas e instrucciones cotidianas basadas en órdenes patriarcales con obediencia incondicional al cabeza de familia. . "MENEI CHET" (griego - lecturas diarias) - una colección de biografías de los padres de la iglesia, las vidas de los santos para lectura diaria. Compilado bajo el liderazgo de Metropolitan Macarius en los años 30-40. Siglo XVI, consta de 12 tomos, cada uno de los cuales corresponde a un mes concreto y se divide en días. El Menaion de Chetya tiene 27.000 páginas de texto escrito a mano, decorado con adornos.
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH №3 Krasnoufimsk ARQUITECTURA. Finalización de la construcción del conjunto del Kremlin de Moscú: en su creación participaron no solo los mejores maestros domésticos, sino también italianos: Pietro Antonio Solari, Aristóteles Fioravanti, Mark Fryazin (Ruffo), Aleviz Novy. En ese momento se formó el conjunto arquitectónico de la Plaza de la Catedral.
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH No. 3 Krasnoufimsk La Catedral del Arcángel 1505-1508 fue hasta principios del siglo XVIII. la tumba de los príncipes y zares de Moscú, el arquitecto Aleviz Novy, los grandes duques Ivan Kalita, Dmitry Donskoy, Ivan III, Ivan the Terrible, los zares Mikhail y Alexei Romanovs están enterrados aquí. Las reliquias de los santos: el príncipe Mikhail de Chernigov y el santo Tsarevich Dmitry, el hijo menor de Ivan the Terrible, quien fue asesinado en Uglich, se guardan en los santuarios.
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH №3 Krasnoufimsk campanario de Iván el Grande 1505-1508 Arquitecto Bon Fryazin. Un pilar alto y delgado de dos octaedros colocados uno sobre uno (parecían torres de vigilancia rusas). 1624 - Arquitecto de extensión Filaretovskaya. Bazhen Ogurtsov. 1532 - campanario para campanas pesadas. Arco. Petrok Pequeño.
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH No. 3 Krasnoufimsk en el XVI apareció en el estilo de tienda de campaña. Los templos estaban coronados con una tienda. Una tienda es la terminación de estructuras céntricas (campanarios, torres, templos, pórticos, puertas) en forma de pirámide o cono tetraédrico. Iglesia de la Ascensión en el pueblo de Kolomenskoye. Fue construido en 1532 en honor al nacimiento del heredero Vasily III, el futuro zar Iván el Terrible. La altura es de unos 62 m con una cruz El edificio está construido de ladrillo, casi todos los detalles arquitectónicos están hechos de piedra blanca. La carpa está hecha de ladrillo, con una ligera muesca de cada fila posterior en relación con la anterior. “... Pero ese Velmi es maravilloso con la altura y el señorío, eso no ha sucedido antes en Rusia”, escribió el cronista.
Kulyashova I.P. profesor de historia, escuela secundaria No. 3, Krasnoufimsk
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH №3 Krasnoufimsk Catedral de San Basilio. (Catedral de Pokrovsky). 1555-1561. . los arquitectos Barma y Postnik construyeron en honor a la captura de Kazan por las tropas rusas. Al principio, la catedral estaba pintada de blanco, y solo en el siglo XVII recibió un color abigarrado. La conexión por pasajes, galerías de nueve iglesias diferentes en forma de pilar simbolizaba la unificación de tierras y principados en un solo estado ruso.
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH No. 3 Krasnoufimsk Smolensk Kremlin finales del siglo XVI arquitecto Fyodor Kon. . "Collar de la tierra rusa"
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH №3 Krasnoufimsk PINTURA. Iconografía: Icono-imagen "Iglesia Militante" Tamaño 4 metros. Propósito: perpetuar en el arte la conquista del Kazan Khanate. book miniature: Miniatura del Consejo Soberano del siglo XVI.
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH №3 Krasnoufimsk PINTURA. Pintura al fresco de los frescos de la Catedral de la Anunciación del Kremlin de Moscú, realizada por un artel de artistas dirigido por Teodosio. El Juicio Final - un fresco de la Catedral de la Anunciación
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH №3 Krasnoufimsk PINTURA. Pintura al fresco Catedral de la Anunciación, Fresco "Trinidad
Kulyashova I.P. profesor de historia MOU-SOSH No. 3 Krasnoufimsk monumento de fundición de cobre ruso: Tsar Cannon - 1594 maestro: Andrey Chokhov el cañón más grande del mundo. peso - 40 toneladas, calibre del arma - 89 cm, diámetro del cañón - 120 cm, longitud del arma - 5,5 metros. Esta gigantesca arma podía disparar balas de cañón de piedra que pesaban más de 800 kilogramos. Andrey Chokhov, lo llamó "cañón", en los viejos tiempos esta arma a menudo se llamaba "Escopeta rusa", porque se suponía que disparaba con un "disparo" (perdigones).
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Cultura rusa del siglo XVIII
"La Era de la Razón y la Ilustración": así hablaban de su época los grandes pensadores del siglo XVIII, heraldos de nuevas ideas revolucionarias. Introducción
El crecimiento intensivo de la cultura rusa en el siglo XVIII se debió en gran medida a las grandes transformaciones en todas las áreas de la sociedad rusa, llevadas a cabo en la era de Pedro I. Los logros políticos y culturales de la era petrina ayudaron a fortalecer el sentido de la gente. de orgullo nacional, conciencia de la grandeza y el poder del estado ruso. Las reformas de Peter contribuyeron al auge económico y político del estado. La Ilustración ha avanzado mucho, lo que tuvo una gran influencia en el desarrollo posterior de la cultura.
Educación
Al borde del siglo XIX en Rusia había 550 instituciones educativas y 62 mil estudiantes. Estas cifras muestran el aumento de la alfabetización en Rusia y, al mismo tiempo, su rezago. Europa Oriental: en Inglaterra a finales del siglo XVIII. había más de 250 mil estudiantes sólo en las escuelas dominicales, y en Francia el número escuelas primarias en 1794 llegó a 8 000. En Rusia, en promedio, sólo dos de cada mil estudiaron. La composición social de los estudiantes en las escuelas de educación general era extremadamente diversa. En las escuelas públicas predominaban los hijos de artesanos, campesinos, artesanos, soldados, marineros, etc.. La composición por edades de los estudiantes tampoco era la misma: tanto los niños como los hombres de 22 años estudiaban en las mismas clases.
En la Rusia XVIII había 3 tipos de escuelas: escuelas de soldados, escuelas cerradas de nobles. establecimientos educativos, seminarios teológicos y escuelas. también se formaron especialistas a través de universidades: Academic, establecida en 1725 en la Academia de Ciencias y existente hasta 1765, Moscú, fundada en 1755 por iniciativa de Lomonosov, y Vilensky, que se inauguró formalmente solo en 1803, pero de hecho actuó como un universidad desde los años 80 del siglo XVIII.
Escuelas de soldados Las escuelas de soldados son escuelas de educación general para hijos de soldados, sucesores y sucesoras de las escuelas digitales de la época de Pedro el Grande. Los hijos de los soldados constituían la mayor parte de los estudiantes de las universidades de Moscú y San Petersburgo. Las escuelas militares nacionales, inauguradas en la segunda mitad del siglo XVIII, también pertenecían al tipo militar. en el Cáucaso del Norte (Kizlyar, Mozdok y Ekaterinograd).
Instituciones educativas nobles cerradas Las instituciones educativas nobles cerradas son pensiones privadas, cuerpos de nobles, institutos doncellas nobles etc. en total más de 60 instituciones educativas, donde estudiaron alrededor de 4.5 mil niños nobles. Las instituciones educativas de clase también eran internados nobles, privados y públicos: el Instituto Smolny para Doncellas Nobles, el Internado Noble en la Universidad de Moscú, etc. Estas instituciones educativas disfrutaron del mayor apoyo financiero del gobierno.
Seminarios y escuelas teológicas Había 66 de ellos, 20.393 personas estudiaron en ellos. Estas también eran escuelas estatales destinadas a los hijos del clero; no aceptaron raznochintsy. La tarea principal de estas escuelas era formar sacerdotes devotos de la iglesia y del rey, pero los estudiantes de los seminarios también recibían educación general ya menudo se convirtieron en promotores de la alfabetización en sus parroquias.
Tipografía
En el siglo XVIII, el negocio de la publicación de libros aumentó significativamente. En 1708 se llevó a cabo una reforma tipográfica, se introdujo la imprenta civil, lo que contribuyó al aumento de libros y revistas seculares y civiles. Se organizaron bibliotecas, se abrieron librerías. Las extensas actividades de publicación de libros aceleraron en gran medida el desarrollo de la literatura. La introducción de la lengua civil contribuyó al fortalecimiento de la lengua secular.
Literatura
En este momento, las obras poéticas eran muy populares: odas, fábulas, epigramas del poeta y educador ruso Antioch Cantemir (1708-1744). El poeta VK Trediakovsky (1703-1768) se convirtió en un reformador de la lengua y la versificación rusas. A.P. Sumarokov (1717-1777), poeta, autor de las primeras comedias y tragedias, director del Teatro Ruso de San Petersburgo, se convirtió en el fundador de la dramaturgia rusa. Escribió en diferentes géneros: canciones líricas, odas, epigramas, sátiras, fábulas. Las obras de estos escritores reflejaron las ideas del clasicismo ruso.
Último cuarto del siglo XVIII se convirtió en el apogeo del gran poeta G.R. Derzhavin (1743-1816). El género principal de sus obras fue la oda. Los modales y costumbres rusas se expresaron en sus comedias sociales "Brigadier" y "Undergrowth" de D.I. Fonvizin. Sus comedias marcaron el comienzo de la corriente acusatorio-realista en la literatura. El fundador del sentimentalismo ruso fue N.M. Karamzin (1766-1826), autor de los cuentos "Pobre Liza", "La aldea" y otros. La obra principal de Karamzin es "La historia del Estado ruso".
Arquitectura
El siglo XVII marca el final del período de 700 años de la antigua construcción de piedra rusa, que ha escrito más de una página notable en los anales de la arquitectura mundial. En la era petrina, se introdujeron innovaciones en la arquitectura y la construcción, debido a los requisitos del gobierno para expresar la fuerza, el poder y la grandeza del Imperio Ruso en las estructuras arquitectónicas. Con el desarrollo político y económico del país, se imponen nuevos requisitos a la ingeniería civil.
Los edificios más notables de esa época en Moscú fueron el puente Bolshoi Kamenny, el Arsenal en el Kremlin, etc. En 1749, Ukhtomsky organizó la primera Escuela de Arquitectura en Moscú en Moscú, donde V.P. Bazhenov y M.F. Kazakov estudiaron bajo su dirección.
En 1700, Rusia lanzó la Guerra del Norte contra Suecia para liberar las tierras rusas y devolver la costa de Neva a Rusia. Se abrió el acceso al mar Báltico para Rusia. Solo era necesario asegurarlo y asegurarlo. El 27 de mayo de 1703, según el dibujo de Pedro I y los ingenieros militares, se colocó una fortaleza de un nuevo tipo de bastión: la Fortaleza de Pedro y Pablo. En la orilla sur del Neva, casi frente a la Fortaleza de Pedro y Pablo, en 1704, según el dibujo de Pedro I, se colocó un astillero-fortaleza de construcción naval, el Almirantazgo.
El epicentro de las tendencias avanzadas en arquitectura y urbanismo de San Petersburgo. Bajo la protección de tres fortalezas que interactúan, comenzó su construcción, que desde 1712 se ha convertido en la nueva capital de Rusia. La colocación de las estructuras que forman la ciudad se llevó a cabo de acuerdo con las instrucciones del propio Pedro I. Desde 1710, solo comenzaron a construirse casas de ladrillo. Porque especialistas calificados no fueron suficientes, luego en 1710 fueron invitados: italianos, alemanes, holandeses. No solo tenían que construir, sino también formar arquitectos rusos a partir de los estudiantes que trabajaron con ellos.
El barroco ruso, que gravitó hacia la creación de imágenes heroicas, para la glorificación del poderío del Imperio Ruso, se manifestó más claramente en las estructuras arquitectónicas de uno de los arquitectos más grandes de esta tendencia: F. B. Rastrelli. Según sus diseños, se crearon majestuosos conjuntos palaciegos en San Petersburgo (Invierno, Palacio Stroganov, y en Peterhof, en Tsarskoye Selo (Palacio de Catalina). El carácter solemne y festivo de la arquitectura de Rastrelli dejó su huella en todo el arte de la Mediados del siglo XVIII.
En la década de 1760, se produjo en Rusia un cambio en el estilo arquitectónico y artístico. El barroco decorativo dio paso al clasicismo, que rápidamente se estableció en San Petersburgo y Moscú, y luego se extendió por todo el país. El clasicismo (del latín - ejemplar) es un estilo artístico que se desarrolla a través del préstamo creativo de formas, composiciones y muestras de arte del mundo antiguo y del Renacimiento italiano.
Para guiar a los ubicuos actividades de urbanismo en diciembre de 1762, se estableció una comisión sobre la estructura de piedra de San Petersburgo y Moscú. Creado para regular el desarrollo de ambas capitales, pronto pasó a gestionar todo el planeamiento urbanístico del campamento. La comisión funcionó hasta 1796. Además de establecer el diseño de San Petersburgo y Moscú, la comisión durante 34 años creó planes maestros 24 ciudades (Arkhangelsk, Astrakhan, Tver, Nizhny Novgorod, Kazan, Novgorod, Yaroslavl, Kostroma, Tomsk, Pskov, Voronezh, Vitebsk y otras).
En XVIII Rusia, se crearon creaciones arquitectónicas que son propiedad no solo de Rusia, sino de todo el mundo. Algunos de ellos, a saber: Bazhenov V. I. - la construcción del Gran Palacio del Kremlin y la construcción de los colegios en el territorio del Kremlin de Moscú. y sigue siendo una de las obras más perfectas de todo el clasicismo ruso de finales del siglo XVIII. Creación de un palacio real suburbano y una residencia en el parque en el pueblo de Tsaritsyno, cerca de Moscú. La Casa Pashkov, ahora el antiguo edificio de la Biblioteca V.I. Lenin, sigue siendo una de las obras más perfectas de todo el clasicismo ruso de finales del siglo XVIII. La finalización del trabajo de Bazhenov fue el proyecto del Castillo Mikhailovsky en San Petersburgo.
Las tradiciones progresistas más importantes de la arquitectura rusa, que son de gran importancia para la práctica de la arquitectura tardía, son el conjunto y el arte urbano. La arquitectura se transformó con el tiempo, pero sin embargo, algunas características de la arquitectura rusa existieron y se desarrollaron a lo largo de los siglos, manteniendo la estabilidad tradicional hasta el siglo XX, cuando la esencia cosmopolita del imperialismo comenzó a desgastarlas gradualmente.
Arte
Este es el apogeo del retrato. Los artistas más famosos de la época de Pedro el Grande, Andrei Matveev e Ivan Nikitin, los fundadores de la pintura secular rusa. A fines de la década de 1920, hubo un punto de inflexión hacia la dirección de la pintura de la corte. Los mejores retratistas del siglo XVIII - AP Antropov, F.S. Rokotov, D.T. Levitsky, V.L. Borovikovsky. La dirección clásica en escultura estuvo representada por Fedor Shubin, Mikhail Kozlovsky. A finales del siglo XVIII se está formando una de las colecciones de arte más ricas del mundo, el Hermitage. Se basa en una colección privada de pinturas de Catalina II.
En el siglo 18 El teatro siguió creciendo. Se abrieron nuevos teatros, se organizaron representaciones basadas en obras de autores rusos: Sumarokov, Fonvizin. El ballet en Rusia se originó como números de baile separados en los intermedios de representaciones dramáticas y de ópera. En 1741, por decreto de la hija de Peter, Elizabeth, se estableció una compañía de ballet rusa. El teatro de la fortaleza también continuó desarrollándose. La historia del teatro incluye los nombres de los actores siervos Praskovia Zhemchugova, Mikhail Shchepkin y otros En el siglo XVIII, el teatro ganó una inmensa popularidad y se convirtió en propiedad de las masas.
En el siglo XVIII. el arte musical secular comienza a extenderse. Se crea la Sociedad Filarmónica, en la que se interpreta música antigua y clásica, se forma una escuela de compositores, aparecen compositores rusos, autores de ópera y música de cámara. La era petrina marcó el comienzo del desarrollo de un nuevo tipo de música secular. La creatividad de esta época aún es muy insignificante: se limita principalmente a los géneros más simples de música aplicada: militar, de mesa, de baile. La nueva función del arte musical se manifestó especialmente en los géneros de la música ceremonial y solemne.
Los géneros de danza fueron especialmente populares. Los bailes de las asambleas de Peter (el minué, la polonesa, la inglesa) estaban firmemente arraigados en suelo ruso, y algunos de ellos, principalmente el minué, se convirtieron en los favoritos entre la sociedad noble. Sectores cada vez más amplios de la población se sienten atraídos por el arte de la música, a pesar de las restricciones de clase, e incluso los representantes de la clase servil ahora constituyen casi el grupo principal de músicos profesionales. A fines del siglo XVIII, se puede hablar de tradiciones nacionales estables y bien establecidas en el campo de la interpretación musical, la ópera y la vida de conciertos.
La ópera se convierte en el género musical líder. El principal compositor de ópera de esa época fue D.S. Bortnyansky, autor de unas 200 obras. A finales de siglo, apareció un género de canción lírica de cámara: un romance ruso basado en versos de poetas rusos. La ópera atrae tanto a una amplia audiencia como a las mejores fuerzas creativas. La ópera evoca animadas respuestas en la opinión pública, en la poesía, la literatura y la crítica. Con gran inmediatez y exhaustividad, refleja las tendencias progresistas y democráticas del arte ruso. En la ópera, como en la comedia, se tocan los problemas fundamentales más agudos de la realidad rusa y, sobre todo, la cuestión de la desigualdad social, la posición difícil y privada de los siervos.
La ópera rusa del siglo XVIII es, ante todo, una ópera-comedia realista. plano del hogar estrechamente relacionado con todo el camino de la vida pública rusa. La ópera, con toda la complejidad y diversidad de sus formas, nutrió toda la música profesional rusa y contribuyó al desarrollo de otros géneros. Los cimientos tanto del sinfonismo ruso como de los clásicos corales rusos se arraigaron en él. Estrechamente contiguo a la canción popular y al romance cotidiano, también influyó en las letras vocales profesionales. El desarrollo activo de la dramaturgia operística en el siglo XVIII determinó en gran medida de antemano el importante papel que el género operístico estaba destinado a desempeñar en la obra de los compositores clásicos.
Conclusión
El siglo XVIII en el campo de la cultura y la vida de Rusia es un siglo de profundos contrastes sociales, el auge de la educación y la ciencia. El siglo XVIII fue significativo para Rusia con cambios notables y logros significativos en el campo del arte. Su estructura de género, contenido, carácter, medios de expresión artística han cambiado. Y en la arquitectura, y en la escultura, y en la pintura, y en la gráfica arte ruso entró en el modo europeo de desarrollo.
Se desarrollaron todas las áreas de la cultura: educación, imprenta, literatura, arquitectura, bellas artes. Nuevo revistas literarias, ficción, teatro público, música profana. Hay una formación del clasicismo ruso. El desarrollo de la cultura en el siglo XVIII. preparó el brillante florecimiento de la cultura rusa del siglo XIX, que se convirtió en parte integral parte integral cultura mundial. Sin embargo, a diferencia del período de tiempo anterior, la cultura estuvo muy influenciada por la nobleza y también continuó el dominio de los extranjeros.
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Subtítulos de las diapositivas:
Quiz "En los orígenes del arte" El mundo primitivo Antiguo Egipto Antigua Grecia Antigua Roma ... ... . ... ... tarea: Inserte los números de las diapositivas en la columna deseada de la tabla.
I. ¿A qué época cultural se pueden atribuir estas obras de arte?
II. ¿A qué época cultural se pueden atribuir estas afirmaciones? El hombre es la corona de la creación, es como los dioses. Todos los tipos de arte están unidos en acciones rituales, son sincréticos. Una de las tareas del arte es preparar a una persona para la vida después de la muerte. La idea de la grandeza del imperio, diseñada para dominar a los pueblos, se plasmó en monumentos arquitectónicos monumentales.
tercero ¿A qué época se pueden atribuir estas características del arte? Los edificios arquitectónicos tienen una forma geométrica estricta, una superficie lisa y pulida, las paredes están decoradas con frescos e inscripciones que describen la vida de reyes y dioses.
tercero ¿A qué época se pueden atribuir estas características del arte? 2. Los edificios arquitectónicos en forma de basílica tienen un gran número de las columnas, paredes y fachadas de los edificios están decoradas con bajorrelieves y esculturas.
tercero ¿A qué época se pueden atribuir estas características del arte? Los edificios están formados por materiales naturales, piedra en bruto.
tercero ¿A qué época se pueden atribuir estas características del arte? 4. Edificios arquitectónicos de hormigón, de gran tamaño, en forma de rotonda (edificio redondo cubierto por una cúpula) con gran cantidad arcos (arcadas).
tercero ¿A qué época se pueden atribuir estas características del arte? La imagen de personas, dioses y animales es simbólica, plana, facetada. El tamaño de la imagen depende del estatus social y la nobleza de la persona representada.
tercero ¿A qué época se pueden atribuir estas características del arte? 6. Imagen gente real(generales, emperadores) con todas las ventajas y desventajas de la apariencia.
tercero ¿A qué época se pueden atribuir estas características del arte? Imagen de personas y animales en acción, mientras cazan. El dibujo es plano incompleto.
Stambha Ashoka. siglo tercero antes de Cristo mi. Altura 9,8 m En 321 BC. mi. En India, surgió el primer estado centralizado: el Imperio Maurya. Durante el reinado del rey Ashoka (268-232 a. C.), el budismo se adoptó como religión estatal. Ashoka demostró su conversión al budismo difundiendo vigorosamente la fe por toda la India, desde Bengala hasta Afganistán, a través de edictos tallados en monumentales pilares de piedra. Las columnas (stambhas) simbolizan el eje del Universo, que conecta el Cielo y la Tierra y personifica el Árbol de la Vida del Mundo. http://indiapicks.com
Capitel de león Stambha de Sarnath. Mediados del siglo III antes de Cristo mi. Stambha, que alcanza una altura de más de 10 metros, es un pilar de piedra bien pulido. La stambha está coronada con un capitel con imágenes escultóricas de animales, lo que significa ofrendas reales a Buda. El más famoso de ellos es el Lion Capital de Sarnath. Según la leyenda, el pilar que portaba este capitel se instaló en el lugar donde Buda pronunció su primer sermón. La imagen del capitel del león está impresa en los billetes de banco de la India moderna. http://newtown.k12.ct.us
Gran estupa en Sanchi. Durante el reinado del rey Ashoka, las estructuras conmemorativas y funerarias budistas (stupas) se generalizaron en la arquitectura del Imperio Maurya. A diferencia de otros edificios budistas que tenían interiores y una entrada, la estupa era monolítica y sólida en.wikipedia.org
Gran estupa en Sanchi. siglos III-II. antes de Cristo mi. (Cerca del siglo II a. C., puerta del siglo I a. C.) en.wikipedia.org Una de las estupas más antiguas que se conservan se construyó en Sanchi bajo los Mauryas (c. 250 a. C.). Más tarde fue reconstruido y algo ampliado. La cúpula semiesférica de la estupa descansa sobre una base redonda con una terraza que recorre todo el perímetro. La terraza estaba destinada a un rito ritual de culto, que consistía en que los adoradores daban la vuelta a la estupa en círculo, en el sentido de las agujas del reloj. Desde el lado sur, dos escaleras simétricas conducen a la terraza.
Gran estupa en Sanchi. siglos III-II. antes de Cristo mi. (valla del siglo II a. C., puerta del siglo I a. C.) en.wikipedia.org En la parte superior de la cúpula hay una columna, como si emergiera del núcleo de la estupa. En esto, los investigadores ven la continuación del culto a las columnas de Ashoka. El pilar central, que simboliza el eje del universo, está coronado con discos redondos y rodeado por un cerco de pilares cuadrados. Los paraguas representan niveles celestiales o escalones de ascenso al nirvana. Los tres paraguas simbolizan las tres joyas: el Buda, la Ley y la comunidad monástica.
Las primeras estupas sirvieron como lugares de enterramiento para las reliquias del propio Buda. Hay una leyenda que le preguntaron a Buda cuál debería ser su tumba. El Maestro extendió su manto en el suelo y le dio la vuelta al cuenco redondo para mendigar. Entonces la estupa adquirió su forma hemisférica. El hemisferio, símbolo del cielo y del infinito, en el budismo significa el nirvana de Buda (es decir, su liberación final del mundo), así como el propio Buda.
archi.1001chudo.ru Gran estupa en Sanchi. siglos III-II. antes de Cristo mi. Según la tradición, se suponía que la cerca alrededor del poste central lo ocultaría de los fieles durante el desvío ritual.
Puerta tallada www.buddhanet.net, www.shunya.net, fog.ccsf.cc.ca.us,
Gran estupa en Sanchi. siglos III-II. antes de Cristo mi. (valla del siglo II a. C., puerta del siglo I a. C.). Puerta occidental www.greatbuildings.com La estupa en sí también está rodeada por una valla enorme. Cuatro puertas (toranas) indican los cuatro puntos cardinales y con sus vigas y columnas profundamente talladas representan los aspectos principales de la doctrina; cautivan al espectador con sus historias y pinturas
Gran estupa en Sanchi. siglos III-II. antes de Cristo mi. (valla del siglo II a. C., puerta del siglo I a. C.). Puerta este. Fragmento www.greatbuildings.com tallado en relieve en Sanchi está limitado por columnas y vigas de cuatro puertas. Cada puerta está dividida en tres partes. En la sección superior, que consta de tres arquitrabes, se desarrolla la narración, que termina en volutas, como las páginas de piedra de los manuscritos ilustrados, una vez llevadas de pueblo en pueblo por narradores errantes. A pesar de las parcelas muy próximas entre sí, la talla profunda está hecha con tanta habilidad que las historias se pueden ver incluso desde abajo, desde el suelo.
El espacio está lleno de figuras humanas, figuras de animales (reales y de fantasía) y símbolos budistas como la estupa, el loto y el árbol. Los capiteles, que están conectados a vigas y columnas cuadradas, están rodeados de leones, elefantes y enanos: sus figuras rompen la planitud de la cerca y crean una transición dinámica de columnas verticales a vigas horizontales. También se crea una conexión visual con las vigas con la ayuda de soportes en forma de figuras femeninas. Gran estupa en Sanchi. siglos III-II. antes de Cristo mi. (valla del siglo II a. C., puerta del siglo I a. C.). archi.1001chudo.ru
Gran estupa en Sanchi. siglos III-II. antes de Cristo mi. (valla del siglo II a. C., puerta del siglo I a. C.). Yakshin de la puerta este www.greatbuildings.com Este es uno de mejores ejemplos imágenes de yakshini en el arte indio. El cuerpo desnudo de la diosa del árbol se curva con gracia, sus manos alcanzan el tronco del árbol de mango y su exuberante copa. Los movimientos de la mujer son ligeros y elegantes, la postura es libre y natural. El estándar de belleza para una mujer y la diosa de la fertilidad son las caderas y el busto enfáticamente redondeados. En general, la forma y la elaboración decorativa de las figuras están tomadas de los movimientos y posiciones de la danza, que siempre ha sido fuente de inspiración para los artistas indios.
Chaitya Chaitya es uno de los tipos de arquitectura budista india, que es una sala oblonga con dos filas de columnas y una estupa colocada en el extremo redondeado de la sala frente a la entrada (un funeral hemisférico y luego una estructura conmemorativa). Chaitya en Karli. Incisión. www.artprojekt.ru
Chaitya en Karli. siglo primero antes de Cristo mi. en el siglo primero antes de Cristo mi. En la arquitectura de culto de la India, los templos de cuevas - chaityas (principalmente en áreas donde las mesetas montañosas ascendentes se rompen abruptamente, creando muros escalonados de piedra sólida de varios cientos de kilómetros de largo) se han generalizado. Un ejemplo de este tipo de estructura es el chaitya en Karli. Había dos columnas frente a la cueva. El detalle más importante de la fachada de chaitya es una enorme ventana en forma de herradura, que sirve como principal fuente de luz en el templo. www.2india.ru
El espacio interior se parece remotamente a una basílica: el espacio excavado en la roca está dividido en tres “naves”, separadas entre sí por filas de columnas con bases en forma de olla y capiteles complejos (una combinación de motivos de campanas y flores de loto) con un terminación escultórica a partir de un grupo de figuras masculinas y femeninas. Chaitya en Karli. siglo primero antes de Cristo mi. Interior www.newtown.k12.ct.us
Alivio de Chaitya en Karli. siglo primero antes de Cristo mi. La fachada exterior de la chaitya en Karli está decorada con relieves esculpidos de figuras masculinas y femeninas. Es posible que los donantes que financiaron la construcción del templo estén representados aquí. Las parejas representadas en la fachada del chaitya personifican tanto los dos ideales de belleza como los dos principios de la naturaleza: masculino y femenino. Su combinación da lugar a toda la vida en la tierra. www.columbia.edu
Cuevas de Ellora El complejo de templos rupestres de Ellora se encuentra en el estado indio de Maharashtra, no lejos de la ciudad de Aurangobada, y consta de 34 templos rupestres, creados durante los siglos VIII-IX. Las cuevas de Ellora están excavadas en las colinas de basalto. www.tury.ru Representan los mejores ejemplos de la arquitectura de templos-cueva tanto de la India como del mundo, incluidas fachadas intrincadas e interiores exquisitamente decorados. La creación de las cuevas data aproximadamente de los siglos VI al IX d.C.
El más interesante entre los otros templos de Ellora es el Templo Kailasanath en la cueva 16, que es un monolito colosal con un ornamentado apariencia, íntegramente excavado en un cerro entero. Se empezó a construir entre el 757 y el 773 y tardó 150 años en construirse. Este templo es una de las piezas arquitectónicas más complejas del mundo. www.tury.ru Templo de Kailasanath en Ellora. Mediados del siglo VIII Lo sorprendente de Kailasanath es que, a diferencia de otros templos, que generalmente se construyeron de abajo hacia arriba, los escultores de este templo tallaron el templo desde la parte superior y los lados.
Templo Kailasanatha en Ellora. Mediados del siglo VIII Durante su construcción se excavaron 200 mil toneladas de roca. El templo está dedicado al Señor Shiva. El patio rectangular del templo, rodeado por dentro por filas de nichos con estatuas de deidades, incluye el santuario principal resaltado por un shikhara (terminación piramidal) y una sala de múltiples columnas para los fieles. www.tury.ru Este es el complejo monolítico más grande del mundo, 7.000 personas participaron en su construcción. El templo de Kailasanath es verdaderamente grandioso. Ocupa un área el doble del área del Partenón de Atenas, y una vez y media su altura.
La parte inferior del templo está tallada en forma de basamento de ocho metros de altura. En su centro hay esculturas monumentales de elefantes y leones de unos tres metros de altura, como si soportaran el peso del edificio del templo sobre sus espaldas. Esta idea de una gran estructura que descansa sobre las espaldas de elefantes y leones es mitológica y simbólica; después de todo, el mundo, como se sabe por las antiguas leyendas, se sostiene sobre tres elefantes. Sólo que hay muchos más elefantes en Kailasanath... clubs.ya.ru Templo de Kailasanath en Ellora. Mediados del siglo VIII
Relieve del templo rupestre de Ellora. siglos VIII-X Los complejos de templos de Ellora (siglos VI-X) son conocidos por las composiciones en bajorrelieve de las paredes que representan dioses budistas y brahmanes y héroes mitológicos. En comparación con las figuras canónicas de Buda, para las que la rigidez y la sequedad de las formas se volvieron características, las imágenes de los dioses brahmanes son plásticamente jugosas, llenas de intensa dinámica. www.shunya.net
Las cuevas y templos de Ellora están incluidos en la lista de la UNESCO de monumentos que son patrimonio mundial (patrimonio) de la civilización humana.
Shiva Mahadeva de tres caras del templo en la isla de Elefanta Las tres caras de Shiva simbolizan su triple esencia: Creador, Protector y Destructor. www.vedanta.it
Fuerte Rojo o Lal Qila El Fuerte Rojo o Lal Qila es uno de los monumentos más grandes y famosos de la India. Se encuentra en la capital Delhi a orillas del río Yamuna. Construido en piedra roja, impresiona por su belleza, grandeza e inexpugnabilidad. El Fuerte Rojo, o Lal Qila, no es menos hermoso que el Taj Mahal y debe su nombre a la piedra arenisca roja con la que están construidos sus muros. Fachada de la fortaleza de Lal Qila en Delhi. “Si hay un paraíso en el mundo, entonces está aquí, está aquí”, dice la inscripción en el arco de la sala Kala-a-Mubrak. En estas palabras del poeta persa Amir Khosrov se expresa la intención de los arquitectos de Shah Jehan: construir una ciudadela a imagen y semejanza del paraíso descrito en el Corán en.wikipedia.org/wiki/ Lal Qila
El fuerte debe su apariencia al gran Shah Jahan, quien también construyó el famoso Taj Mahal. La construcción comenzó el 16 de abril de 1639 y se completó exactamente 9 años después, el 16 de abril de 1648. wordtravel.com.ua El Fuerte Rojo, o Lal Kila Shah Jahan decidió trasladar la capital del estado de Agra a Delhi, y fue el Fuerte Rojo el que se convirtió en su residencia en la nueva capital. Shah Jehan pasó a la historia como un gran mecenas de las artes y el fundador de una dinastía.
El "Fuerte Rojo" de la época de Shah Jahan albergaba a 3.000 cortesanos. El edificio fue la primera ciudadela mogol concebida en forma de octágono irregular, que luego se convirtió en una característica del estilo arquitectónico de la época de esta dinastía. ru.wikipedia.org/wiki/ Lal Qila www.hot-putevki.ru/india sightseen.turistua.com/ru/gallery Fuerte Rojo, o Lal Qila Los ladrillos revestidos con cerámica o mármol rojo fueron el material de construcción.
Palacio de los Vientos. Jaipur El monumento más famoso de Jaipur es el Hawa Mahal o el Palacio de los Vientos. Este edificio de cinco pisos con 590 ventanas y balcones fue utilizado como harén para las esposas y concubinas de los Rajas de Jaipur. www.hot-putevki.ru/india El interior del palacio es interesante, donde casi todas las habitaciones no superan el ancho de la ventana.
Hawa Mahal o Palacio de los Vientos. Jaipur. El Hawa Mahal o Palacio de los Vientos se ha convertido en el símbolo de Jaipur. Este edificio, de piedra rosa y decorado con columnas y balcones, fue construido en 1799. Hawa Mahal es parte del complejo del palacio de la ciudad www.hot-putevki.ru/india
Palacio del Maharajá. Palacio de la ciudad de Jaipur, parte del cual está abierto al público como museo, la otra parte todavía está ocupada por la familia real.
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Presentación para la lección de la Cultura Artística Mundial En el grado 10 (Nivel de perfil) categoría de calificación T.D. Ageeva Institución educativa presupuestaria municipal de Vladimir "Secundaria escuela comprensiva Nº 15"
Arte de la Edad Media
Características generales de la cultura de la Edad Media Se considera que el inicio de la era de la cultura medieval es el año 476, año de la caída del Imperio Romano. También existe un término de historia del arte "cultura medieval", desde la adopción del cristianismo por parte del emperador de Roma Constantino como religión oficial en 313 y hasta el siglo XV II.
Al estudiar el tema, es necesario prestar atención a las siguientes preguntas: La Edad Media incluye 3 períodos - 3 etapas del desarrollo del feudalismo (formación, florecimiento y declive) La Edad Media temprana se remonta a los siglos V - X Maduro feudalismo - X - finales del siglo XV Baja Edad Media - siglos XV - XVII El espíritu de la época: el movimiento de los pueblos, la creación de nuevos estados, la expansión de los lazos comerciales y culturales entre Europa y el norte de África, el Medio Oriente, aparición de los primeros parlamentos y constituciones, inventos, lenguas europeas. Una contradicción en la cosmovisión de la Edad Media: el hombre es la corona de la naturaleza, el hombre es el servidor de Dios.
Géneros artísticos como la arquitectura y la pintura ocupan un lugar especial en la cultura. El idioma de la ciencia y de la iglesia es el latín. El arte del "lenguaje en piedra" es el destino de la gente común. El papel de la iglesia y su influencia en la cultura de la Edad Media es muy grande. La iglesia es el principal cliente de obras de arte, sirve al culto religioso. Las tramas de las obras son de carácter religioso: son imágenes del otro mundo, el lenguaje de los símbolos y las alegorías. No existe el género del retrato, ya que se cree que una persona sencilla no es digna de la imagen. El género principal de la pintura es un icono. Parcelas: la vida de los santos, la imagen de la Madre de Dios, Jesucristo. Al estudiar el tema, es necesario prestar atención a las siguientes preguntas:
Características de la arquitectura estilo románico El término "estilo románico" - apareció en el siglo XIX a partir del concepto - "lenguas romanas". Se basan en el latín, el idioma de los antiguos romanos. El período que abarca el estilo románico es de los siglos X - XII. Este es el primer gran estilo en el arte. Etapas de desarrollo del arte románico: - prerrománico - siglos V-IX - románico - siglos XI-XII Principales tipos de estructuras: - castillo feudal - conjunto monástico -templo
Las principales características de la construcción de castillos: - El castillo es producto de la época feudal, época de fragmentación, guerras, incursiones. Para protegerse, el castillo fue construido como una fortaleza. - Grandeza pesada y sombría - Parte superior irregular - Torres de tres pisos - Un foso - Puertas enormes con cadenas - Un puente - Donjons - Altas torres rectangulares, debajo de las cuales había almacenes subterráneos, habitaciones para sirvientes y guardias. La elección del sitio de construcción: una colina o un lugar elevado, la pendiente de un río.
Donjon: la torre más alta y más grande del castillo, en la que el señor feudal se refugió durante el asedio.
Torre inclinada de Pisa Construida en mármol blanco, obra maestra de la arquitectura medieval. La Torre Inclinada de Pisa se llama la torre inclinada, debido a su inclinación debido al hundimiento del suelo. En 1301, su último nivel se trasladó al lado opuesto.
Estilo gótico "Gótico": el término fue introducido por los humanistas del renacimiento, que consideraban todo lo que no era antiguo: negativo, bárbaro. Los godos, que se han disuelto como pueblo entre italianos, alemanes, españoles, nada tienen que ver con el nombre. El estilo gótico es el segundo gran estilo de la Edad Media. Se originó en Francia y dominó desde el siglo XII al XVI.
La iglesia gótica (catedral) se puede reconocer inmediatamente por los arcos ojivales (apuntando hacia arriba), arcos de ventanas, puertas. Las iglesias ya no parecen fortalezas, ascendiendo fácilmente al cielo, como si no estuvieran hechas de piedra en absoluto. Las ventanas están revestidas con vidrieras y ocupan tanto espacio que casi no quedan paredes. Las bóvedas soportan pilares cubiertos de semicolumnas, a modo de haces de fustes.
catedral de notre dame
En el gótico tardío, las vidrieras, las esculturas, los adornos de "piedra" y las tallas del techo se vuelven cada vez más complejos. A menudo se parecen a los patrones de encaje más complejos. Ni siquiera puedo creer que todo esto esté hecho de piedra.
estilo gótico en la arquitectura
Características de las artes aplicadas de la Edad Media La artesanía artística fue la más desarrollada. Decoraron ricamente incluso artículos para el hogar. El adorno de mimbre se usó especialmente generosamente. Consistía en una tira sin fin, cuyos tejidos llenaban toda la superficie del objeto. Entre los tejidos había imágenes de animales y personas, distorsionadas y simplificadas o estilizadas.
Las principales formas de pintura son la pintura de templos monumentales: mosaico y fresco, pintura de iconos, miniaturas de libros. El mosaico es una técnica compleja de doblar una imagen a partir de piezas multicolores de esmaltado (una aleación de vidrio con pinturas minerales). Aquí, el ángulo de incidencia de la luz se calculó con precisión, la superficie del mosaico se hizo ligeramente rugosa. Una vidriera es un lienzo pintoresco hecho de piezas de vidrio multicolor, el ángulo de incidencia de la luz jugó un papel especial. El color le dio un colorido único a toda la sala del templo. Colores azul, rojo, amarillo usados. La imagen era plana, sin sombras, temas sobre temas religiosos, que eran de carácter instructivo.
Características de la escultura medieval La escultura de la Edad Media tiene sus propias características: las imágenes de los santos carecen de un canon, rostros simples, imágenes de personas reales, criaturas fantásticas, fuerzas del mal (áspides) templos adornados. Los relieves representan eventos bíblicos y escenas legendarias de la vida de los santos. Además de decorar iglesias, los relieves tenían otra función. La gente común en esos días era analfabeta, para su iluminación crearon la "biblia de los pobres" de piedra.
Terminología de la Edad Media Salario ascético Escolasticismo Vagant Codex Vivarium Alegoría Miniatura Donjon Canon Rose Tratado Icono Altar Vitral
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Estas presentaciones se pueden utilizar para realizar lecciones de arte, serán útiles ya que contribuyen a una mejor percepción visual de los estudiantes y hacen que las lecciones sean más dinámicas y visuales. Recomendamos que los estudiantes usen presentaciones para revisar o reforzar lo que ya han aprendido.
Tradiciones rusas: año nuevo
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Es difícil no estar de acuerdo con el papel que juega el arte en la historia de cualquier período. Juzgue usted mismo: en las lecciones de historia en la escuela, después de cada tema dedicado al estudio de la situación política y económica en el mundo en un período de tiempo determinado, se invita a los estudiantes a preparar informes sobre el arte de esta época.
También en el curso escolar desde hace relativamente poco tiempo existe un tema como el MHC. Esto no es en absoluto accidental, porque cualquier obra de arte es uno de los reflejos más brillantes de la época en que fue creada, y te permite mirar la historia del mundo a través de los ojos del creador que le dio vida a esta obra.
Definición de cultura
La cultura artística mundial, o MHC para abreviar, es un tipo de cultura social basada en la reproducción figurativa y creativa de la sociedad y las personas, así como en la vida y la naturaleza inanimada a través de los medios utilizados por el arte profesional y la cultura del arte popular. Además, estos son fenómenos y procesos de espiritualidad. actividades practicas que crea, distribuye y desarrolla objetos materiales y obras de arte que tienen valor estético. La cultura artística mundial incluye el patrimonio y los monumentos pintorescos, escultóricos, arquitectónicos, así como toda la variedad de obras creadas por el pueblo y sus representantes individuales.
El papel del MHC como sujeto
En el curso de estudiar el curso de la cultura artística mundial, se proporciona una amplia integración y comprensión de la relación de la cultura, principalmente con eventos históricos de cualquier período de tiempo, así como con las ciencias sociales.
Como se mencionó anteriormente, la cultura artística mundial abarca todas las actividades artísticas en las que una persona se ha involucrado alguna vez. Estos son la literatura, el teatro, la música, las bellas artes. Se estudian todos los procesos relacionados con la creación y el almacenamiento, así como con la difusión, creación y valoración del patrimonio cultural. Los problemas asociados con asegurar una mayor vida cultural de la sociedad y la formación de especialistas de las calificaciones apropiadas en las universidades no permanecen al margen.
Como materia académica, el Teatro de Arte de Moscú es un llamado a toda la cultura artística, y no a sus tipos individuales.
El concepto de una era cultural.
La época cultural, o paradigma cultural, es un fenómeno multifactorial complejo que contiene la imagen de una persona específica que vive en tiempo exacto y realización de sus actividades, así como una comunidad de personas con la misma forma de vida, talante y pensamiento de vida, sistema de valores.
Los paradigmas culturales se reemplazan como resultado de una suerte de selección natural-cultural a través de la interacción de los componentes tradicionales e innovadores que porta el arte. MHC como curso de entrenamiento tiene como objetivo estudiar estos procesos.
que es el renacimiento
Uno de los períodos más significativos en el desarrollo de la cultura es el Renacimiento, o Renacimiento, cuyo dominio recayó en los siglos XIII-XVI. y marcó el comienzo de la Nueva Era. La esfera de la creatividad artística ha sufrido la mayor influencia.
Después de una era de decadencia en la Edad Media, el arte florece y renace la antigua sabiduría artística. Fue en este momento y en el sentido de "renacimiento" que se usa la palabra italiana rinascita, luego aparecen numerosos análogos en los idiomas europeos, incluido el Renacimiento francés. Toda creatividad artística, principalmente las bellas artes, se convierte en un “lenguaje” universal que permite conocer los secretos de la naturaleza y acercarse a ella. El maestro reproduce la naturaleza no condicionalmente, sino que se esfuerza por lograr la máxima naturalidad, tratando de superar al Todopoderoso. Comienza el desarrollo del sentido de la belleza familiar para nosotros, las ciencias naturales y el conocimiento de Dios todo el tiempo encuentran un terreno común. En el Renacimiento, el arte se convierte tanto en un laboratorio como en un templo.
periodización
El Renacimiento se divide en varios períodos de tiempo. En Italia, la cuna del Renacimiento, se distinguieron varios períodos, que durante mucho tiempo se utilizaron en todo el mundo. Se trata del Protorrenacimiento (1260-1320), en parte incluido en el periodo Ducento (siglo XIII). Además, hubo períodos de Trecento (siglo XIV), Quattrocento (siglo XV), Cinquecento (siglo XVI).
Una periodización más general divide la época en el Renacimiento Temprano (siglos XIV-XV). En este momento, hay una interacción de las nuevas tendencias con el gótico, que se transforma creativamente. Luego vienen los periodos del Renacimiento Medio, Alto y Tardío, en los que se da un lugar especial al manierismo, caracterizado por una crisis de la cultura humanística del Renacimiento.
También en países como Francia y Holanda se está desarrollando el llamado gótico tardío donde juega un papel muy importante. Como dice la historia del MHC, el Renacimiento se reflejó en Europa del Este: República Checa, Polonia, Hungría, así como en los países escandinavos. España, Gran Bretaña y Portugal se convirtieron en países con una original cultura renacentista que se había desarrollado en ellos.
Componentes filosóficos y religiosos del Renacimiento
A través de las reflexiones de representantes de la filosofía de este período como Giordano Bruno, Nicolás de Cusa, Giovanni y Paracelso, los temas de la creatividad espiritual, así como la lucha por el derecho a llamar a un individuo un "segundo dios" y asociar un persona con él, se vuelven relevantes en el Teatro de Arte de Moscú.
Relevante, como en todo momento, es el problema de la conciencia y la personalidad, la fe en Dios y mayor potencia. Hay puntos de vista tanto moderados como heréticos sobre este tema.
Una persona se encuentra ante una elección, y la reforma de la iglesia de este tiempo implica un Renacimiento no sólo en el marco del MHC. Esta es también una persona propagada a través de los discursos de figuras de todas las denominaciones religiosas: desde los fundadores de la Reforma hasta los jesuitas.
La tarea principal de la era. Unas palabras sobre el humanismo
A la vanguardia durante el Renacimiento está la educación de una nueva persona. La palabra latina humanitas, de la que se deriva la palabra "humanismo", es el equivalente de la palabra griega para "educación".
En el marco del Renacimiento, el humanismo llama a la persona a dominar la sabiduría antigua importante para esa época y encontrar un camino hacia el autoconocimiento y la superación personal. Aquí confluyen todo lo mejor que pudieron ofrecer otras épocas, dejando su huella en el MHC. El Renacimiento tomó la herencia antigua de la antigüedad, la religiosidad y el código de honor secular de la Edad Media, la energía creativa y la mente humana del Nuevo Tiempo, creando un completamente nuevo y, al parecer, tipo perfecto cosmovisión
Renacimiento en varios campos de la actividad artística humana.
Durante este período, las pinturas ilusorias similares a la naturaleza reemplazan a los iconos y se convierten en el centro de la innovación. Los paisajes, la pintura cotidiana, los retratos se pintan activamente. El grabado impreso sobre metal y madera se está extendiendo. Los bocetos de trabajo de los artistas se convierten en una forma independiente de creatividad. La imagen ilusoria también está presente en
En arquitectura, bajo la influencia del entusiasmo de los arquitectos por la idea de los templos, palacios y conjuntos arquitectónicos, centrándose en horizontales organizados en perspectiva céntrica y terrenal.
La literatura renacentista se caracteriza por el amor por el latín como lengua de las personas cultas, adyacente a las lenguas nacionales y populares. Se están popularizando géneros como la novela picaresca y el cuento urbano, los poemas heroicos y las novelas de temática medieval aventurera y caballeresca, la sátira, la lírica pastoril y amorosa. En la cúspide de la popularidad del teatro, los teatros presentan representaciones con abundantes fiestas en la ciudad y magníficas extravagancias cortesanas, convirtiéndose en un producto para síntesis coloridas. varios tipos letras.
La polifonía musical estricta florece en la música. La complicación de las técnicas compositivas, aparición de las primeras formas de sonatas, óperas, suites, oratorios y oberturas. La música profana, cercana al folklore, se pone a la par de la música religiosa. Hay una rama de la música instrumental en vista separada, y el pináculo de la era: la creación de canciones en solitario, óperas y oratorios completos. El templo fue reemplazado por el teatro de la ópera, que ocupó el lugar del centro de la cultura musical.
En general, el principal avance es que el anonimato medieval es reemplazado por la creatividad autoral e individual. En este sentido, la cultura artística mundial se está moviendo a un nivel fundamentalmente nuevo.
titanes del renacimiento
No es de extrañar que un renacimiento tan fundamental del arte, de hecho, de las cenizas no pudiera tener lugar sin aquellas personas que crearon una nueva cultura con sus creaciones. Más tarde fueron llamados "titanes" por las contribuciones que hicieron.
El proto-Renacimiento fue personificado por Giotto, y durante el período del Quattrocento, el constructivamente estricto Masaccio y las obras sinceramente líricas de Botticelli y Angelico se opusieron.
El promedio, o representado por Rafael, Miguel Ángel y, por supuesto, Leonardo da Vinci, artistas que se convirtieron en íconos en el cambio de la Nueva Era.
Los arquitectos famosos del Renacimiento fueron Bramante, Brunelleschi y Palladio. Brueghel el Viejo, El Bosco y Van Eyck son pintores del Renacimiento holandés. Holbein el Joven, Durero, Cranach el Viejo se convirtieron en los fundadores del Renacimiento alemán.
La literatura de este período recuerda los nombres de maestros tan “titanes” como Shakespeare, Petrarca, Cervantes, Rabelais, quienes dieron al mundo la lírica, la novela y el drama, y también contribuyeron a la formación de los lenguajes literarios de sus países.
Sin duda, el Renacimiento contribuyó al desarrollo de muchas corrientes artísticas y dio impulso a la creación de otras nuevas. No se sabe cómo sería la historia de la cultura artística mundial si no existiera este período. Quizás el arte clásico de hoy no causaría tanta admiración, la mayoría de las tendencias en literatura, música y pintura no existirían en absoluto. O tal vez habría aparecido todo aquello con lo que estamos acostumbrados a asociar el arte clásico, pero muchos años o incluso siglos después. Sea cual sea el curso de los acontecimientos, Y solo una cosa es obvia: aún hoy admiramos las obras de esta época, y esto demuestra una vez más su importancia en la vida cultural de la sociedad.
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Cultura (del latín cultura - cultivo, educación, educación, desarrollo, veneración) Cultura - un conjunto de valores materiales y espirituales, ideas de vida, patrones de comportamiento, normas, métodos y técnicas de la actividad humana: - que refleja un cierto nivel de desarrollo histórico de la sociedad y del hombre; - incorporados en sujeto, portadores materiales; y - transmitido a las generaciones posteriores.
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La cultura artística (arte) es un tipo específico de reflexión y formación de la realidad por parte de una persona en el proceso de creatividad artística de acuerdo con ciertos ideales estéticos. CULTURA MUNDIAL - CREADA EN DIFERENTES PAÍSES DEL MUNDO.
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Funciones del arte Narrativo-cognitivo - conocimiento e ilustración. Información y comunicación: comunicación entre el espectador y el artista, comunicación entre personas con obras de arte, comunicación entre ellos sobre obras de arte. Pronóstico: anticipación y predicción. Socialmente transformadores e intelectualmente morales: las personas y la sociedad están mejorando, están imbuidos de los ideales que propone el arte, rechazan lo que apunta la crítica del arte.
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Estética: el desarrollo de las habilidades de percepción artística y creatividad. En los ejemplos de obras de arte, las personas desarrollan su gusto artístico, aprenden a ver la belleza en la vida. Hedonista - placer. Impacto psicológico en una persona: cuando, escuchando música, lloramos, mirando una pintura, sentimos alegría y una oleada de fuerza. El arte como guardián de la memoria de generaciones.
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TIPOS ESPACIALES DE ARTE - tipos de arte, cuyas obras - existen en el espacio, no cambian ni se desarrollan en el tiempo; - tener un carácter sustantivo; - se realizan procesando material material; - percibido por la audiencia directa y visualmente. Las artes espaciales se dividen en: - en Bellas Artes(pintura, escultura, gráfica, fotografía); - artes distintas de las bellas artes (arquitectura, artes y oficios y diseño artístico (diseño)).
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Bellas artes Las bellas artes son un tipo de arte, cuya característica principal es el reflejo de la realidad en imágenes visuales percibidas visualmente. Las bellas artes incluyen: pintura, gráficos, escultura, fotografía, impresión.
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PINTURA: una especie de bellas artes, cuyas obras se crean en un plano utilizando materiales de colores. La pintura se divide en: caballete decorativo monumental
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Los tipos especiales de pintura son: pintura de iconos, miniatura, fresco, pintura teatral y decorativa, diorama y panorama.
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La ESCULTURA es un tipo de bellas artes cuyas obras tienen un volumen material, objetivo y una forma tridimensional, situadas en el espacio real. Los principales objetos de la escultura son el hombre y las imágenes del mundo animal. Los principales tipos de escultura son la escultura redonda y el relieve. la escultura se subdivide: - en monumental; - monumental-decorativo; - caballete; y - escultura de pequeñas formas.
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FOTO ARTE - arte plástico, cuyas obras se crean por medio de la fotografía.
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Diseño no artístico (diseño artístico). arquitectura decorativa y aplicada,
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ARQUITECTURA - el arte de diseñar y construir edificios y crear conjuntos artísticamente expresivos. El objetivo principal de la arquitectura es crear un entorno para el trabajo, la vida y la recreación de la población.
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ARTES DECORATIVAS es el campo de las artes plásticas, cuyas obras, junto con la arquitectura, forman artísticamente el entorno material que rodea a una persona. El arte decorativo se divide en: - arte monumental y decorativo; - Artes y manualidades; y - artes decorativas.
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DISEÑO - diseño artístico del mundo objetivo; desarrollo de muestras de construcción racional del entorno sujeto.
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ARTES TEMPORALES Las artes temporales incluyen: música; 2) ficción.
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La música es una forma de arte que refleja la realidad en imágenes artísticas sonoras. La música puede transmitir emociones, sentimientos de las personas, que se expresa en ritmo, entonación, melodía. Según el método de interpretación, se divide en instrumental y vocal.
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Ficción- un tipo de arte en el que el portador material de las imágenes es el habla. A veces se le llama "buena literatura" o "arte de la palabra". Hay literatura artística, científica, periodística, de referencia, crítica, cortesana, epistolar y otras.
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TIEMPO ESPACIAL (espectacular) TIPOS DE ARTE Estos tipos de arte incluyen: 1) danza; 2) teatro; 3) cinematografía; 4) variedad y arte circense.
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El CINE ARTE es un tipo de arte, cuyas obras se crean con la ayuda de filmaciones reales, o especialmente escenificadas, o con la participación de medios de animación de eventos, hechos y fenómenos de la realidad. Es una forma de arte sintético que combina la literatura, el teatro, las artes visuales y la música.
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LA DANZA es una forma de arte en la que imagenes artisticas se crean mediante movimientos plásticos y cambios rítmicamente claros y continuos de las posiciones expresivas del cuerpo humano. La danza está indisolublemente unida a la música, cuyo contenido emocional y figurativo se materializa en su composición coreográfica, movimientos y figuras. .
